Arte no existe

CONECTIVIDAD, INTERES COLECTIVO E INDIVIDUAL

2012-01-25T15:34:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

En el marco del "I Encuentro Nacional para promover la Conectividad en Bolivia, realizaré una breve apreciación mediante apuntes:

- Al ser esta una incipiente plataforma de comunicación o encuentro entre sociedad y Estado (a colación cito a sus representantes acá presentes-Viceministerio de Telecomunicaciones, ATT, entre otros) con los primeros que demandan mayor atención en cuanto a la problemática planteada, entendida como “la ampliacion de la cobertura del servicio de internet, la mejora en la velocidad de las conexiones y costos acordes a estándares internacionales” (concepto extractado de la página del evento en Facebook), me parece pertinente que ambas partes establezcan un solo objetivo que vendría a ser:

“El diseño de políticas para la calidad del acceso y la masificación en el uso de la red (Internet) como una prioridad del Estado en términos de bienestar para todos los bolivianos”.

- Bajo este precepto debo remitirme a un ejemplo claro de un país vecino como es el “Informe Final Segunda Encuesta sobre Acceso, Uso y Usuarios y Disposición de Pago de Banda Ancha en Chile”, realizado en 2011 por la Universidad Alberto Hurtado y el Gobierno de Chile. Este estudio puede ser descargado desde el siguiente link.

- Para no extenderme en la disección de dicha publicación solo haré notar algunos ejemplos.

- Si bien el título del estudio realizado en Chile, no alude en ningún momento al bienestar de los usuarios (volviendo al objetivo planteado), es interesante cómo se puede aplicar cuatro variables para uno similar en Bolivia, reiterando el acceso, el uso, los usuarios (un perfil del internauta boliviano) y la disposición de pago de banda ancha.

- Esta última variable (la disposición del pago de banda ancha) me parece fundamental a la hora de reconocer las falencias del uso como del usuario con respecto a la hipotética realidad de obtener mejor acceso a la red en nuestro país. Una disposición entendida como voluntaria. La voluntaria referida a la posibilidad de asumir el costo de este acceso a la red por parte del usuario (según el ingreso per capita y entendiendo que el uso de internet en el hogar no es un símbolo de estatus si no de consumo de tecnología ergo información / comunicación).

- No voy a referirme al resto de la población que carece del servicio porque desconozco las estadísticas que suponen otro problema en Bolivia al margen de la conectividad como es la brecha digital o la posibilidad de contar con un equipo en casa (Pc).

- Empero está claro que para los pocos que componemos este cúmulo de internautas bolivianos, somos una pequeña demanda en el mercado de las telecomunicaciones (dada nuestra posibilidad económica de acceder a un servicio), lo que supone la causa principal para entender el encarecimiento de las conexiones que ofrecen las empresas privadas (telefónicas). Es decir, mayor atención a un pequeño mercado, que demanda un buen servicio, lo que supone inversión, elevación de costos y el reclamo que hoy realizamos como consigna.

- ¿Qué hacer? ¿Elevar el número de usuarios para que los precios se regulen de manera uniforme y el mercado de la conexión a internet se establezca como una prioridad antes que un fin mercantilista?

- ¿Acaso esta misma comparación no podría ser aplicada para la disposición de un equipo (pC), redundando en el entendido de un bien tecnológico antes que un bien de categorización social?

- Una vez más la variable de la disposición emerge, si es que así lo entienden los genios del marketing de estas empresas si en el futuro piensan atraer nuevos usuarios como bien podría entenderlo el Estado a través de sus políticas de desarrollo o la subvención para adquirir este bien tecnológico, si se entendiera el objetivo planteado al principio: una prioridad (tecnología) para el bienestar de los bolivianos.

- Acudo a su comprensión de que estos son meros apuntes y no conclusiones. Debo ser puntual y solo pedir disculpas si el caso así lo amerita por la brevedad; pero lo planteado acá puede ser considerado y espero sus inquietudes a mi correo personal: davidmamani@gmail.com o ahora mismo vía Twitter: @mamanidavid

- Desde el punto de vista periodístico, en mi experiencia al ejercer el oficio de forma independiente, creo que existe una dicotomía ante el limitado acceso a internet dado este nuevo paradigma plural – multicultural que aboga el gobierno versus quienes tienen poco para decir (nosotros que podemos acceder a la red). SIn embargo, dejando de lado la demagogia política y entendiendo la red como una plataforma para una Bolivia plural – multicultural que podría ser mejor entendida entre todos los bolivianos si los canales (Internet) estarían abiertos, relegarían así los contenidos de un pequeño poder que al momento solo aumentan ruido, manipulación (medios masivos en versión digital) y poca relevancia.

EL FINAL DE UNA COSTUMBRE (reflexiones en el marco del lanzamiento de Perfecto Discos)

2011-12-15T21:51:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

Para Daniel Careaga

Un Millón de Veces cerrando el ciclo de conciertos de Perfecto Discos

Bastaron tres fechas para el lanzamiento de Perfecto Discos y ya se puede hablar de un suceso en Santa Cruz. Seis bandas: Charango, Ella Escucha Voces, Six, Visiones del Terror, Don Adhelky y Un Millón de Veces se presentaron en diversos escenarios de la ciudad, con un promedio de asistencia aceptable dado lo “nuevo” en la propuesta de estas agrupaciones donde destacó la participación de invitados de Argentina como Flor & Sebas, artistas de la escena indie de la ciudad de La Plata.

El nacimiento de un sello discográfico que gracias al apoyo de Sixpack Producciones, se convierte en una plataforma alternativa (cabe aclarar que nada tiene que ver con el Colectivo de Música Alternativa Independiente) referido a los incipientes “gustos” que pueden ser adoptados por la gente.

Marcel Duchamp decía que “el gusto es costumbre”, es adquirido. Pues bien, en este mar de infinitas costumbres hay que trazar finitos, límites ergo rupturas para un posterior mapa generacional donde se podrá ubicar una evolución en la llamada “música cruceña” según el género que se plantee de la música popular (rock, pop, jazz, hip hop, cumbia, etc).

Porque cuando uno está cerca de la concepción de una idea revolucionaria en términos de cambio en el arte (y no la demagogia política), en un contexto como la música contemporánea cruceña -y ojo con la localía porque el nombre está demás: “cruceño” (esto podría suceder o sucedió en cualquier parte del mundo)- lo alternativo se forja desde el anonimato. El anonimato no entendido como una pose “snobista” de parecer intelectuales o diferentes al común del gusto adquirido de la gente, sino de la emergencia, un nacimiento espontáneo.

Dicho proceso de renovación puede tener una gran campaña mediática, hacer eco de la gente, compadrazgos, camarillas, comparsas, internet, redes sociales, etc; cualquiera sea la tara o la causa que le pongan, lo que quedará es el discurso, la obra de arte en sí como es la música que Perfecto Discos presentó a través de sus bandas.

Porque de toda la mierda que echan algunos, ésta se reduce a una estrategia del escándalo para resaltar sus méritos. Que si la mass media los consideró alguna vez o nunca lo hizo no debería ser preocupación o tema de falso debate. Que si tienen una trayectoria del tamaño 800 y ahí caben adeptos que fueron a sus conciertos y compraron sus discos, no determina dónde se puede ubicar a este movimiento si no es en su capacidad de expresarse, a través de la música o asumiendo una posición en este marco reiterado del arte.

Y voy hacer hincapié en esa palabra: posición. No para hacer trinchera sino para referirme a lo dicho anteriormente, hacerse un lugar en esa cronología de la música popular.

Ella Escucha Voces actuando en la primera fecha

Y que me disculpen el sofisticado lenguaje que parece una “obra borgiana” como tan mal calificaron el trabajo de un colega periodista (Maximiliano Barrientos) que definía esta nueva ola de Perfecto Discos como “Ruido del bueno. Del necesario. Aquel que desordene el imaginario cruceño, tan anclando en el heavy metal ochentero donde no sucedió nada más después de Metallica y Guns N’Roses”.

Si alguien puede expresarse de manera más fácil para el resto de la gente que lo haga, pero este es mi sentir, alejado de los estériles comentarios de aquellos que al igual que su música, no piensan ni hacen pensar. Será el final de una costumbre, un gusto adquirido. Que así sea.

Fotos: David Mamani Cartagena

RECUERDOS DE AVANZADA

2011-10-26T04:04:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

(*) Para Pato Peters y todos aquellos que alguna vez fuimos parte del junte tuitero melómano

Reiterativa y exhaustiva. Esta vasta y absurda discusión que todavía genera la fiebre de los tributos musicales en Santa Cruz y su patética presencia como tema del día en las redes sociales (Facebook en particular), ha creado un escenario donde asisten quienes profesan y reclaman originalidad para la música nacional (al margen del género) como aquellos que se dedican a promover estos eventos. Estos últimos basan su postura en el éxito de sus funciones y el crecimiento de sus utilidades como empresa.

Está claro que la nostalgia es un gran negocio. Se sobre entiende que a la música nacional le hace falta un gigante atisbo de creatividad. Yo estoy convencido que no solo pasa por el artista, ni por el productor ni por el mercado. Ante el capitalismo que coapta todo, prefiero considerar mis esperanzas (casi perdidas) hacia la inteligencia de quien consume música.

Empero, voy a ser reiterativo como los empecinados del “cover“ y plantearé un discurso no tan estéril. Empezaré diciendo que estos nichos (tributos) no conocen más allá del género que creen representar (rock). Una generación de músicos mediocres cuyas referencias musicales no pasan del 2000, y que prefieren imitar, copiar, calcar, etc; a pesar que la originalidad está en el negocio sin ninguna duda.

Tanta reiteración de la nostalgia no ofende al dinero pero sí a quienes hemos crecido con esos sonidos. Ante la mediocridad de interpretación o limitada creación de “reversionar” o hacer una nueva versión del “cover” en cuestión, mis referencias de aquel tiempo caen en un facilismo del cual no quiero hacer mella en honor al placer que me produjo escuchar por primera vez esa música o lo que en un tiempo consideré vanguardia y hoy es cliché de mercado. Aquel honor alude aunque de ilusa manera a estas mismas referencias que tienen que bancarse “encomiuns” ajenos. Estas bandas dirán como Vincent Kartheiser: “Estoy feliz de ser un estadounidense blanco y no un boliviano”.

Siguiendo con el sarcasmo y en tono serio en lo posterior, concluyo que esta generación de “alabanzas rockeras” no está sola. Cabe reflexionar también al público que asiste a misa (boliches) los viernes o sábados a la noche. Aquellos que hoy escuchan música y su incapacidad de selección como de catalogación. Su desidia para buscar nuevos sonidos, nuevas fuentes periodísticas musicales, páginas web, blogs, foros, etc. Un cumulo de conocimiento que podría paliar esta crisis creativa en beneficio de la música nacional como del mercado libre. Un “oligopolio” de innovación (pocos mejor) parafraseando los términos económicos de los entendidos del negocio de la reiteración (tributos).

Si vamos a hablar de liberalismo optemos por una cultura libre de creación y no de imitación, porque si algo hará la vanguardia no será eximirnos de no ser blancos y haber nacido en Bolivia, pero sí poder jactarnos de ser originales.

Notas:

(*) El junte tuitero melómano fue una iniciativa colectiva creada desde Twitter el año 2010, y llevada a la realidad en dos ocasiones en el domicilio particular del colega Pato Peters, cuando todavía residía en Santa Cruz. Una tercera ocasión planificada espera concretarse pronto. Cuando todos quienes estuvimos ahí, volvamos a juntarnos y hablar de música. Un placer recordar.

(*) Recomendaciones web para dejar de ser un asistente a tributos musicales:

http://www.rollingstone.com.ar/weblogs/hot-tracks

http://www.piensomusica.com/

http://www.pitchfork.com/

I BET YOU WILL

2011-09-19T05:44:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

The greatest movie ever sold (2011), es el ultimo documental de Morgan Spurlock. Hace unos años Super Size Me (2004, ópera prima de Spurlock) podía advertir su sensibilidad más que sentido del humor para criticar algunos aspectos de la vida contemporánea en EEUU.

Los hábitos de consumo condicionados y manipulados por la ansiedad, el miedo y el sexo de los seres humanos (los tres pilares fundamentales de la publicidad citados en el filme) convergen en The greatest movie ever sold; donde promotores, publicistas, gerentes de multinacionales y corporaciones aparecen como víctimas del sarcasmo de Spurlock. Su único objetivo es cubrir el presupuesto de la película que asciende a 1.5 millones de dólares americanos, a ser financiado por los mismos sponsors.

Citas memorables de alguno de los diálogos que sostiene Spurlock con los especialistas del marketing son: “Una publicidad que anuncia una mentira es una verdad” o “El único momento cuando no recibes publicidad es cuando duermes”, y que contrastan con la única cara opuesta del capitalismo occidental visto en el filme como es la ciudad de Sao Paulo en Brasil. Ante la firme decisión de acabar con la contaminación visual, sus autoridades prohibieron mediante una ley, todo tipo de publicidad en la calle.

Al presente Spurlock ya no es sensible, sino estúpido. Después de Super Size Me, Spurlock condujo un programa en la cadena musical MTV, llamado I Bet you will, donde apostaba a la gente hacer determinada sordidez voluntaria por un monto de dinero acordado entre ambas partes. Al parecer le tocó asumir el rol ahora.

Ante el narcisismo de Spurlock y la ingenuidad de los norteamericanos, el impacto es menor para el tercer mundo. En Bolivia su película se regala por 1 dólar.

¿Por el pelo de hoy cuánto gastás? cantaba Luca Prodan.

ENTREVISTA SOBRE PERIODISMO CULTURAL

2011-08-25T13:50:00.000-07:00

Arturo Salva, estudiante de la carrera de Comunicación Social de la UAGRM me mandó este cuestionario vía email, indagando sobre mi ejercicio en el periodismo cultural. Comparto algunos criterios.

AS: ¿Porque elegiste ejercer esta área del periodismo y explotarlo más por el medio del Blog?

DM: Elegí el periodismo cultural por el interés particular que genera en mí el arte y todas sus manifestaciones y al mismo tiempo la cultura entendida como las manifestaciones del hombre en su entorno natural. El blog es un soporte que me permite publicar de forma independiente, que no implica un costo y lo más importante creo yo, poder registrar o guardar mi trabajo de forma periódica, al margen de poder interactuar con los lectores.

AS: Ser periodista cultural ¿que implica?

DM: Implica saber observar la realidad y describirla. Creo que esta tarea la ejercemos todos los periodistas de todas las áreas. Diría también que el periodismo cultural implica conocer otras ciencias sociales (no solo la comunicación) que comprenden al hombre como son la sociología y la antropología.

AS: ¿Qué libertades tienes el practicar tu profesión en un blog?

DM: No sabría comparar la independencia con la libertad, porque si hablamos de libertad tendríamos la responsabilidad de informar en contrapeso. Creo en la independencia más que en la libertad (no estar sujeto a condiciones de publicación), en el sentido de descubrir tu estilo a la hora de redactar que muchas veces se ve impedida por el editor de un medio y lo más importante, la dedicación a lo que haces porque podrías escribir un infinito número de caracteres en tu blog como un determinado número en un medio oficial, la diferencia es el dinero. Escribes en un blog por mero “amor al arte”.

Añadiría otra simple razón, la posibilidad de extensión, tener un espacio no limitado a la hora escribir (papel versus formato digital).

AS: ¿Qué razones hay para ser periodista independiente en el área cultural?

DM: Varias, como las que respondí antes. Encontrar tu estilo a la hora de redactar, no depender de ningún poder oficial del periodismo local. En síntesis, como bien indicas en tu pregunta, la independencia es una razón porque tu voz representa tu visión de la realidad. Si bien puede ser una verdad subjetiva, creo que la objetividad está en el lector al entender lo que escribes.

AS: ¿Cómo consideras el ejercicio del periodismo cultural en Santa cruz?

DM: El ejercicio en un sentido idóneo referido a la capacidad es excelente. Empero la agenda del día se confunde y limita solo a lo que representa el entretenimiento o el “show business”. Digo esto en algunos casos, ya que solo existe un periódico en la ciudad con un suplemento especializado en cultura como es Brújula de diario El Deber. Con esto concluimos que hace falta más suplementos y lógicamente publicaciones impresas más grandes (revistas, libros).

De lo citado, falta también capacitación permanente. La formación académica de un periodista es general (Comunicación Social). Entonces cualquiera sea el área que ejerzas en periodismo, cuenta permanentemente una formación autodidacta. Internet es una fuente de información que puede paliar esta insuficiencia.

Ponderando mi ejercicio como el de cualquier otro colega, si ejerces el periodismo cultural en formato digital de alguna manera eres una alternativa a la limitación descrita antes, porque tú puedes proponer una nueva agenda y describir no solo a los actores dedicados al arte sino a cualquier otro fenómeno cultural presente, observable y relevante para ser investigado y dado a conocer al lector.

AS: ¿Qué beneficios hay en la independencia del medio periodístico?

DM: Independencia de pensamiento, de redacción, creo esos son los beneficios. Si hablamos beneficios económicos diría que uno tiene que ver la forma de hacer sustentable y rentable su actividad por el carácter independiente que conlleva esta idea, sin caer en una manipulación o simplicidad (trivialidad) que afecte tu redacción.

AS: ¿Tienes alguna cuestión acerca de los medios locales en su práctica de la difusión cultural?

DM: Creo que nos hace falta a todos los colegas del área capacitarnos permanentemente y sobre todo generar interés al lector para acercarse a la cultura, a su misma realidad. Cito esto último para cambiar definitivamente la idea de cultura en un sentido de conocimiento cuando aluden a la “gente culta”. Concluyendo, dejar de lado los "snobismos" de un canon inexistente en cuanto a una parte del público lector para no concebir que “solo los que saben, leen sobre cultura”.

AS: ¿Qué es fundamental para escribir sobre la producción cultural?

DM: Me gusta esta pregunta cuando hablas de la producción cultural. Fundamentalmente implica conocer a todos los actores que producen cultura en un lugar determinado, Santa Cruz en este caso. El punto es que todavía no se ha comprendido la dimensión de ese término como es “producción cultural” referido a una industria. Una producción implica un consumo y este es un tema aparte y bien que lo mencionas porque todavía no se ha hecho un estudio serio sobre la oferta y demanda de consumo cultural en Santa Cruz, la relación entre productores culturales y público general. Entonces para iniciarse a escribir sobre producción cultural habría que partir de este estudio, por la importancia que conlleva conocerlo y sobre todo por las utilidades que genera esta producción ergo industria. En otros países de Latinoamérica o Europa, se entiende la cultura como un motor de desarrollo que genera muchos ingresos que aportan al Producto Interno Bruto de un país. Si sumas estos ingresos ligados al sistema impositivo, estaríamos hablando de utilidades generadas por la cultura y que bien pueden ser reinvertidas por un Estado hacia los mismos actores o productores. Este sí creo es un reto de todos los actores culturales, modernizar el Estado a través de su actividad para generar sostenibilidad y seguir produciendo.

AS: ¿El periodismo cultural implica más al hecho de ser un hecho noticioso?

DM: El periodismo cultural en su agenda varía permanentemente. El hecho noticioso por su naturaleza de hecho “efímero” necesita ser difundido con urgencia. En cambio, el hecho cultural es fluctuante. La cultura o las culturas cambian todo el tiempo. La relación de la naturaleza (realidad) y el hombre deben ser observadas y estudiadas (referido a las ciencias sociales) para poder difundirse de forma especializada y con mayor espacio (extensión).

SENTADO EN EL PARAMO

2011-08-17T02:17:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

“Supe igual que un loco que todo lo que había conocido y todo lo que conocería era uno”

Sal Paradise, “En la Carretera” de Jack Kerouac

“Uno nunca muere” sentencia “Butch Cassidy”, personaje que interpreta Sam Shepard (EEUU) en “Blackthorn”, película filmada en Bolivia por el director español Mateo Gil.

Ya se indagó bastante para tratar de escribir la historia oficial de “Butch Cassidy y Sundance Kid”. Sin embargo, “Blackthorn” toma la figura de “Butch” como un mito existente, quien comienza a vivir un dualismo reflejado en esta nueva versión de la leyenda, sobreponiéndose al final el bien contra el mal como un manifiesto filosófico. Ese discurso es atípico en un western norteamericano y que marca una diferencia con el western europeo popularizado por el italiano Sergio Leone.

“Butch Cassidy” sobrevive a la muerte dos veces. En “Blackthorn” la narración da cuenta que ambos personajes no murieron juntos a manos del ejército boliviano, sino que “Butch” mata a su compañero en un acto de compasión para continuar su camino.

Mateo Gil introduce un nuevo personaje a la historia como es “Eduardo Apodaca” (protagonizado por el actor español Eduardo Noriega), quien viene a paliar la ausencia de un villano y toma esta carga negativa.

Una vez más “Butch” vence a la muerte y el retorno a casa marca al mito en la memoria que escribe a través de cartas. Como diría el personaje: “La vida de un hombre están separadas por dos momentos, cuando sale de casa y cuando vuelve. El resto está al medio”.

Foto: extractada del sitio oficial de la película http://www.blackthornthemovie.com

SOBRE EL OFICIO DE PENSAR, ESCRIBIR Y DECIR NADA

2011-08-10T22:24:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Para Raquel Orozco, entrañable colega

Rodrigo Hasbún dice "casi nada" mientras Federico Falco escucha

Desde ayer hasta mañana 12 de agosto se llevará a cabo el 3. Encuentro de Escritores “Literatura del yo: una exploración de los cruces entre realidad y ficción en la literatura latinoamericana contemporánea” que organiza el Centro Simón I. Patiño de nuestra ciudad. Invitados ayer fueron los escritores nacionales Sebastián Antezana, Rodrigo Hasbún y Mauricio Murillo quienes leyeron ponencias sobre Rodolfo Walsh, Jaime Saénz y Fabián Casas, lecturas contemporáneas de la región. Ulteriormente expondrán escritores internacionales invitados como Yuri Herrera (México), Iosi Havilio y Federico Falco (Argentina) y Diego Zuñiga (Chile). Pero no quiero hablar de esto porque de lo dicho anoche solo me quedó esta frase proferida por Rodrigo Hasbún al final del conversatorio cuando respondía una duda del público: “lo que voy a decir es casi nada”. ¿Qué es "nada"?

¿Pensar, escribir o decir es "nada"?

Hace unos días fui cuestionado por una amiga cuando me reclamaba que yo nunca había leído la obra de determinado autor y sin embargo había osado entrevistarlo. Tampoco es una vasta obra la del escritor en un sentido literario de narrativa o ficción, sino que también abarca otros géneros como el ensayo, la crónica, la crítica musical, literaria, etc. El punto es que sigo sosteniendo que hay que saber leer para entender, luego pensar, escribir y decir algo, no “nada”. La "nada" entendida hacia otro sentido semántico. Esto último alude a ella como a todos los que no entendieron esa entrevista. Según ellos “nada”.

Muchas de las alusiones o preguntas hacia el autor formuladas en mi entrevista, hacían referencia a una parte de su obra. Polifacético como pocos escritores, destaco la diversidad de su sensibilidad al escribir. El escritor en cuestión es Fabián Casas (1965, Buenos Aires, Argentina). Casas empezó estudiando filosofía, trabajó en el diario Clarín y el diario deportivo Olé. Siguió con el inicio de su carrera literaria a través de los “18 Whiskys”, una generación de poetas de los años ‘90s en Argentina, hasta publicar su primera novela llamada “Ocio”. Luego vino el compilado de cuentos “Lemmings y otros”, “Ensayos Bonsai” y la reciente “Breves apuntes de autoayuda”.

Pero esto no es “nada” con respecto a la entrevista y mi subestimado atrevimiento para preguntarle a alguien cuya obra literaria desconocía en ese momento, porque el resto fue el inicio para sumergirme en su ser, en la “nada”.

Aquí cabe plantear una abismal diferencia cuando pronunciamos la palabra escritor. Aquel que se jacta de serlo o lo que para mí representa esa palabra: escritor.

Escribir es un oficio y al presente pareciera tener un significado limitado porque solo abarca la literatura, la escritura de la ficción. Debo ser impetuoso y no tener dudas cuando reitero las palabras del escritor citado: (Hasbún) “lo que voy a decir a continuación es casi nada”.

¿Qué es o quién es realmente un escritor? Alguien que duda o desconfía de su respuesta no merecería ser llamado escritor. Pareciera uno de esos falsos profetas que predica pero no ofende. Volviendo a lo anterior, creo que un escritor no es solo quien publica, sino quien realmente escribe, como un acto individual cuyo margen de error no puede ser medido por el simple acto de publicar si en caso no es leído. Empero si escribe para la “nada” es válido. Puede ser anónimo e inédito, desconocido como la “nada”.

El periodismo por ejemplo, retrata y reivindica esta palabra, la idea del escritor que realiza este acto de manera periódica, como todo oficio, sin la necesidad de cumplir el canon de la escritura relacionado rigurosamente a lo literario o del mundo editorial (libros). En síntesis: un periodista también puede ser escritor en la “nada”.

Razonando sobre el periodismo como oficio, Fabián Casas me hace pensar cuando dice: "No pienso en oficios cuando escribo, ya que me gusta abandonarme para escuchar la voz extraña que es lo contrario de un oficio, es la incertidumbre total". Si suscribiera lo que dice, afirmaría que esa incertidumbre es la mejor forma de pensar, escribir y decir "nada".

En cuanto a pensar y escribir, alguna vez sostuve que el acto de leer implica comprender. ¿Comprendes?

Dicho de otra manera, cuando uno escribe algo genera pensamiento, el suyo propio. Hasta aquí una parte del proceso escritura – lectura. El siguiente paso no es solo pensar y escribir sino también hacer pensar a los demás, a la “nada”. Cuando alguien lee una verdad escrita por otro y encuentra su propia verdad, genera otro pensamiento de la “nada”.

Si algo le hace falta a un escritor no es solo pensar y escribir, sino también hacer pensar. Un reto abstracto. Como Rodrigo Hasbún dijo “nada”, para mí es mejor pensar para escribir en la “nada” (aunque nadie te lea) que pensar y decir “nada” y todos te escuchen.

Foto: David Mamani Cartagena

HACIA LA MODERNIZACION DEL ESTADO A TRAVES DE UNA INDUSTRIA CULTURAL

2011-07-28T08:28:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

El presente ensayo contiene apuntes para reflexionar sobre el panorama actual de las actividades culturales que generan utilidades y que deberían beneficiar al Estado, a los actores sociales (artistas y otros afines) y al público en general. De lectura comprensible, con ejemplos y con temas pendientes a resolver luego, sostengo, cuestiono e invito al intercambio de opiniones.

¿AMNISTIA PARA EL ARTE CHUTO?

Parecía un chiste, pero una parte del texto que redactaron los artistas (músicos) de Santa Cruz (a través de Facebook ) convocando a un evento a realizarse este viernes en la Manzana Uno en protesta por la nueva normativa del Sistema de Impuestos Nacionales (SIN) que rige el PROCEDIMIENTO TRIBUTARIO PARA ESPECTACULOS PÚBLICOS dice así: "Así como el gobierno libera a los "autos chutos" y da amnistía al Contrabando. Este viernes 29 de julio (desde las 18:00 hrs), habrá la contraparte con un gran show de teatro, danza, humor y música en la Manzana Uno.... Trae tu polera blanca, nosotros te la pintamos con el slogan "ARTISTA CHUTO" porque también queremos esa misma "amnistía"!!!

Les faltó decir que quieren seguir cometiendo actos ilegales o delitos a través de la cultura, porque si algo es ilegal es el contrabando, y quien pide una amnistía pide impunidad. En conclusión, esa convocatoria invita al incumplimiento de deberes impositivos. ¿Se debería entender también como apología del delito?

APRENDIENDO A ENTENDER LAS LEYES VIGENTES

Pareciera que el arte quiere estar al margen de la ley pero la figura es otra. No es el arte vs. el SIN, sino al contrario y en la lógica para quienes han leído la ley, es el estado contra la informalidad de quienes organizan y lucran (como actividad económica) de un espectáculo público bajo el rótulo de productores (no así gestores o actores culturales ergo artistas), eludiendo sus obligaciones tributarias. Esta última afirmación es respaldada en un antecedente descrito en la misma normativa cuando se lee claramente: “Que los Contribuyentes registrados en el Padrón Nacional, que realizan espectáculos públicos de forma permanente y/o eventual, no están cumpliendo adecuadamente con la declaración y pago de las obligaciones tributarias vinculadas a esta actividad económica, por lo que es necesario modificar los requisitos establecidos para todas las personas naturales o jurídicas para dosificar facturas a efecto de llevar a cabo este tipo de eventos, reforzando los mecanismos de control de la Administración Tributaria”.

Es un tema pendiente y de carácter penal comprobar si existe la supuesta evasión, pero lo que sí se ha corroborado es el extremo de la sordidez de un sector de la cultura a la hora de elaborar “consignas” al pedir “amnistía” por considerar su actividad ilegal.

Otro punto de la normativa a ser analizado, en particular el Artículo 3.- dice: (Definiciones) A efectos de la presente disposición, se aplicarán las siguientes definiciones:

a) Espectáculo Público: Actividad económica donde la participación del público es abierta, general, e involucra un costo para el asistente. De carácter enunciativo y no limitativo, comprende: obras de teatro o actuaciones de compañías teatrales, conciertos, recitales o presentaciones de música, presentaciones de ballet y baile artístico o coreográfico, operas, operetas o zarzuelas, desfiles de moda, verbenas, peñas folklóricas, fiestas, presentaciones circenses, presentaciones de magia o ilusionismo, presentaciones humorísticas, deportivas, etc.

Al contar con una certera definición de espectáculo público, reiterando “actividad económica donde la participación del público es abierta, general, e involucra un costo para el asistente”, estaríamos hablando de una relación casi contractual representada en un boleto de ingreso a un servicio ofertado por el artista, su manager u otros afines (ligados a espectáculos públicos). Lo extraño es que solo el sector artístico cultural se haya manifestado y no así dirigentes de clubes de fútbol cuando se lee “deportivas”. Pero ese es otro tema si un clásico como Oriente - Blooming no llenara las expectativas de la recaudación por lo que representan los requisitos para organizar un espectáculo público cuando se lee en el Artículo 5.- (Procedimiento de Autorización para Espectáculos Públicos Eventuales) I. Requisitos. El sujeto pasivo registrado o no en el Padrón Nacional de Contribuyentes, mediante nota simple, solicitará a la Gerencia Distrital o Graco de su jurisdicción la Autorización para realizar el Espectáculo Púbico Eventual, adjuntando la siguiente documentación: c) e) Original de la Boleta de Garantía Bancaria a primer requerimiento, endosada a nombre de la Gerencia Distrital o Gerencia Graco, donde se realizará el trámite de dosificación de facturas, por un monto equivalente al 35% del valor total de las facturas o notas fiscales a ser autorizadas, con fecha de vencimiento o ejecución de noventa (90) días posteriores a la conclusión del último Espectáculo Público Eventual autorizado”.

Una vez más se repite la idea de acabar con el tema de la informalidad en cuanto a la organización de espectáculos públicos cuando se enuncia que alcanza a todos los productores: “El sujeto pasivo registrado o no en el Padrón Nacional de Contribuyentes”. El resto del trámite como bien indica el inciso C, es la obligación que tiene cualquier persona al momento de emitir nota fiscal o factura representada en una garantía para evitar la supuesta evasión citada anteriormente. Si bien el 35 % del valor total de las facturas es un monto alto, de alguna manera frena la especulación de la venta (cortesías, pre-venta, revendedores, ubicaciones por sector VIP, GOLD, PLATINUM, etc).

Cuando el sector artístico cultural cuestiona si verá afectada su actividad económica, debería comprobar si da a lugar o no el Artículo 1.- (Objeto) “Establecer las condiciones, requisitos y procedimiento que deben cumplir los sujetos pasivos para la realización de espectáculos públicos y dosificación de facturas o notas fiscales, independientemente de la habitualidad con la que realicen la actividad económica”.

Al leer “independientemente de la habitualidad con la que realicen la actividad económica” se entiende la frecuencia con la que un artista realiza el espectáculo. Entonces éste no es un impuesto o trámite burocrático eterno, sino un requerimiento sobre cuántas veces se realice el mismo.

Habría que preguntarse si en Bolivia existe un artista que viva de su arte porque al final solo se dedica a difundirlo en primera instancia. Quien diga que vive de su arte quizá se jacta de pretencioso, al margen de saber si es justo o no el hecho de no poder llevar una vida digna si así lo permitiera la actividad artística.

Ya han pasado más de dos meses (20 de mayo) desde la promulgación del PROCEDIMIENTO TRIBUTARIO PARA ESPECTACULOS PÚBLICOS, resultando una serie de reclamos por parte de los artistas y productores hacia el SIN, empero el fisco prefirió cargar una responsabilidad en cuanto a la difusión de la nueva normativa y no así para atender demandas posteriores, a otra instancia en relación a lo artístico, designando a la Sociedad Boliviana de Autores y Compositores de Música (SOBODAYCOM) como agente de información, según el Artículo 10.

A raíz de la falta de atención del SIN, el sector artístico creó un ente independiente el pasado 16 de julio llamado Asociación Nacional de Promoción y Producción Cultural.

SOBRE LA LEGALIDAD EN EL ARTE

Aquí cabe otro tema y sería bueno saber si compensa desmarcarse de la obligación tributaria para ser exonerado de la misma en calidad de promotor y productor cultural. Este cuestionamiento se debería basar en el único vicio legal que se observa en la nueva normativa del SIN al no declarar hacia dónde irán los recursos a recaudar.

Otro punto es saber si realmente existe una industria cultural (y sus respectivos protagonistas) generada en Bolivia (de carácter identitario y que carece de fines turísticos) que produce utilidades para ser considerada una actividad rentable y que figure como contribuyente al pagar una tasa conforme a lo que establece cualquier Estado moderno de un sistema capitalista, es decir, el cobro por la generación de riqueza en un espacio determinado del territorio.

Como dije al principio, se debe reflexionar sobre el panorama actual de las actividades culturales que generan utilidades y que deberían beneficiar al Estado, a los actores sociales (artistas y otros afines) y al público en general. Remarco beneficios sobre lo que entendemos como industria cultural en el sentido de quién genera cultura y quién la consume, cerrando el círculo de la tributación. Si el público se jactara de consumir arte, el crédito fiscal podría ubicar mejor esta figura y la cultura llegaría a formar parte de nuestra economía del hogar.

Si el Estado quiere normar la actividad económica que genera la cultura desde el sector privado, entonces sería bueno pedir en contraparte una compensación o beneficios para actividades generadas desde el sector público, es decir, desde el Ministerio de Culturas, que debería estar en la obligación de realizar un censo de gestores y artistas que conforman el sector cultural independiente. Lo que debería proponerse es que este gravamen al sector privado vaya en beneficio del arte en cuanto a infraestructura que lamentablemente el Estado no invierte (teatros, escuelas de arte, conservatorios, museos, etc.) o funciones subvencionadas (espectáculos nacionales gratuitos).

PRODUCTORES Y ARTISTAS

En cuanto a los artistas desmarcándolos de los productores, creo que es el momento oportuno de definir una tabla de aranceles mínimos en cuanto a la remuneración concerniente a presentaciones en vivo, regalías por derecho de autor, venta de discos, merchandising, y otros medios actuales de difusión (internet) como el streaming, podcast, download, etc; con el fin que el público valore su actividad, reiterando, a través del crédito fiscal.

Aquí surge otra interrogante que involucra a los productores y el público. ¿A quién le afecta realmente la medida del SIN, a los productores o a los artistas?

¿No deberían los artistas locales proponer su inclusión hacia el show business generado en nuestra ciudad?

Si un productor de espectáculos públicos internacionales invierte para atraer grandes concurrencias, ¿podría darse la figura de una subvaloración del arte local el no esperar que venda más o igual cantidad de entradas que un concierto foráneo?

¿Acaso el público no consume arte local porque no quiere pagar al fisco (entrada con crédito fiscal) el monto correspondiente por apoyar LO NUESTRO?

Tampoco se trata de caer en el error de cuestionar la estética del artista o su discurso. Si hay arte más vendible que otro, eso no se mide en la sensibilidad del artista. Aquí se podría plantear una medida donde el productor de espectáculos internacionales se exima de pagar impuestos invirtiendo recursos de logística y marketing en espectáculos de artistas nacionales.

INDUSTRIAL CULTURAL PARA UNA ECONOMIA SOSTENIBLE

Si hablamos de lo que la cultura podría generar al PIB en términos de índices económicos y que a su vez la distribución o retorno sea equitativa al sector, se pueden citar muchos ejemplos de países vecinos (1) (2) (3).

Para este fin hace falta un estudio serio sobre consumo cultural para determinar la importancia de la industria cultural, su aporte al PIB y lógicamente el desarrollo humano que podría alcanzar el país con las utilidades que podría reinvertir el Estado.

Esta nueva medida del SIN, a pesar de burocrática, debería ser considerada para dotar de carácter formal y por qué no profesional a la actividad artística.

En conclusión, creo que un estado moderno debe construirse en lo que su cultura le genera económicamente, entre varias otras aristas del sector productivo, una reinversión y distribución para el bienestar de todos sus habitantes.

Es todo en cuanto tengo para decir o reflexionar.

Parafraseando a Sergio Marchi, periodista de rock, “quien quiera oír que oiga. Y todos los sordos son putos”.

Fuentes:

Sobre las industrias culturales y su aporte al PIB:

1) http://www.eumed.net/libros/2008a/368/PARTICIPACION%20DE%20LAS%20INDUSTRIAS%20CULTURALES%20EN%20EL%20PIB%20DE%20COLOMBIA.htm

2) http://www.odai.org/impacto-economico-de-la-cultura/estudios/177-la-dinca-de-la-cultura-en-venezuela-y-su-contribucil-pib

3) http://www.cooperativa.cl/un-informe-midio-por-primera-vez-el-real-aporte-de-la-cultura-al-pib/prontus_nots/2008-06-19/171000.html

Links:

http://www.eldeber.com.bo/2011/2011-07-27/vernotaescenas.php?id=110726215836

http://www.eldeber.com.bo/2011/2011-07-18/vernotaescenas.php?id=110717205907

http://www.eldeber.com.bo/2011/2011-07-19/vernotaescenas.php?id=110718220158

Ley 2206

http://www.lexivox.org/norms/BO-L-2206.xhtml

PROCEDIMIENTO TRIBUTARIO PARA ESPECTACULOS PÚBLICOS

http://www.impuestos.gob.bo/Informacion/Normativa/upload/resos/RND10-0012-11.pdf

Amy Jade Winehouse

2011-07-24T04:29:00.000-07:00

(14 de septiembre de 1983 –, 23 de julio de 2011)

FINAL DEL PARTIDO O COMO VIVO EL DESCENSO DE RIVER

2011-06-27T11:27:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

El portal de la página no oficial de River, la del hincha.

1) Hace 21 horas que la página oficial del club en Facebook no actualizaba su estado que decía "Final del partido". Mientras escribía este texto, el sitio oficial del club subió un comunicado que engloba el sentimiento de River en un ícono: el hincha. Empero, la voz del hincha es otra y casi similar al de un análisis que hace el sitio crítico de fútbol La redó, que vale la pena contrastar y que reflejan un solo culpable: la dirigencia.

2) Medios contrarios al Gobierno de Cristina Kirchner como el diario Clarín, destacaron en su editorial, acusaciones formales contra el presidente de la AFA (Asociación Argentina de Fútbol) Julio Grondona sindicándolo del uso de la prebenda por el poder en sus elecciones y figurando una alianza política con la viuda de Nestor K., al margen de la madurez del grado de violencia que heredaron los hinchas desde la represión en la dictadura hasta el libertinaje de la democracia presente.

3) La Nación, otro diario local, fue contundente al afirmar que el costo provocado por la violencia de la hinchada de River y sus enfrentamientos con la policía, se deben a un revés programado desde la Casa Rosada en contra de los emporios televisivos que tienen los derechos de transmisión ante el anuncio reciente que todos los partidos que juegue River en la B serán transmitidos en señal abierta.

Está claro que un ex equipo de primera en la segunda división, atraerá más televidentes para la campaña oficialista durante las elecciones, asegurando el rating de la propaganda mediática.

4) Vale la pena la pena leer una opinión equilibrada como la de Juan Pablo Varsky cuando habla sobre las probabilidades de la información ante los resultados no jugados.

Como en el cacho, se anota lo que se ve y no lo que se canta.

5) Daniel Passarella se reconoce como un cadáver vivo cuando dice: "de acá me tienen que sacar con los pies para adelante". Está claro que en el fútbol no vale el estoicismo sino la gloria. El punto que le faltó ayer a River para zafar y alcanzar la gloria, es la misma (gloria) de la cual hoy Belgrano no puede disfrutar ante el descenso del primero. Las cosas del fútbol.

APUNTES TARDIOS SOBRE MCONDO (un baldón generacional)

2011-06-20T19:22:00.001-07:00

David Mamani Cartagena

Para Majo Ferrel Solar

1. Si hablamos de herencias culturales, como sucesiones en el entendido común, Mcondo nunca se planteó como un parricidio al Boom latinoamericano. Parece que la dictadura borró buena parte de la memoria intermedia desde los 70s a los 80’s, relegando la reconstrucción de la misma a los escritores que tenían como única referencia el realismo mágico o la aldea macondiana de García Márquez. Sin embargo los supuestos parricidas (Fuguet, Fresán y Paz Soldán) cayeron en la cuenta de una aldea global y empezaron a narrar desde ahí, una inocente respuesta sucesiva a lo que significaba Latinoamérica como una pseudo colonia de EEUU. Al final heredaron la basura posmoderna del norte.

2. Revisando aquel manifiesto redactado por Alberto Fuguet y Sergio Gómez en el libro McOndo: (una antología de nueva literatura hispanoamericana, Ed. Grijalbo-Mondadori/Barcelona 1996) una cita textual sintetiza esta basura posmoderna: “Temerle a la cultura bastarda es negar nuestro propio mestizaje”.

3. Intentando dar respuesta 15 años después de la edición de Mcondo, el diario El Deber de la ciudad de Santa Cruz organizó un encuentro con Fuguet y Paz Soldán el pasado 10 de junio en el marco de la XII Feria Internacional del Libro de Santa Cruz, para tratar de manera amena “La relación entre EEUU y Latinoamérica en la literatura contemporánea”. Hora y media después ninguno de los dos autores supo definir un perfil de aquel vínculo y simplemente reafirmaron esta cultura bastarda que describieron en sus ficciones y al día de hoy no sorprende porque el devenir de la realidad lo devora.

4. El devenir de la realidad lo devora alude a la presente cultural digital que ha masificado la lectura de la realidad, primando lo plural de los voces y derribando todo intento de oportunismo como el manifiesto Mcondo y su relato de “lo contemporáneo en América Latina”. Describir la realidad hoy en día es más fácil que construir una impostación en el mercado editorial.

5. Fuguet a través de su última novela Missing, logra alejarse del estereotipo del latino víctima de la dictadura en los ‘70s, narrando la historia de un tío suyo que migra al norte y se pierde. Al estilo de la literatura norteamericana, emular el paso de un hombre hacia la aventura, on the road. ¿Cuántos migrantes pueden sentirse libres de su decisión, inspirados por el simple hecho de vivir?

6. El capitalismo editorial hizo de las suyas catalogando mapas generacionales (Mcondo, Bogotá 39) para venderlo como contemporáneo (sub-40); un canon fútil que solo alimenta la pose para quienes quieren hacer el "crossover" y hasta el día de hoy no han planteado estética literaria alguna, salvo las de la academia del “lobby”.

7. Al sur y al norte de Latinoamérica las fronteras desaparecen mientras la realidad se consuela con el mundo virtual como panacea. Los impostores siguen reiterando verdades porque desde el realismo mágico seguimos jodidos.

EL LUGAR DEL CUERPO ES LA MEMORIA (sugerencias literarias y cinéfilas)

2011-06-15T03:33:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Acabo de recordar que:

1. El año 2006, Rodrigo Hasbún, publicó el libro de cuentos “Cinco” (Editorial Gente Común). Una de esas historias titulada “La Carretera”, es la adaptación libre del guión de la película “Los viejos”, escrito a cuatro a manos junto a Martín Boulocq, director.

2. Hasbún también publicó la novela “El lugar del cuerpo” (Editorial Alfaguara, 2009). Siempre contuve ese título como un cuestionamiento: ¿cuál es el lugar del cuerpo? Después de ver “Los Viejos”, pude responder que el lugar del cuerpo es la memoria.

LOST IN TRANSLATION (una crónica sobre la visita de Alberto Fuguet a la FIL de Santa Cruz)

2011-06-13T11:10:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Desde la izq. Rodríguez, Fuguet y Paz Soldán

La XII Feria del Libro de Santa Cruz luce repleta un viernes 10 de junio por la noche. Hay una cola de gente que da la vuelta a la esquina del Tercer Anillo externo y la avenida Roca Coronado. Cualquiera pensaría que la masiva asistencia es causada por la presencia de Alberto Fuguet (escritor chileno) quien horas más tarde protagonizaría un conversatorio con Edmundo Paz Soldán (Bolivia), colega suyo de la generación literaria McOndo. Empero el salón Gabriel René Moreno, lugar del evento dentro del predio, es suficiente para albergar a la cuarta parte de esa muchedumbre que poco o nada le interesa esa charla porque ni siquiera está enterada.

Al ingreso puede notarse cuánto de realismo mágico y cultura pop existe en Santa Cruz. Entre tanta gente somos testigos de un remix al pasar por el ingreso al pabellón de la Feria del Libro, donde un rapero gordo canta rimas sobre una base de taquirari.

¿Cuánto de lo global converge en lo local?

Para responder la pregunta faltaba conocer a quienes hace 15 años configuraron una ruptura en las letras de nuestro idioma, relegando al boom (García Márquez, Vargas Llosa) y narrar la realidad que vivía Latinoamérica a partir de la globalización en los 90’s.

La cita pactada para las 20 horas sufre un atraso de 30 minutos. Antes Pedro Shimose curiosea y asoma por la puerta de blindex del salón. Un cartel pegado al vidrio otorga la certeza al autor beniano que es la hora correcta pero la impuntualidad prima.

Edmundo Paz Soldán llega primero y raudamente se acomoda en la testera, mientras pone la mirada nerviosa en la puerta ante la espera impaciente de la gente. Fuguet más relajado arriba acompañado de Juan Pablo Rodríguez, periodista del sector Escenas del diario El Deber, propiciadores de este encuentro titulado:”La relación entre EEUU y Latinoamérica en la literatura contemporánea”.

Luego de la presentación, ambos autores coinciden que su amistad es una excusa para este momento, al margen que tienen libros recién editados cuya temática está ambientada en EEUU. Norte en el caso de Paz Soldán y Missing para Fuguet.

Paz Soldán escribe novelas de “inmigrantes perdidos en el infinito de EEUU”. Según datos estadísticos que maneja, el 17 % de la población en el norte es de origen latino (hispano) o tiene descendencia latina, lo que provoca que “EEUU deba redefinirse como país cada cierto tiempo”. Hacia el 2012, EEUU será el primer país donde se hablará más castellano a pesar que su idioma oficial es el inglés. Fuguet aclara que si bien existen libros en castellano escritos en EEUU y que quizá se habla más castellano, “no se lee en este idioma que es distinto”.

El escritor chileno emigró a EEUU con toda su familia durante su infancia y volvió a su país natal en la adolescencia, acusando a su madre de “querer vivir en el Pinochetismo”. Un caso contradictorio para quienes huían de la dictadura en ese entonces o el ejemplo de cualquier migrante que viaja a otro país para no volver a sus orígenes. Fuguet fue tácito al decir “con Missing me vengué de mi familia”.

Paz Soldan indicó que “EEUU se metió en el inconsciente de todos” por su voraz industria cultural así que el español es “su cable a tierra”.

A partir de ahí el público inició su participación con preguntas cuyas respuestas relevantes por los autores son descritas a continuación.

En relación al tema planteado sobre los lazos que unen a EEUU con Latinoamérica en la literatura contemporánea, Fuguet dijo que no coincidía con sus compatriotas Los Prisioneros (grupo de rock) cuando cantaban que Latinoamérica es un pueblo al sur de EEUU. “Al contrario, EEUU es un pueblo en nuestro norte”.

“Yo no me siento del primer mundo cuando voy a EEUU. Lo mismo me pasa cuando voy a Europa, vuelvo asqueado. Lo malo de una civilización avanzada es que puede ver sus errores, su pasado” añadió Fuguet.

El autor de Tinta Roja y Por favor rebobinar, se refirió a aquel “arribismo de los norteamericanos al creerse cultos frente a muchos clichés de los latinos en un sentido despectivo”.

Hablando de su producción literaria, Fuguet menciona que el título de su última novela, “Missing”, alude “al desaparecido por voluntad, no porque desaparezca. Eso es un crimen”.

“Yo preguntaba todo el tiempo sobre mi tío que había desaparecido una vez que emigró a EEUU y después de 20 años de su ausencia salí a buscarlo” indicó Fuguet. El autor narró de forma jocosa el proceso de búsqueda que implicó llamar a un detective ante la reticencia de su familia porque no quería encontrarlo. “Al final encontré a mi tío y el misterio era resolver por qué alguien quería desaparecer. Entonces él me dijo: yo quería desaparecer para seguir vivo” sentenció.

En la memoria del chileno también fluye otra construcción del desaparecido, cuya referencia del título de su libro coincide pero se aborda desde otra perspectiva en la película Missing del director Costa Gavras. Aquel recreó la muerte del periodista norteamericano Charles Horman, desaparecido durante la dictadura chilena en los 70’s. “Ahí poco importaban los chilenos muertos, sino la historia de un gringo ejecutado por Pinochet” dijo el autor.

Al comparar su experiencia, Paz Soldán dijo que “vivía una ficción porque estudiaba y trabajaba en EEUU pero volvía a pasar vacaciones con su familia en Bolivia”. Según el autor de Los vivos y los muertos, “la patria es la infancia de uno. Mi adolescencia es Cochabamba, el Willsterman a pesar que ahora esté en segunda división”.

Mientras Fuguet vive y desarrolla su carrera en su país natal, Edmundo Paz Soldán reside permanentemente en EEUU porque ejerce docencia en la Universidad de Cornell, “EEUU es un país inmenso, lleno de historias. Abres la primera página del New York Times y encuentras mínimo cinco historias para contar. El reto es saber condensar las historias” afirmó.

Para Fuguet América es un continente nuevo: “Yo me siento más americano. Se está construyendo, está hecho por la mezcla, por lo híbrido”.

En un sentido antropológico, Paz Soldan sostuvo que “en EEUU se demoniza al latino porque no cede ante lo anglosajón, el mito del Melting Pot o crisol de razas (donde los inmigrantes pueden volverse americanos), porque el latino conserva su cultura y la impone. Como decía un amigo, EEUU debe ser el único país que podría penalizarte por hablar otro idioma” ironizó.

Sobre el oficio de escribir, Paz Soldán confesó que a partir de Río Fugitivo pudo sacar anécdotas de su vida personal que no podía hablarlas en público, empero sí escribirlas. En ese sentido “la literatura es quitarse el pudor”. Fuguet corroboró las palabras de Paz Soldán citando a su compatriota Alejandro Zambra, quien decía que “leer es cubrirse la cara y escribir es mostrarla”.

Para un escritor que se precia de serlo, éste debe reunir una serie de influencias. “Yo le debo mucho a Andrés Caicedo, Manuel Puig, Mario Vargas Llosa, Guillermo Cabrera Infante, entre otros escritores porque fueron muy audaces y libres” concluyó Fuguet sobre las figuras que lo motivaron a escribir.

Paz Soldán ubicó dos contextos como son EEUU y Latinoamérica para retratar a sus modelos. Uno es Cormac McCarthy y su novela No es un país para viejos. “Otro autor a quien le debo es Roberto Bolaño. 2666 es una gran novela”.

La pregunta que debe ser respondida en forma demagógica por quien visita estos lares fue propicia para Fuguet “Yo vengo a los lugares que me interesan. Pareciera que Santa Cruz es un país dentro de otro país. Yo viajo a los lugares porque siento que he estado ahí antes, es inspirador y extraño” añadió.

Casi al final, alguien del público pidió a ambos autores considerar una opinión personal sobre sus obras, un intercambio. “Edmundo hace que sus libros se parezcan a él, le gusta lo pop, el sexo, los psicópatas, toda esa lectura de Anagrama. Creo que Edmundo es el verdadero Mcondo entre todos los Mcondos” dijo Fuguet.

En contraparte Paz Soldán afirmó: “Alberto Fuguet y Rodrigo Fresán son mis contemporáneos, América Latina real, de estos días. Lo más difícil es reconocer la deuda con mis contemporáneos porque es más fácil decir que me influenciaron Cortazar o Vargas llosa, el boom”.

Sobre el presente literario para la región, Paz Soldán concluyó que “la literatura está en constante transformación. Como decía Borges, el tiempo hace su propia antología. En la literatura contemporánea hay mucha basura. Hace falta valorar qué es bueno o malo”.

Para Fuguet “América Latina es demasiado mediática. Lo digital: radio, TV, internet, mp3; una cultura mediática, lo que se ve en la red y la TV. Una generación tuitera que escribe para aterrarse”.

Con muchas dudas sin aclarar para dar sentido a la llamada “relación entre EEUU y América Latina en la literatura contemporánea”, se podría concluir que el único vínculo descrito por Fuguet y Paz Soldán fue la subjetividad de su estancia en el país del norte. Pareciera que la vida de estos escritores es una mala traducción del inglés al español.

Foto: Valentina Bacherer

A GANESHA UN DIA ANTES DEL FIN DEL MUNDO

2011-05-20T18:36:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Así lo viví y vale la pena recordar. Recordar aquella cita de Gustavo Santaolalla (productor argentino): “no es el fin del mundo, sino el fin de este mundo”, cuando hablaba sobre el futuro de la música en la era digital. Ya sé, la frase coincide y es certera pero no tiene nada que ver con lo que leerán a continuación. Disculpen la confusión o la subjetividad, pero así defino este momento, un final anunciado antes del mentado fin del mundo.

Acabo de leer la nota de despedida de Ram y no podía dejar de escribir porque me nombra. La deuda está saldada y he aquí mi versión sobre lo vivido en Ganesha.

Destaco tres momentos de mi vida en Ganesha. El primero, en los inicios del boliche, cuando caí por primera vez para conocer aquellas historias de fantasmas que todavía habitan en la casa. Sentir aquella energía que me rodeó cuando caminé por uno de los corredores, mientras Ram me comentaba el esfuerzo en conjunto que significó construir una iniciativa y que en los días posteriores fue prosperidad.

Esa vez cuando presencié lo que fueron los últimos días, casi una despedida de un grande de la radio mientras residía en Santa Cruz. Catalogador de diversas épocas del rock como es Pato Peters. Sus selecciones figuran como testamento de sus fiestas temáticas realizadas en Ganesha.

O aquella vez cuando pudimos agendar con Ram una fecha del Festijazz 2010 en Santa Cruz en el boliche. La posibilidad de llevar el jazz del snobismo puro de unos cuantos a un segmento alternativo. Peter Scharli (trompeta) y Zegadex (batería) y todos los que estuvieron esa noche de septiembre pasado pueden atestiguarlo.

Hace unas semanas tocó Atajo de La Paz. Mientras actuaban puedo recordar la cara de felicidad de Ram detrás de la reja que separa el patio del servicio, observando como todos lo que quizá fue el mejor momento de Ganesha.

Ganesha fue eso, una variada oferta cultural donde convergían todos los estados de ánimo, estratos, modas y mañas de este pueblo. Creo que la consigna inconsciente de cualquier bar, antro o espacio es lograr un sentido de comunidad o colectividad entre su público. Aunque también vale decir que en la individualidad se construye identidad de apropiación. En pocas palabras, cuando llegas a sentir que ese lugar es tuyo y de nadie más aunque haya otros ahí. Ganesha lo consiguió en mí.

Ram se despide en su carta diciendo que el “vortex de la ceguera y el consumismo” acabó con Ganesha. Quiero recordar otra frase. Como bien decía Tanguito al final de la película Tango Feroz, “todo no se vende, nada no se compra”. Ganesha en un momento fue eso, un todo y hoy es nada. Nos quedamos con la “nada” porque es nuestra, porque si mañana es el fin del mundo el “todo” tampoco se compró ni se vendió. Que así sea.

Foto: Facebook Ganesha

SOBRE EL LLAMADO ARTE MEDIOCRE Y DIZQUÉ TRANSGRESOR

2011-04-23T00:22:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

¿Y dónde está la genialidad de nuestros artistas si solo hay mediocridad? preguntaba yo mientras leía el artículo de Edson Hurtado publicado en su blog.

Al autor del artículo en cuestión le molesta la incapacidad de diálogo del artista o el “no me da la gana de explicar mi arte” según él (referido a lo que percibe de los artistas cruceños). Una postura “patética” o “ideológica”, decisión personal de aquellos creadores al negarse a hablar de temas que ni siquiera hace falta conocer sobre su obra: “tendencias, experiencias, mecanismos de creatividad, producción de estilo”, etc.

Aclarar primero que la falta de elocuencia o falsa postura no es mediocridad, aunque denota cierta pelotudez a la cual nos tienen sometidos nuestras artistas.

¿Es necesario discutir?

Pero si no hace falta la “confrontación, el diálogo, la crítica o el análisis”. La obra está ahí. Basta observarla, leerla o escucharla para decir si es una mierda básicamente o no, y los hechos lo comprueban.

Decir pelotudez o mierda en este texto no debería ser “transgresor” como el arte que exhiben actualmente nuestros artistas. Hace 40 años que el arte de Tito Kuramotto no sorprende a nadie porque era y sigue siendo en parte la realidad en la que vivíamos o vivimos. Sin embargo, pintar una tranquera en un cuadro implica también saltarla en la realidad.

Si Marcel Duchamp hubiera exhibido su inodoro en Santa Cruz durante los años ‘60s, probablemente nunca hubiera sido considerado una vanguardia pero sí transgresión, es decir un absurdo sin explicación. Un ejemplo: Santa Cruz espera cada año la Semana Santa para escandalizarse con los desnudos de Alfredo Muller, mientras el resto del año se pajea con Magníficas semidesnudas.

¿Este escenario hace pensar que todo arte ajeno (desnudos, arte conceptual, performance) es transgresor y todo arte local es natural?

A conclusión:

¿Necesita el público entender al artista o viceversa?

Si el artista entendiera al público, no haría falta que construya bodrios que no se puedan comprender o jactarse de decir “que no se pueden comprender”, lo cual es peor. Al presente, todo “nuevo arte” o todo “arte joven” es transgresión. Empero no se reconoce en el discurso como tal. Atisbos de transgresión en la pose del artista sí; pero del mensaje de la obra ni ahí.

¿No será que nuestros artistas construyen realidades mediocres que no es lo mismo ser mediocre? Me aterra cuestionar si nuestra realidad es mediocre.

El público no necesita de un arte mesiánico donde el artista llegará para guiarlo. A eso es preferible escupirle en la cara al falso profeta y esperar el camino de la genialidad: la salvación.

Felices pascuas a todos nuestros falsos profetas.

ZONA DE PROMESAS

2011-03-06T13:01:00.000-08:00

ENTREVISTA AL ESCRITOR BOLIVIANO RODRIGO HASBÚN

David Mamani Cartagena

“Se bucear en silencio

Tarda en llegar

Y al final, al final

Hay recompensa”

Soda Stereo

Granta es una prestigiosa publicación literaria de origen inglés, que desde 1983 viene publicando una lista que vislumbra las próximas figuras a seguir en el arte de las letras. Desde ese año al presente ha seleccionado cinco generaciones de autores recomendados, la primera de novelistas británicos, alternando las siguientes entre norteamericanos, muchos consagrados y célebres en sus carreras a nuestros días.

Algunos de los autores propuestos alguna vez por Granta, figuran como desconocidos para el lector boliviano, a excepción del reciente y reconocido por la revista TIME como “el gran novelista americano”, Jonathan Franzen.

La sexta generación incluye una revisión para la región, porque la onceava edición de Granta para el mercado español, ha sido traducida también al inglés, para perpetuar y celebrar la lista de los “22 Mejores Narradores en Español”.

Si tuviéramos que elegir al gran novelista boliviano, cabría un solo nombre: Rodrigo Hasbún. El escritor cochabambino comparte este honor al lado de Alejandro Zambra (Chile), Oliverio Coelho (Argentina), Carlos Labbé (Chile), Andrés Neuman (Argentina), Santiago Roncagliolo (Perú) entre otros que Granta consideró y que resume en su prólogo como aquellos que “están aún por publicar sus mejores libros”.

Son 22 escritores nacidos después de 1975, seleccionados por un jurado compuesto por los editores del reciente número en español, Valerie Miles y Aurelio Major, los escritores Edgardo Cozarinsky y Francisco Goldman, la periodista Isabel Hilton y la crítica Mercedes Monmany.

Sin duda, una previa del futuro de la industria literaria que en palabras de Miles respondidas en una entrevista a la revista Ñ de Argentina (18/02/11, autora Patricia Kolesnicov), “hay que esperar diez años para ver si hemos acertado o no”.

Diez años antes de este honor, Hasbún ya había recibido la atención de otros colegas internacionales como la revista Zoetrope de Francis Ford Coppola, que había ponderado sus textos, al margen de un lugar en la generación Bogotá 39 (autores menores de 40 años).

Desde 2000, Hasbún mantiene una prolífica carrera que incluyó uno de sus cuentos en una antología de la editorial Nuevo Milenio; el 2002 ganó el Premio Nacional de Cuento otorgado por el municipio de Santa Cruz, en dos ocasiones fue finalista del Concurso Nacional de Cuento Franz Tamayo hasta la publicación de “Cinco” (Gente Común), su primer libro de relatos.

El 2007 ganó el Premio Nacional de Literatura Santa Cruz de la Sierra en la categoría de novela, con su obra “El lugar del cuerpo”, publicada luego por Editorial Alfaguara.

Paralelamente a su afición literaria, Hasbún se ha dedicado a escribir guiones de cine. Una muestra plasmada fue Rojo del director Martín Boulocq, con quien también comparte el crédito del Premio de Guión de Literatura y Cine auspiciado por Petrobras en 2007, titulado “Los viejos”.

Al conversar con Rodrigo Hasbún vía e-mail, notamos el tiempo necesario que toma esperar sus respuestas, un letargo traducido en aquel intersticio que evoca a sus inicios en el siguiente fragmento, para luego responder algunas preguntas sobre su lugar como un gran narrador de nuestro idioma. Al final hay recompensa.

“En mi adolescencia era guitarrista de un grupo de música. Al principio sólo hacíamos versiones de canciones que nos gustaban, pero poco a poco fuimos dejándolas de lado y empezamos a escribir las nuestras propias. Así que lo primero que escribí en mi vida fueron canciones, a veces con mis amigos, a veces solo. En esa época yo estaba seguro que iba a dedicarme a la música de por vida. Unos años después a algunos nos tocó ir a la universidad y a los meses dejamos de aguantar el ritmo de nuestras vidas dobles y el grupo se deshizo. Yo tenía diecisiete años y de un día a otro, sin darme cuenta, quizá para protegerme de todo lo que sentía que estaba perdiendo, comencé a leer más y más en serio y también a escribir. Como había sucedido antes con las canciones del principio, esos primeros cuentos eran versiones involuntarias de lo que estaba leyendo.

La revista Granta te incluyó en su lista de los 22 mejores narradores jóvenes en español. ¿Cómo te ubicas en la lista? ¿Existe alguna similitud entre tu discurso (estética literaria) con el resto de tus colegas o disientes del sentido generacional?

RH: Eso me parece que se ve mejor desde fuera y que discutirlo, además, le corresponde más a quienes están fuera, a los lectores, que siempre disponen de una perspectiva más amplia. Yo tengo algunas impresiones, pero son eso nada más, y no siempre llegan a algo. Siento, por ejemplo, que hay una resistencia común a asumirnos como parte de una generación y que esa resistencia, casi paradójicamente, revela quizá un rasgo generacional. Siento también que hay una desconfianza y un cansancio compartidos, y eso desemboca a su vez en la brevedad y en la fragmentación de la mayoría de los libros de los escritores de la generación o no generación. Por otra parte, y esto es quizá lo más importante, la mayoría tiene un interés marcado por explorar el lenguaje, por forjar una lengua privada donde confluyan otras y por filtrar discursos mayores –ideológicos o políticos, nacionales o trasnacionales- desde registros menores. Todo eso otro se tensiona ahí, de maneras más ocultas pero no menos significativas.

El diario inglés The Times reseñó la revista Granta, argumentando que la lista obedece a autores nacidos en la era post Franco (España), una generalización ajena claro está. En América Latina con el tema de las dictaduras y otros en boga como la libertad de expresión o la lucha contra la censura al presente, ¿Cuál es tu posición al respecto, es decir sus obras (la de los autores de la lista Granta) tienen un efecto en la política o la realidad boliviana en tu caso?

RH: Lo político se asume desde una perspectiva distinta, pero está ahí. Aparece condensado en las relaciones interpersonales y en los intersticios de la intimidad, en cualquiera de sus grietas. Asoma también, por supuesto, en el lenguaje mismo. En su uso, en sus forzamientos, hay necesariamente una postura ideológica, una manera de mirar.

El 10 de febrero pasado se realizó una mesa redonda en Nueva York (ver aparte), para presentar la edición especial de “Los mejores narradores en español”. Comenta detalles de tu participación e impresiones de este importante acto.

RH: El programa de escritura de la universidad de Nueva York reunió a siete de los escritores seleccionados y armó un par de mesas redondas. Querían que habláramos de nuestros proyectos, de nuestras convicciones y disidencias, quizá con un interés similar al tuyo de intentar rastrear posibles rasgos generacionales.

Se podría afirmar que la lista de Granta es tu segundo reconocimiento por una revista especializada en literatura. Antes fue Zoetrope de Francis Ford Coppola. ¿Cuál es la relevancia y diferencia entre Zoetrope y Granta destacándote como autor (una publicación norteamericana y la otra inglesa)?

RH: Sus procedimientos de selección fueron diferentes. Zoetrope publicó una antología armada por Daniel Alarcón y Diego Trelles Paz, a quienes invitaron a encargarse del número. Lu búsqueda de Granta incluyó a un jurado y fue más exhaustiva. Pero creo que finalmente las dos revistas intentaron llegar a lo mismo: constituirse como muestrarios rigurosos. Lo que no quiere decir que fuera de ellos no estén sucediendo escrituras igual de interesantes.

Retomando como referencia tu selección en la antología Bogotá 39 y el cliché temporal como es la edad, ¿Qué pasará cuando pases los 40, desaparecerá la magia o el estigma del novel escritor para pasar a la adultez?

RH: No me gusta pensarme así, como si fuera un atleta. La literatura tiene un ritmo diferente, juega a otra cosa, más allá de lo que se haga fuera de ella. Más allá de las etiquetas.

Háblanos sobre algunos escritores que te han influenciado.

RH: Un poco siguiendo con lo que te decía al principio, siento que mi verdadero aprendizaje de escritor sucedió en la música. La posibilidad de una experiencia más sensorial, que exalta o conmueve a partir del ritmo y de las atmósferas que crea, es algo que en la música se ofrece de forma casi natural y yo he intentando tenerlo presente cuando escribo. Luego me fui acercando a escritores y cineastas que eran tremendos en ese sentido. Estoy pensando en Onetti y Saer, en Cheever y Colm Tóibín. Y también en Cassavetes y Béla Tarr, en los hermanos Dardenne, en Wong Kar-Wai. A todos ellos los admiro de forma incondicional. Eso, desafortunadamente, no equivale a que me hayan influenciado o a que haya aprendido lo suficiente de ellos.

Comenta tus proyectos a futuro.

RH: Los viejos, la película que escribimos con Martín Boulocq, y en la que estuvimos trabajando todos estos años, se estrenará muy pronto en Bolivia, me parece que en abril. Y mi próximo libro se publicará en septiembre. Titula Los días más felices y está compuesto de trece cuentos que fueron acumulándose desde que publiqué Cinco.

MESA REDONDA EN NUEVA YORK

El jueves 10 de febrero de 2011 se realizó en el King Juan Carlos Center de la Universidad de Nueva York (NYU) la mesa redonda “Cuando sea grande publicaré en Granta: A Spanish Writing Round Table”. En la mesa participaron algunos de los escritores que la revista seleccionó para su número sobre los mejores narradores jóvenes en español. Coordinaron la mesa los escritores Antonio Muñoz Molina y Lina Meruane. Para la ocasión, Lina Meruane invitó a los autores a que escribieran en quinientas palabras una poética personal. A continuación publicamos el texto que leyó Rodrigo Hasbún en esa ocasión.

Confieso que siempre que me preguntan cómo va la nueva novela respondo que muy bien, que va avanzando, que en unos meses estará lista, pero que en realidad esa novela no existe. Confieso además que solo he publicado dos libros y que ninguno de ellos tiene más de ciento veinte páginas.

Confieso que a los treinta años ya no me siento tan joven.

Confieso que admiro cómo trabajan algunos cineastas. Digo, eso de rodar cien o doscientas horas de material durante meses o años para al final quedarse solo con una o dos. A mí me gusta escribir desde una predisposición similar, sabiendo que para llegar a una página que más o menos funcione, a veces hacen falta diez o veinte muy prescindibles.

Confieso que tengo una debilidad por lo que sucede dentro de los autos, por las emociones que proliferan ahí, y también en los baños y en los dormitorios. En la intimidad de esos lugares cerrados (“en la intimidad como proyecto”) se revela algo que siempre la excede. Confieso, en otras palabras, que para involucrarme y comprender la magnitud de una guerra, a menudo prefiero nada más la historia de uno o dos soldados.

Confieso que en mi vida diaria soy un tipo muy callado, que tardé varios años (cuatro o cinco o seis) en empezar a hablar, que en realidad nunca aprendí del todo. Confieso que soy uno de esos escritores demasiado lentos y demasiado confundidos a los que es mejor no invitar a eventos como éste.

Confieso que hace algunos años no dejaba ningún libro a medias y que ahora sí, todo el tiempo y sin ninguna culpa. Confieso a la vez que cada tanto, para recordar lo que fue tan importante al principio y lo que debería seguir siéndolo, releo alguna página suelta de Onetti y alguna de Coetzee y alguna de Ginzburg y alguna de Tóibín.

Confieso que pese a todo siento que mi formación como escritor le debe más al cine y a la música que a la literatura y que hay épocas en las que prefiero ver películas o sentarme a oír un disco tras otro en lugar de leer. Confieso que mi formación como escritor, por otra parte, deja mucho que desear. En el fin del mundo, al margen de los que ya otros llamaban el margen, los estímulos eran pocos y resultaba casi imposible conseguir esas películas y esos discos y esos libros que nos hubieran hecho tanto bien.

Confieso que desde hace un tiempo he descubierto que a veces mis horas más productivas consisten en quedarme oyendo conversaciones ajenas en el café o mirando a las meseras trabajar. En ese tiempo muerto algo sucede mientras tanto. La silenciosa acumulación de detalles que, en el mejor de los casos, algún día importarán.

Confieso que me conmueve esa anotación de Tarkovsky donde escribe que el arte nos prepara para morir. Y para vivir, que me gustaría añadir a mí.

AFIRMACIONES, REITERACIONES Y DIVAGACIONES

2011-03-02T20:48:00.000-08:00

Una reseña sobre el libro Desentrañando la identidad cruceña

David Mamani Cartagena

Acaba de publicarse el libro “Desentrañando la identidad cruceña”, auspiciado por la Editorial La Hoguera, resultado del Primer Concurso de Ensayo sobre Identidad Cruceña, convocado por el Semanario Uno y la revista cultural Almazen de Santa Cruz.

La obra contiene los textos ganadores (primer y segundo lugar) y tres menciones especiales, categorías evaluadas por un jurado.

Leyendo la presentación del libro (introducción), Maggy Talavera, directora de Semanario Uno advierte que es necesario “repensar el mundo en que vivimos” parafraseando a la escritora Rosa Montero. A partir de ahí se desprenden otras ideas como “actualizar los conceptos”, o qué entendían por “lo cruceño”, “cruceñidad” y “cruceñismo” las élites, los líderes y los habitantes de Santa Cruz. Al final Talavera plantea según el sociólogo español Castells (posición adaptada a nuestro medio), debatir la identidad cruceña desde una visión “legitimadora” (estado, instituciones), “de resistencia” (auto-identificación) y “de proyecto” (acuerdo entre todos los miembros de la sociedad).

En cuanto a los ganadores y menciones de honor, se puede ubicar todos los discursos como una aproximación (nada absoluta) desde el ámbito de la “resistencia” por cuanto la redacción y/o construcción de pensamiento único (individual) partiendo desde un método científico (investigación) para concluir sobre determinado tema, en este caso la identidad cruceña. Reitero “de resistencia” cuando Talavera cuestiona aquella identidad que “reacciona construyendo con los materiales de su historia formas de auto-identificación que le permitan resistir su asimilación a un sistema que la subordina”. En síntesis, un cambio en el pensamiento dominante cruceño.

Por ejemplo, recapitulando las palabras de Carlos Guzmán Vedia, primer lugar del concurso (título “Obertura a Santa Cruz”), quien asumió un compromiso social con su entorno durante la presentación del libro; AFIRMA en su ensayo que el “mayor desafío de Santa Cruz en el siglo XXI” es disminuir las distancias económicas y sociales resultado de la “modernidad” de la ciudad.

Guzmán critica también la imposición de un proyecto neoliberal de parte de las elites, “centrado en la idea de éxito y consumo”. Distingue clases de cruceños como los del “centro y boulevard” como los “cruceños de los pueblos” y la “cultura popular”.

Rescato y exhorto al llamado de atención de Guzmán cuando indica que la “individualidad es mal pagada” en Santa Cruz, bajo la “completa necesidad de pertenecer a algún tipo de corporativismo, ¿acaso una característica de la modernización?”. Sobre este bien, la modernidad; Guzmán concluye que ésta “bien administrada, no atenta contra la identidad”.

Dorian Zapata, segundo lugar del concurso (título “El espíritu cultural cruceño: hibridación y espacios comunes de la identidad cruceña en el siglo XXI”), aclara con brillante actitud que su ensayo se enfoca desde el postmodernismo para “dilucidar algunas verdades y percepciones interpretativas sobre la identidad cruceña en el siglo XXI”.

Sobre estas verdades y percepciones, Zapata sostiene que la identidad “manejada desde la élite”, ve al cruceño en su totalidad como “hispánico, cristiano/católico y occidental” (herencia histórico-cultural) y “mestizo” (herencia post-colonial e indígena de tierras bajas).

Otra acertada interpretación de Zapata es su teoría de “hibridación”, como “un conjunto de estructuras y prácticas sobrepuestas que se entremezclan como un todo en el cruceño”. Explica mejor: “convergen en nuestra sociedad la fusión de prácticas culturales occidentales europeas, mestizas, e indígenas de tierras bajas y altas”.

Hago hincapié en este último enunciado, cuando transcribo “queremos romper con aquellas posiciones que aducen que el cruceño define su identidad a partir de la diferencia con el otro. Es decir, a partir de contradicciones binarias. Como si el cruceño fuera el contrario, la carga negativa de la carga positiva (o viceversa) de su diferente. Este otro -diferente del cruceño- ha sido relatado en los procesos histórico-políticos como el indio, el colla, el migrante, el Estado andino centralista, Bolivia en algunos casos”.

Hasta aquí la revisión de nuevos referentes, valga la redundancia, el ejemplo de los señores Guzmán y Zapata. Bajo una ramplona y cómoda actitud, asumo y comparto el riesgo que corre todo lector ante la obviedad de lo que se puede REITERAR en esta reseña. Me refiero a las tres menciones especiales sin menospreciar la calidad de sus autores, en el orden respectivo de Primera a Tercera Mención Especial: Freddy Pando Villalta, Eduardo Martínez Ríos y Reymi Ferreira Justiniano; cuyos textos merecen también su debida atención.

A colación se remarca la diferencia en cuanto al uso de fuentes bibliográficas entre los ganadores (Guzmán y Zapata) y la Tercera Mención Especial (Ferreira), dada la fecha de publicación de los autores que citan en sus investigaciones. La mayoría contemporáneos aunque se distingue el origen geográfico, entre lo local y lo foráneo. Una clara alusión a ese arcaico y quizá dominante discurso que en algún momento rayaba en lo ideológico y chauvinista regional.

En relación de los citados previamente, se espera que este cambio de pensamiento no sea recurrente ni dominante, tampoco eterno sino temporal, una sucesión natural generacional.

En cuanto a la publicación, un bien tangible cultural como es el libro, esperamos no obedezca del todo a cualquiera de las tres categorías o estatus mencionados al inicio por Talavera (elites, líderes y habitantes), avizorando un posible discurso dominante a priori. Al haber planteado los autores pensamientos desde la “resistencia”, se espera que éstos propicien espacios para el debate desde la individualidad, el ocio para el lector. Divagaciones a futuro, hacia un “proyecto” de y para tod@s l@s cruceñ@s.

DE LA LUZ HACIA LO OSCURO

2011-02-13T10:05:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

Darren Aronofsky es un director estadounidense que explora la intimidad de los personajes a través de sus tragedias. Dos de sus películas más conocidas, “The Wrestler” que narra el ocaso de la carrera de un atleta que intenta recuperar el amor de su hija; o “Requiem for a dream”, donde un grupo de jóvenes drogadictos despiertan de sus efectos y enfrentan la realidad, sintetizan el uso de recursos recurrentes de su filmografía: escenas oníricas y de fantasía que llevan a la paranoia y obsesión como el reiterado sino de sus personajes.

Su última cinta, “El cisne negro”, es un thriller psicológico estrenado a nivel mundial el año pasado, abriendo la 67º Festival Internacional de Cine de Venecia, ovacionada por la crítica y exhibida estos días en el Cine Center de nuestra ciudad.

El filme retrata la búsqueda de la perfección a través del arte, en este caso la danza. Nina (Natalie Portman), bailarina de una compañía de Nueva York dirigida por Thomas Leroy (Vincent Cassel), aspira a interpretar el papel dual de Odette y Odile, el cisne blanco y el cisne negro, basada en la obra de ballet clásico “El lago de los cisnes” del compositor ruso Piotr Chaikovski. Como una suerte de ying yang entre caracteres, Nina reúne la inocencia y la pureza para ser el Cisne blanco, donde a su vez emerge su antagonista Lily (Mila Kunis), su rival como bailarina que cabe en el Cisne negro, un ser siniestro y malo. Nina no solo deberá superar la presión por ser elegida, sino también cumplir con el deseo frustrado de su madre, ex bailarina y llenar el vacío que dejó Beth (Winona Ryder); antigua integrante de la compañía reemplazada por Nina.

Aronofsky recrea visualmente la autoflagelación como un camino hacia la búsqueda de un ser oscuro, la lucha de un personaje ante el temor de ser reemplazado por otro, cerrando un círculo narcisista enmarcado en el ego del artista, en este caso Nina, como persona y bailarina.

Hacia el final de la película, Nina consigue el aplauso del público luego de una brillante performance, una vez iniciado el camino como una niña virginal para alcanzar el climax con su sangre derramada. Una metáfora de la menstruación, en cuanto a la exploración del cuerpo femenino, como otras escenas cargadas de erotismo que confluyen en los 108 minutos de duración de la cinta.

A ratos, Nina recuerda a Jack del Club de la Pelea (David Fincher), quien concretaba sus deseos incumplidos a través de la oscuridad de su otro yo llamado Tyler, en similar recorrido.

En este caso, Aronofsky narra la destrucción del "yo" hacia la perfección.

CINEFILO-LECTOR, DUALIDAD DE LA SUBJETIVIDAD

2011-01-28T15:26:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

Millennium es una trilogía literaria escrita por Stieg Larsson, periodista sueco comprometido con las causas humanas como el antirracismo y la violencia contra el género femenino. Según su biografía oficial, durante su adolescencia fue testigo de un vejamen sexual hacia una mujer, hecho que marca su vida e inspira su apoyo por los derechos de las mujeres.

Larssson, fallecido en 2004 y devenido escritor en sus últimos años de vida, nunca vio publicado en formato impreso la primera entrega de la serie Millennium titulada “Los hombres que no amaban a las mujeres”. Sin embargo dejó escrita la segunda como la tercera secuela: “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”. Cada una de estas historias han sido adaptadas a la pantalla grande y estrenadas durante 2009.

Londra Films, distribuidora independiente, ha hecho posible que esta primera parte dirigida por Niels Arden Oplev, sea exhibida en nuestra ciudad. Millennium I, protagonizada por los actores Michael Nyqvist y Noomi Rapace, encarnan a los personajes principales Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander, quienes resuelven similar entuerto descrito en el libro.

Mikael Blomkvist es un periodista, dueño de la revista Millennium, quien es acusado y sentenciado bajo el delito de difamación por un poderoso empresario. Mientras espera cumplir su condena, Blomkvist es contratado por el multimillonario Henrik Vanger, quien desahuciado por la desaparición de su sobrina Harriet, decide investigar su paradero 36 años después de sucedido el hecho. Azares del destino, Blomkvist conoce a Lisbeth Salander, investigadora y hacker profesional, dueña de un abultado perfil psicológico caracterizado por su pasado de frustración y violencia, ataviada de tatuajes y piercings cual “Lara Croft emo” (inevitable comparación). Salander ayudará a Blomkvist a resolver un misterio cuya obviedad se salva por las circunstancias que sostienen un entretenido guión escrito por Rasmus Heisterberg y Nicolaj Arcel, basado en la novela de Larsson.

Hasta aquí la dicotomía de la subjetividad para quienes esperan una versión que supere la una a la otra, es decir del libro a la película. Como toda adaptación, las posiciones varían entre la del director que realiza una interpretación de la obra del autor, la opinión del lector con respecto a la versión del director y una clara excepción que no terminará de cerrar el círculo será la opinión del autor (Larsson) sobre el filme.

Bajo el sano ejercicio de la dualidad cinéfilo-lector, está claro que algun@ querrá destacar el papel principal de anti-heroína de Lisbeth, las flores disecadas que Harriet le enviaba a su tío en su cumpleaños, las citas bíblicas que hacían referencia a la lista de mujeres asesinadas por uno de los integrantes de la familia Vanger, la escena donde Lisbeth arroja un bidón de combustible y prende fuego a su progenitor (responde al título de la secuela siguiente) y finalmente el tatuaje que Lisbeth realiza en el torso desnudo de su tutor, que honra el feminismo del autor.

Esperemos que la subjetividad perdone todas las llamadas de atención o casos de omisión porque al final nunca conoceremos la objetividad del autor: Larsson, el hombre que amaba a las mujeres.

¿MORIR DE PIE O VIVIR DE RODILLAS?

2011-01-24T21:07:00.000-08:00

Una lectura de la realidad mexicana

David Mamani Cartagena

Emiliano Zapata figura como uno de los mártires de la revolución mexicana por la lucha interna de los desposeídos en esos tiempos. Para la historia es conocida la vez que dijo “es mejor morir de pie que vivir de rodillas”.

Pareciera que los mexicanos han venido adaptando dicha frase a los tiempos modernos: de lo taxativo patriota a la opción de mercado, al límite que hoy prefieren morir de pie o vivir de rodillas.

Trascender en estos tiempos de liberalismo globalizador implica constituir una suerte de ícono “pop” (el macho) por la cercanía geográfica entre EEUU y México, que deriva en esta nueva dicotomía del tercer mundo: escribir un nuevo imaginario “pulp”, un consumo barato mediático de elevados niveles de violencia, corrupción del poder gobernante y hasta una dualidad en el arte por cómo la música, el cine y la literatura de ese país construyen una estética estereotipada de lo “mexicano” para el mundo y así también una fuerte posición crítica hacia esta realidad que ya superó cualquier ficción.

Llama la atención por ejemplo, que la historia de la independencia mexicana carezca de mujeres y solo haya sido escrita por hombres. La figura femenina sustenta ese marcado estado patriarcal y obliga a notar un síntoma clave como es la célebre Ciudad Juárez, famosa por sus altos índices de feminicidios, nada esclarecidos y de los cuales cada día, sacian el morbo de un sexismo atroz más allá de la frontera. La frontera como un norte prometido que obliga a miles de migrantes internos, mujeres en este caso, que sufren condiciones de explotación en las diversas industrias auspiciadas por el imperio (EEUU) y que por una fuerte crisis económica, han visto cerradas sus posibilidades de sobrevivir en su propio país y terminan siendo asesinadas por clanes del narcotráfico.

El caso de los cárteles mexicanos no es la excepción y hablo como “espectador mediático” parafraseando a la escritora Giovanna Rivero, cuando indica en un lúcido ensayo: “ya sabemos cuán sinecdóquicos pueden ser los mensajes sobre la violencia en una sociedad en crisis”.

Mientras la proximidad de dos estados liberales situados al norte de América Latina promueven la práctica de un mutualismo vicioso; el arte en su conjunto ha acompañado este fenómeno. Del narcocorrido en la música a la compleja narrativa de Yuri Herrera, quien relegando la obviedad prefiere retratar “el cambio de poder entre las clases sociales en la llamada frontera”, el límite de la realidad.

Del otro lado de la frontera y para equilibrar como fuente de inspiración este imaginario “pulp”, aparece Robert Rodríguez. Hijo bastardo de Hollywood, sabe construir una nueva cultura popular para el público yanqui, la impone y la vende, ubicando a Danny Trejo en el papel de Machete como el nuevo Superman de los desposeídos ilegales y permite colegir en la fantasía o realidad, que ambos gobiernos trabajan por el control social de la población, contratando mercenarios para evitar manchar la demagogia diplomática.

En el siglo XXI, Zapata diría que mientras el macho mexicano vive de pie, sus compatriotas mueren de rodillas.

NOCHES EMPALAGOSAS

2011-01-22T05:10:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

“Burlesque” o “Noches de encanto” para el mercado español, es una película del director Steve Antin, quien previamente ha desarrollado una carrera de actor y al parecer su primer ejercicio amateur como realizador sería este filme protagonizado por Christina Aguilera y Cher.

Ali (Christina Aguilera) realiza el sueño americano interno, migrar del campo a la ciudad para cumplir con el propósito de ser una cantante famosa. Viaja a Los Angeles en busca de un trabajo relacionado al espectáculo, donde su destino emerge del teatro musical y termina trabajando en un club llamado Burlesque, cuya propietaria es Tess (Cher). Ali comienza a ganar la confianza de Tess, trabajando al inicio como mesera para luego ser parte del selecto cuerpo de baile que cada noche ofrece glamour y sensualidad a los asistentes.

Una trama sencilla que concluye de una comedia adolescente edulcorada de romanticismo y que cumple el rol de hada madrina en el personaje encarnado por Christina Aguilera, quien a su vez figura como productora ejecutiva de lo que podría ser considerado un bodrio del cine para un público adulto, empero tiene sus méritos. Burlesque ha sido nominada a los Globo de Oro, ceremonia llevada a cabo hace unos días, compitiendo en las categorías de Mejor Película, Comedia o Musical; y Mejor Canción original con dos piezas de la respectiva banda sonora, ganando este último por el título “You haven’t seen the last of me” interpretado por Cher.

Si bien la película cumple con la expectativa de un espectador promedio y cinéfilo que asocia el término “burlesque” al espectáculo teatral basado en la parodia, el baile o el perfomance musical; el título se asemeja a lo “paródico” por los típicos diálogos de humor norteamericano y situaciones jocosas que encarnan muchos personajes de la industria yanqui. La temática de superación personal y el impacto visual de Burlesque podría compararse y evocar a Showgirls de Paul Verhoeven, aunque nunca podría alcanzar obras de calidad como lo que fueron en un momento Moulin Rouge de Baz Luhrmann o Chicago de Rob Marshall. Al presente, Glee (serie de televisión) como Burlesque, encajan en una suerte de adaptación generacional de la temática musical.

Reiterando la valoración de un público adulto, está claro que se podría especular o soñar que alguna vez el género burlesque sea tratado con realismo, imaginando un escenario donde Luhrmann dirija a Dita Von Teese o quizá Marshall a Lady Gaga. Mientras tanto, los “teeners” tendrán entretenimiento y una breve introducción a los musicales de Hollywood con Burlesque.

SUBESTIMACION Y EMPATIA

2011-01-15T02:42:00.000-08:00

David Mamani Cartagena (*)

La noche del miércoles, una vez concluida la proyección del filme nacional “Vidas lejanas”, su director Okie Cárdenas; comentaba a los asistentes que muchos bolivianos “podrán identificarse con alguna de las historias narradas en la película”.

“Vidas lejanas” retrata la vida de Ximena y Leonarda, mujeres bolivianas de diferente estrato social y existencia paralela, quienes deciden emigrar a España ante carentes situaciones o emergencias que atraviesan, retornando a su país de origen con nuevas esperanzas.

Si bien la experiencia es un rasgo emocional que conlleva a la empatía tomando en cuenta esa referencia a la identificación, ese sentimiento (empatía) no garantiza la calidad subjetiva de un filme al momento de ser calificado por un espectador.

Recuerdo hace un tiempo que María Galindo (Directora de Mujeres Creando), hacía referencia a los concursos de belleza como un mecanismo de “idiotización para las mujeres y el público en general”. Empero, parafraseando a Galindo; el panorama del cine nacional atraviesa más que un problema de idiotización, una compleja subestimación hacia el espectador.

“Vidas lejanas” se caracteriza por el recurrente tema de la migración, la sordidez de los diálogos dignos de una novela refrita, un pésimo doblaje de voces que concluye en un discurso lleno de clichés y estereotipos. En síntesis, una reiterada estética naif de la “bolivianidad” llevada a la pantalla grande, que no pienso asumir objetiva y subjetivamente.

De todos los filmes nacionales estrenados hasta el año pasado y contados en el presente 2011, creo ninguno cumple un estándar de calidad si hablamos de competir en instancias internacionales. A excepción de un género poco difundido y realizado en nuestro país como es el gore, el caso de Casting (directores: Denisse Arancibia y Juan Pablo Richter) podría variar mi posición. Mientras tanto asumo la ingenuidad que caracteriza a los realizadores nacionales y dejaré que mis colegas espectadores saquen conclusiones para citar los títulos a los que aludo. Es el turno de subestimar nuestra empatía.

(*) Periodista, Espectador de cine nacional

MAS ALLA DE LA FRONTERA

2010-11-17T18:19:00.000-08:00

UNA CONVERSACION CON EL ESCRITOR MEXICANO YURI HERRERA

David Mamani Cartagena

Al parecer el norte siempre estuvo cerca del sur y viceversa. Relegando las excusas ideológicas, en un plano literario, Rodolfo Fogwill, escritor argentino fallecido en agosto pasado, elogiaba la obra de Yuri Herrera declarando que “escribe sobre la lengua real de los mexicanos”. Ahondando más dicha opinión, Fogwill dijo “Herrera maneja el español, la lengua de los indios y el idioma de los yanquis”.

Esa era la única referencia certera que conocía de un escritor sobre otro escritor de diferente latitud en un plano geográfico, empero, Herrera corrobora dichas afirmaciones en esta entrevista que describe las temáticas de su relato como ser las relaciones entre el arte y el poder, la sucesión de dicho poder entre las clases sociales en la frontera México – EEUU, entre otros. También comenta sobre sus proyectos posteriores como la edición de la revista literaria e independiente que dirige llamada “el Perro”.

Yuri Herrera ha publicado dos novelas desde 2004: “Trabajos del reino” y “Señales que precederán al fin del mundo”.

“Trabajos del reino”, tu ópera prima; ha sido premiada dos veces, hecho que ha posibilitado la circulación y el reconocimiento de tu obra. Comenta un poco sobre este aspecto y las diferencias con “Señales que precederán al fin del mundo”, tu segunda novela.

YH: Trabajos del reino apareció en 2004 en México, en una edición muy bonita de Tierra Adentro, la editorial del Consejo de Cultura. Lamentablemente, estas ediciones no circulan mucho en librerías comerciales. Por eso, o por alguna otra razón, el libro pasó casi desapercibido hasta que un amigo, Daniel Fragoso, que vivía en Madrid y estaba comenzando carrera en el mundo editorial allá, me preguntó si podía ofrecerle mi novela a una editorial nueva. Le dije que sí, la gente de Periférica la leyó de inmediato y firmamos contrato rápidamente. El libro fue promocionado a conciencia por ellos y tuvo muy buena recepción de crítica. Luego vino el premio en España, la tercera edición, y todo esto me ha cambiado muchas cosas: me ha dado lectores y seguridad en mi escritura. Señales que precederán al fin del mundo es un libro que, gracias al camino abierto por Trabajos, ha recibido atención desde su primera edición.

Pareciera que tu ficción destaca héroes o personajes de estrato bajo que aspiran al poder a través del arte. A ratos una utopía. ¿Es tu posición como escritor o artista?

YH: No me lo planteo de esa manera (“personajes de estrato bajo”) sino que los personajes se me forman orgánicamente con la historia, su condición social tiene que ver con los desafíos que enfrentan (resistir al poder, hacer un viaje en condiciones terribles) y con gente que he conocido cuyas historias me sirven para pensar esos desafíos. Sin embargo, sí, tal vez haya algo de mi posición política, en el sentido de que creo que en la anécdota más insignificante de la persona aparentemente más invisible es posible encontrar las mismas batallas de los héroes clásicos.

¿Cómo se puede ubicar la obra de Yuri Herrera, un antes y después (autores) describiendo un mapa generacional imaginario de la literatura mexicana?

YH: Já, no, no vas a hacer que hable de mí mismo en tercera persona. Respecto a las generaciones, creo que es una clasificación cada vez más inoperante. Por ejemplo, yo he comenzado a publicar relativamente tarde, en términos de la generación a la que pertenezco por nacimiento, eso me pondría con escritores más jóvenes, pero a veces me ubican junto a algunos escritores del norte, como a Élmer Mendoza, a pesar de que nacieron mucho antes que yo.

En alguna otra entrevista he leído que destacas dos elementos importantes en tu obra: el lenguaje popular y el traslado del poder en Ciudad Juárez. A colación dos preguntas:

¿Existe un lunfardo o jerga particular del norte mexicano?

YH: En varias regiones del país hay variaciones del español “estándar”, y cada variación tiene diferentes ingredientes (léxico heredado de lenguas originales del país, anglicismos, tecnicismos, etcétera), pero a ninguna de ellas le pondría una etiqueta tan precisa como la que recibe el lunfardo en argentina.

¿En algún momento este cambio de turno hacia el poder traerá la paz a esta región de tu país? ¿Cuál es tu percepción?

YH: Por supuesto, no tengo una receta sobre cómo traer la paz al país, pero lo que tengo claro es que tendrá que ser una solución que tome en cuenta la antigüedad y diversidad de ingredientes que nos han traído este desastre: la corrupción como engrane privilegiado de nuestro sistema político, un tratamiento del tema de las drogas que privilegia la solución militar, la inoperancia de nuestro sistema judicial, entre otros.

Tengo la impresión que el impacto de tu texto no se compara con lo light del corrido en cuanto a la música como género (cliché), que supone una subestimación para el público; a comparación de la literatura que obliga a pensar, lo que también da lugar a una renovación sobre el tema “la frontera”. ¿Cuál es tu opinión?

YH: Creo que el corrido no subestima a su audiencia. Es un género muy viejo en la lengua española y muy importante en México por lo menos desde la Revolución: critica, relata, celebra, el corrido en México es muy diverso y va más allá del tema del narco o la frontera, aunque, sí, son muchos músicos de la frontera norte quienes nos han dado algunas de las más memorables canciones.

Comenta sobre tu próxima obra, la historia de una matanza de mineros en Pachuca acaecida en 1920 y la relación con tu tesis de doctorado de la Universidad de California.

YH: Es un trabajo que, a corto plazo, no se convertirá en novela, quisiera primero intentar publicarla en un formato parecido a su forma actual. Es un análisis de los diversos textos existentes (sobre todo del expediente judicial que da cuenta de la investigación de los hechos) sobre un incendio en la mina El Bordo, en Pachuca, Hidalgo sucedido el 10 de marzo de 1920. Los dueños decidieron sellar la mina cuando aún había alrededor de 100 mineros adentro. La investigación no “encontró” ningún culpable.

Podrías comentar sobre tu revista literaria El perro, ¿cómo eligen a los autores, colaboradores?, alguna consideración por cuanto el rigor del texto, cuál es tiraje o cantidad de publicación, detalles de la edición, etc…..

YH: el perro es una publicación que se edita en Pachuca que se publica bimestralmente. En ella aparecen textos literarios (narrativa, poesía, crónica, ensayo, inclusive piezas dramáticas) de autores que comienzan su carrera junto a escritores con una obra más amplia. Cada número se organiza de acuerdo a un tema sobre el cual trabaje cada escritor. Somos cuatro editores que revisamos y elegimos los textos que se publicarán. Tiramos 1000 ejemplares. La distribución es complicada, pero tenemos un distribuidor para la Ciudad de México y algunas otras ciudades de México. A otros países a veces enviamos paquetes con ayuda de amigos que viajan a esos lugares y se comprometen a colocar las revistas a la venta en al menos una librería. El correo electrónico de la revista es: revista.elperro@gmail.com

¿Conoces algo de literatura boliviana o algún autor boliviano?

YH: No conozco tanto como quisiera, pero lo poco que he leído de literatura boliviana me gusta mucho: Edmundo Paz Soldán, Rodrigo Hasbún, Liliana Colanzi y, recientemente, Giovanna Rivero. Trataré de ir llenando mis lagunas, pues estas escasas lecturas me indican que debe haber mucho más todavía por descubrir.

¿Ya visitaste Sudámerica para algún evento literario? ¿Planes para visitar Bolivia?

YH: De eventos literarios en Sudamérica, sólo he ido al Eñe, en Montevideo. Por otras razones, he visitado Chile, Argentina y Colombia (hace un par de años hicimos una presentación de el perro en Bogotá). No tengo planes a corto plazo para visitar Bolivia, pero me encantaría poder ir.

Links:

http://www.elperro.com.mx/

http://twitter.com/yuri_herrera

Perfil

Yuri Herrera (Actopan, México, 1970) es un escritor mexicano.

Estudió la Licenciatura en Ciencias Políticas en la UNAM y la Maestría en Creación Literaria en la Universidad de Texas, en El Paso. Doctor en Lengua y Literatura Hispánicas en la Universidad de California, en Berkeley, y editor de la revista literaria El perro.

Su primera novela, Trabajos del reino, obtuvo en 2003 el Premio Binacional de Novela Border of Words y convirtió a Herrera en uno de los escritores latinoamericanos más prometedores. La novela, editada también en España en 2008, recibió también en 2009 el I Premio 'Otras Voces, Otros Ámbitos', a la mejor obra de ficción, por elección de un jurado de 100 personas. Recibió asimismo el reconocimiento unánime de la Crítica. Elena Poniatowska calificó su prosa como "fulgurante" y a la novela como una entrada "por la puerta de oro en la literatura mexicana".

Su segunda novela, Señales que precederán al fin del mundo, ha sido considerada como la confirmación de uno de los jóvenes escritores mexicanos más relevantes del momento.

http://es.wikipedia.org/wiki/Yuri_Herrera

EDUARDO RIBERA BLUEBOX INTERVIENE OBRA DE GIL VICENTE EN LA 29. BIENAL DE ARTE DE SAO PAULO, BRASIL

2010-11-05T10:13:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Eduardo Ribera Bluebox, es arquitecto y artista visual. Cruceño de nacimiento, se define como artista autodidacta. El 31 de octubre pasado realizó una intervención a la obra del artista brasileño Gil Vicente, quien exponía la serie titulada "Enemigos", que consta de nueve dibujos de tipo autorretrato y en gran formato (2 m. por 1,5 m. de ancho), realizados entre 2005 y 2006 con carbón sobre papel.

Ribera publicó hoy en su blog personal una crónica sobre su acción, adjuntando imágenes que corroboran su efímera participación. A continuación reproducimos dicho artículo y añadimos una breve entrevista con el artista.

29 Bienal de Arte Sao Paulo Brasil

2010

Intervencion

Fotos: Rosa Cion

El arte nos proporciona el espacio de libertad necesario y que no se encuentra en otras partes

Bajo un sol ardiente camine varias horas dentro dentro de un laberintico mercado cruceño (Santa Cruz Bolivia) para poder comprar un afiche con la cara del señor presidente. Me miraban mal cuando preguntaba si vendían uno. Cuando lo encontré, me preguntaron para que lo quería, conteste que para córtale la cabeza, el vendedor lanzo una carcajada preocupada, aclare que solo recortaría la cabeza al afiche no al presidente, eso es imposible.

En mi taller dentro de una antigua bóveda de banco escanee y modifique el tamaño, color y textura, simples herramientas de photoshop me dieron la escala requerida. Imprimí 7 copias, mi número favorito.

Prepare mi maleta, guarde las imágenes y partí para Sao Paulo, la gran ciudad, mestiza y alborotada. Ya había investigado por internet como llegar al parque Ibirapuera donde se encuentra el pabellón de la Bienal de Arte, versión No 29, la más política de todas ellas.

Cuando el bus me dejo en la puerta del gigante parque mi corazón latía muy rápido, camine hacia el acceso, casi corriendo, al acercarme pude ver que separaban a hombres de mujeres y revisaban maletines y carteras, con detectores de metales cercheaban cada una de las almas que se disponían a ingresar a ese universo de libertad.

Personal de seguridad vestidos de traje y corbatas, jóvenes mujeres con ropas mas holgadas servían de guías, policías uniformados rondaban sectores determinados.

El eco era abrumador, se podía escuchar el sonido de una gran cantidad de gente, caminaban y se esparcían por las diferentes terrazas de la mega estructura de hormigón armado.

Pedí el mapa del lugar y comencé a caminar, justo frente a la rampa de acceso al tercer nivel se encontraban los 9 cuadros de Gil Vicente, la seguridad era más fuerte, supuse que sabían que podía pasar algo, se veía muy difícil intervenir la obra.

Debía encontrar algún espacio estratégico donde pueda quedarme para estudiar los movimientos, diagonal a las 9 imágenes encontré un espacio donde se proyectaba la obra de la Boliviana Claudia Joskowic, eso era una señal, (la obra de Claudia le daba un toque Irónico a la situación, dos ladrones americanos cercados por policías bolivianos justo antes de un gran tiroteo), la música del video creaba un fuerte sentido de peligro.

La oscuridad de la sala era perfecta para esconderme, la puerta daba justo al frente del guardia más atento, siempre supo que había algo en mi diferente a los demás, me seguía con su mirada de sospecha, el era un problema.

Visite la bienal cinco veces en diferentes horarios, estudie los movimientos de los tres seguridades, de la guía y del policía uniformado, a veces estaban cansados o aburridos, parecían no comprender como tanta gente, tantos colegios con estudiantes de todas las edades visitaban un lugar lleno de imágenes violentas, con contenido sexual, racial, de género…imágenes lejanas a los que ellos en su niñez habían visto.

Comprendí que solo la suerte, o lo que llamamos INTUICION me indicaría el momento para realizar la operación.

El sábado 30 de noviembre a las 5 PM, el penúltimo día de mi estadía se produjo un movimiento extraño, uno de los guardias dejo su puesto y bajo al segundo nivel, el guardia de otro sector lo suplanto, la guía también bajo al segundo nivel y eso era suficiente para darme cuenta que era el momento. La intervención fue rápida y exitosa, en pocos segundos la gente reconoció la imagen de evo morales, comenzaron a sacar fotos y aglomerarse para verla de cerca, no sé cuánto tiempo estuvo colocada antes que los guardias se dieran cuenta que el rostro del ex presidente George Bush había sido suplantado.

Sao Paulo, 31 de octubre de 2010.

Eduardo Ribera BlueBox

ENTREVISTA

Acabas de realizar una intervención a la obra de Gil Vicente en la Bienal de Sao Paulo. Al margen de Bansky no recuerdo haber conocido similar acto. Comenta esta experiencia y si existe algún registro de otro artista nacional o internacional que haya realizado lo mismo.

ER: No conozco.

¿La carga política de un magnicidio retratada en el arte no debería tener límites de exhibición? ¿Cuál es tu posición al respecto de la censura de la obra Gil Vicente?

ER. No se trata de Magnicidio.

El arte es un lenguaje de símbolos, metáforas y conceptos.

Magrit ya lo dejo claro con su pintura: "Ceci n'est pas une pipe" .

Hay que traducir esas imágenes que parecen obvias hacia algo más amplio y mucho más cotidiano que el magnicidio.

Sobre el intento de censura de la obra de Gil Vicente, pienso que es un error por mala interpretación de la obra. Las obras de Gil no han sido retiradas, gracias a que los curadores de la Bienal saben lo que hacen y entienden muy bien el lenguaje artístico y respetan la libertad de expresión artística.

¿Cuál es el sentido de una intervención en una obra ajena y exhibida en otro contexto?

ER: La respuesta está en la acción misma, cada espectador tiene que reflexionar y encontrar cognitivamente la suya.

Links:

www.deriberabluebox.blogspot.com

http://www.taringa.net/posts/arte/7143052/Controversial_-Gil-Vicente-_y-su-arte-del-asesinato_.html

http://www.elmundo.es/elmundo/2005/03/25/cultura/1111755277.html

MALDITO SUDACA

2010-07-25T17:11:00.001-07:00

David Mamani Cartagena

“Si ellos son la patria yo soy extranjero”

Charly García

Gonzalo Garcés es un escritor argentino poco conocido en Bolivia. Llegó hace dos años atendiendo una invitación de un centro cultural para dictar una charla. Aquella vez tuve la oportunidad de entrevistarlo. En una de sus intervenciones, diría cínica; Garcés retrucaba con respecto a la concepción de personajes en la ficción latinoamericana comparada con la literatura estadounidense. El autor dijo: “Es como si en América Latina solamente podríamos concebir la libertad sobre la base de un montón de cabezas pisadas y un personaje puede ser libre a costa de todos los otros”.

La tendencia en cuanto a la permanente construcción de “mitos”, “mártires” y “héroes”, supone casi una metafísica en la región y entendiendo esta palabra más allá del coro jocoso al que aludía el Papirri cuando canta “ay carajo, ay carajo, metafísica popular”, trasciende en nuestros días cuando leo en los diarios, declaraciones del presidente venezolano Hugo Chávez. Me refiero a este paradigma de metafísica popular por su devenir generacional y que saben aprovechar muy bien los gobernantes con sus gobernados.

Dos hechos de importancia, uno que converge en la geopolítica de Latinoamérica, el caso del rompimiento de relaciones diplomáticas entre Venezuela y su vecina Colombia; y la exhumación de los restos del libertador, nuestro “héroe” Simón Bolívar, quien descansaba en paz y en la gloria, y hoy se busca determinar la causa exacta de su muerte. Coincidentemente su aniversario natal fue ayer.

El pasado jueves 22 de julio, Chávez expresó un mensaje de rechazo a las injerencias de Colombia, que acusa a Venezuela de cobijar en la frontera (límite entre ambos países) campamentos insurgentes (FARC). Bajo la excusa de libelo, Chávez dio por finalizada la relación de amistad que tenía con su par Álvaro Uribe.

Aprovechando la presencia de Diego Armando Maradona, director técnico de la selección argentina de fútbol, Chávez declaraba que “una guerra con Colombia habría que ir llorando pero habría que ir".

Más allá de las políticas del gobierno de Chávez, sorprende la presencia del 10 (Maradona) y la causa del conflicto, en este caso la soberanía. Al margen de la postura ideológica simpatizante del Diego, pareciera que el patriotismo y el fútbol forman parte del inconsciente colectivo de la cultura popular. En cuanto a la deconstrucción de la historia oficial sobre la vida del Libertador, ésta solo puede ser comparada con la búsqueda de los restos del Che Guevara a 30 años de su muerte (1997) y que suscitó interés de la prensa internacional. Bastó la presencia de forenses cubanos en nuestro país, quienes excavaron hasta lograr su objetivo, repatriar los restos del guerrillero y seguir inspirando la revolución en Cuba. Empero los “mitos” deben renovarse, así que las esporádicas apariciones de Fidel Castro en la televisión cubana conforman este conjunto en la actualidad.

No estamos lejos de la recreación de verdades a la mística de la libertad de la que hablaba Garcés al principio. El proceso de cambio iniciado por el presidente Evo Morales, tiene como consigna la urgida descolonización de los bolivianos en honor a los “mártires” explotados, que si bien no se sirve de remover la tierra para levantar a los próceres precolombinos, recurre a ese mal de occidente como fue la conquista española y toda la sarta de calumnias consideradas por el actual gobierno y que para el resto de los compatriotas se entiende como mestizaje.

A este paso solo veo verdades panfletarias y no nobles verdades. La cultura popular se nutre en su contemporaneidad, así que habrá que agitar el poncho cada cierto tiempo como hizo Soledad para recuperar el orgullo gaucho ergo argentinidad.

Definitivamente un llamado de atención y reflexión, ya que la historia y la política rayan en la demagogia y lo que es peor, convendría advertir que la primera se están convirtiendo en una ciencia apócrifa.

MCONDO Y LA INGENUIDAD DEL MUNDO EDITORIAL

2010-05-28T18:40:00.000-07:00

Entrevista a Edmundo Paz Soldán

David Mamani Cartagena

Mientras discutía en mi interior los límites para introducir esta entrevista terminé obligado a opinar sobre una impostación en cuanto a la imagen distorsionada for export, la del realismo mágico que los gringos se tragaron por culpa de García Marquez y Vargas Llosa. Años más tarde sucumbiría el boom y el líbelo del parricidio emerge mediante la publicación de la antología Mcondo (1996) de los chilenos Alberto Fuguet y Sergio Gómez, quienes elegirían a la nueva generación que tomaría la posta de la literatura latinoamericana, entre ellos Edmundo Paz Soldán.

Hace unos meses se publicó un artículo en el diario chileno La Tercera, describiendo en un contexto histórico lo que fue y lo que es hoy, el presente de aquella generación de los ‘90s.

Si hubo un perjuicio de la globalización al mundo de las letras (escritores y editoriales), es esta seguidilla de mapas generacionales que cada cierto tiempo deben ubicar su discurso según los tiempos venideros.

Desde una simple aculturación migrante en la colonia (McOndo), antojadiza como fueron elegidos sus representantes; pasando por una pseudo intelectual clase de nuevas promesas en ocasión de celebrar a Bogotá (Colombia) como Cápital Mundial del Libro y su Bogotá 39 (2007, 39 escritores representativos de la región y menores de 40 años).

“Sin rupturas no hay relevos”, citó Diego Trelles, compilador de El futuro no es nuestro (2009), manifiesto “punk” de las figuras actuales, el sino trágico de la juventud que al parecer se anticipó a la muerte de Salinger y su imaginario adolescente. Peter Pan ha muerto y Paz Soldán responde afirmando y negando algunos mitos. Empero habrá que negarse a aceptar la persistente como descarada ingenuidad con la que se lee cada vez a los autores de estos lares. Next.

¿Qué reacciones te produjo la muerte de J. D Salinger?

EPS: Sorpresa total. El año pasado leí Franny y Zooey, y aparte de eso no lo había leído mucho últimamente, pero tenía el mejor de los recuerdos de su obra.

¿Es el fin de la adolescencia como temática en la literatura?

EPS: Para nada. Yo diría que esto recién comienza, sobre todo en Latinoamérica.

En Bolivia tenemos poquísimas novelas y cuentos con personajes adolescentes. Es un inmenso territorio a explorar.

¿Cuál es tu lugar o percepción como hispanoparlante en EEUU? ¿Conforma un proceso de aculturación en ambas partes?

EPS: Este país es lo suficientemente grande como para que cada uno pueda hacerse de un lugar. Sin embargo, el peso de la inmigración latina es tanto que a los Estados Unidos le cuesta asimilarlo. Por lo pronto es más lo que influye Estados Unidos en nosotros que viceversa, pero lo positivo es que pese a esa influencia hemos logrado mantener una cultura vibrante, dinámica. Nos enriquecen otros aportes, pero no perdemos lo nuestro.

Tu última obra “Los vivos y los muertos” fue narrada a partir de un hecho real registrado en los diarios. ¿Seguiremos discutiendo los límites de la ficción como de la no ficción?

EPS: Es bueno discutir esos límites. La ficción mejora cuando sus convenciones, sus reglas, son cuestionadas. Y la no ficción ha salido ganando en el debate, ha adoptado muchas estrategias de la ficción narrativa y ahora el género no sólo es muy respetado sino que está en un gran momento en el continente. Ahí están el trabajo de Juan Villoro, el de Julio Villanueva-Chang, el de Leila Guerriero.

En cuanto al oficio académico, ¿Por qué se ha dado este fenómeno de estudio de la lengua española en las universidades norteamericanas como de la literatura latinoamericana?

EPS: En Estados Unidos es obligatorio aprender una lengua extranjera para graduarse en cualquier carrera. Me parece lógico que la abrumadora presencia de la inmigración latinoamericana en los Estados Unidos haya producido la curiosidad suficiente como meterse a aprender el lenguaje y la literatura de América Latina. Es interesante observar el fenómeno desde adentro. Cuando llegué a los Estados Unidos hace veinte años, el español estaba detrás del francés y el alemán en las universidades. Hoy, 70% de los estudiantes que aprenden una lengua extranjera escogen el español.

¿Te molestó la etiqueta Mcondo (antología)?

EPS: Me causó gracia. La encontré muy original, es todo un hallazgo. De hecho creo que si la antología concitó tanta atención fue en gran parte gracias a su título.

¿Crees que el llamado “boom” de Fresán, Fuguet y Paz Soldán se diluyó y ahora maduraron como indican los críticos?

EPS: Nunca hubo un "boom". Y si no maduramos en algo después de tanto tiempo, entonces no hay salvación para nosotros.

Por qué se sigue antologando autores bajo la subjetiva categoría de la edad, ¿obedece al mercado editorial? Ejemplo: Bogotá 39.

EPS: Porque facilita las cosas a los editores, a los críticos, a los periodistas culturales. Incluso a los escritores. El asunto es no tomar esas cosas tan en serio. Recibirlas con una dosis de ironía y buen humor.

¿Cómo ves el panorama de la literatura hispanoamericana?

EPS: Muy disperso, muy ecléctico. Atraviesa un gran momento. Una grupo que pueda contar entre sus nombres con Junot Díaz, Mario Bellatin o Juan Gabriel Vásquez, por sólo citar unos cuantos, es un gran grupo.

(Entrevista publicada originalmente en mi perfil de Facebook el Viernes, 12 de febrero de 2010 a las 16:02)

UN MOMENTO FELIZ (LEJOS DE VOS)

2010-05-28T18:18:00.001-07:00

David Mamani Cartagena

“¿Cómo está el pronóstico para hoy?” preguntaba Sergio Marchi (autor del libro No digas nada, biografía de Charly García, amigo íntimo del cantante) en su perfil del Facebook el viernes pasado por la tarde. Desde Buenos Aires ya se respiraba expectativa para lo que sería el retorno de Charly García. Cumplía 58 años y hace dos semanas ya había celebrado en Perú un concierto multitudinario en la pista del Estadio Nacional de Lima. “Estoy lejos” pensé.

Charly García tocó en el estadio de Vélez (Buenos Aires, Argentina) el viernes 23, bajo la lluvia. Según versiones oficiales, 6000 personas no pudieron asistir al desistir por la infame información del día. “El concierto se suspende” decía Crónica TV (canal local porteño). Otra versión oficial: horas antes del show había sido entrevistado por Jorge Lanata durante la prueba de sonido. Declaraba que solo había tenido dos momentos felices en su vida. La tercera era esa noche.

Había que esperar. Llegó la noche y García se hizo a si mismo. Era él.

QUIERO VOLVERTE A VER

El show se llamó así. 40.000 personas cantaron durante el aluvión. La banda ya estaba armada. La base chilena que nunca lo abandonó: Kiushe Hayashida, guitarra; Carlos González, bajo, y Tonio Silva Peña, batería; se complementaron con quienes lo bancaron durante su recuperación en la quinta de Palito Ortega. Sus compatriotas: Hilda Lizarazu (coros), Fabián Quintiero (teclados) y el “Negro” García López (guitarra), dirigidos por el maestro sentado en el piano de cola.

“El amor no espera” inició el periplo. El amor de sus fans no espera y no tiene final. Siguió con el “Rap de las hormigas”, “No soy un extraño”, "Cerca de la revolución", "Chipi chipi", "Fanky", "Vía muerta" y "Demoliendo hoteles". El momento cumbre de la noche llegó para presentar al “Flaco” Spinetta, un dúo para “Rezo por vos”. La indómita luz nunca se hizo, el clima húmedo persistió.

Del título homónimo de su primer disco, "Yendo de la cama al living", continuaron con "Canción de 2 x 3", "Llorando en el espejo", "Me siento mucho mejor", "No voy en tren" y "No toquen”.

Otra versión oficial del evento: “El primer concierto subacuático” enunció Charly García. Un trato solemne: nunca dejó de tocar y la gente nunca se movió de sus lugares. La carencia de confort fue calificada por Sergio Marchi, un día después; como lo que es ante todo un concierto: “un momento sensible”.

La puesta en escena planificada días antes se desvaneció. La lluvia no dejó apreciar la obra de Pichón Baldinú, quien había considerado para la presentación dos pantallas laterales como un piano que colgaba del techo del escenario.

A dos horas de un concierto inolvidable, la fiesta del 58 aniversario de Charly terminó con “No se va a llamar tu amor", "Inconsciente colectivo", "Los dinosaurios" y “No me dejan salir”, aquella canción cuyo dejo en el coro canta tengo que volverte a ver.

García le dijo a Lanata que esos momentos felices que había vivido fueron cuando cantó con Mercedes Sosa en el Metropolitan de Nueva York, cuando fundó su sello discográfico Say No More con Mónica García (la Flaca de Andrés Calamaro, ex esposa del Salmón) y el concierto del 23 de octubre.

Yo tuve un momento feliz ese día: la vuelta de Charly García.

(Crónica corta publicada originalmente en mi perfil de Facebook el martes, 27 de octubre de 2009 a las 16:20)

REFLEXIONES SOBRE EL DECK DAY

2010-04-14T13:31:00.001-07:00

David Mamani Cartagena

A continuación una síntesis sobre mis impresiones acerca del Deck Day celebrado el pasado 10 de abril en el espacio alternativo Rubik de nuestra ciudad, dirigida a las partes interesadas y/o aludidas.

Skaters:

No basta socializar una nueva estética como un deporte extremo porque más allá de la moda, la pose, la actitud o el estilo de vida; está el sentido de pertenencia. Ustedes son parte de esta ciudad no solo porque habitan en ella sino también porque se expresan en el marco de esa convivencia ciudadana.

Público:

Estamos hablando de diversas culturas emergentes en nuestra ciudad, en este caso el movimiento de la práctica del skate. Esta es una muestra de que Santa Cruz alberga muchas culturas que no necesariamente se adscriben a una identidad ancestral o regional si no más bien a una realidad urbana y contemporánea. Llamar “sub cultura” al skate sería una aberración de lógica mientras no se plantee una cultura cruceña del “mainstream” o algo parecido.

Anécdota:

El pasado 7 de abril concluyó la exhibición “Re:board”, curada por Alexandre Sesper (Brasil), skateboarder, artista y director del documental del mismo nombre, filme que también fue parte de la muestra llevada a cabo en la Tony Alva's Exhibit GAllery, en la ciudad de Los Angeles, California (EEUU).

El público pudo apreciar durante la exposición, 50 tablas de skate (deck) que cuentan la historia del skateboarding en Brasil.

Conclusión

Habrá que seguir esperando.

Foto: Iván Rodríguez Subirana

NATIVOS E INMIGRANTES DIGITALES (una crónica para lectores ausentes)

2010-03-30T08:42:00.000-07:00

David Mamani Cartagena

Asistí a media jornada de tres que el Centro Simón I. Patiño había programado en el marco del III Foro de Fomento a la Lectura en Santa Cruz. La tarde del miércoles 23, Gonzalo Oyarzún (Chile, Director de la Biblioteca de Santiago), durante una intervención como público (en la mañana disertó) declaró que al presente “coexisten los nativos como inmigrantes digitales”. Esta es quizá la síntesis de una dicotomía generacional, para quienes (me incluyo) crecimos leyendo libros impresos y empastados; como su posterior traslado al soporte digital, empero quedaron relegados quienes todavía no aceptan o no se adaptan a este devenir cultural.

El III Foro de Fomento a la Lectura, empezó el pasado 23 y se extendió hasta el 25 con dos jornadas (mañana y tarde) por día, cuya concurrencia en su mayoría estaba compuesta por profesores de literatura, editores, autores, libreros y bibliotecarios.

Ernesto Martinez, Presidente Camara del Libro La Paz

Ante mi limitada presencia, solo me remitiré a las ponencias atendidas. Resumiendo la segunda parte del primer día, Ernesto Martinez (Presidente de la Cámara del Libro en La Paz) básicamente presentó las ventajas y desventajas del soporte digital actual, e-book o libro electrónico. Entre lo más relevante de su participación fue un esbozo en cuanto a derechos legales digitales (DRM, Digital Right Management) que protegen a los autores por cuanto la venta de sus libros en tiendas virtuales, la guerra de formatos digitales para la lectura de e-books y la inclusión del soporte digital como estándar de libro (concepto) en la Ley del Libro en Bolivia.

Luego el filósofo cochabambino Benjamín Santistevan ofreció una interesante charla sobre la Ética y política del acto de leer, desde la visión deconstructivista de Jacques Derrida y Maurice Blanchot.

Santistevan planteó su ponencia desde el inconsciente imperativo del “yo debo leer”, a causa de la proliferación de la imagen como las reformas educativas en América Latina, bajo la excusa de que el conocimiento se expande a través de la palabra, es decir “la lectura como reproducción del conocimiento”.

Profundizó más al retratar la lectura como una propiedad metafísica, de dominio por parte del autor, porque su conciencia se transmite al lector.

Mediante una analogía describió el libro como la naturaleza de Dios, “la biblia es el libro de los libros, Dios como principio a través del Génesis y un final a través del Apocalipsis”. En ese sentido el autor imita a Dios, pasando su conciencia al lector, cerrando un círculo (ciclo).

Luego conceptualizó la lectura como un proceso fisiológico, aludiendo al sentido de la vista; la participación del cuerpo en la lectura, “el ojo ve porque es observable en el mundo real por otro ojo”. Este proceso fisiológico conlleva conocimiento si el ojo abstrae materialidad a la memoria.

Finalmente se refirió a la física del libro enunciando que “no se puede leer sin ver”. “Un lector puede ver las letras pero no leerlas”.

Entre otras citas de Santistevan, destaco las siguientes: “El texto debe entenderse como algo figurativo, se interpreta de forma diferente, nunca se alcanza la verdadera lectura”.

“Si existe una materialidad en la lectura se da cuando leemos, formalizamos con palabras. Las letras son una huella del cuerpo. Sin materialidad no hay texto, no podemos leer”.

En cuanto a la ética del acto de leer, Santistevan exhortó que “se debe leer mediante una interpretación efectiva. Una ética que “nada tiene que ver con una respuesta al texto, obedecer lo que dice”. Una ética expresada en “las propiedades lingüísticas y no en la subjetividad”.

“Responsabilizarse ante el riesgo de leer”, manifestó.

Marcelo Suárez, editor Escenas y Brújula El Deber

Después correspondió el turno a Marcelo Suárez, editor del sector Escenas y suplemento Brújula de Diario El Deber, quien afirmó que la temática que aborda se adaptó a los nuevos formatos de la tecnología.

Entre las responsabilidades de un periodista cultural en la actualidad, Suárez dijo que se debe “generar debate, ir más allá de la noticia”. También se refirió al uso de las nuevas plataformas de información como las redes sociales, Facebook y Twitter y blog. Empero manifestó desventajas por parte de la red internet, ya que “ha limitado al periodista a esforzarse menos por la búsqueda de fuentes”. Remarcó que estas nuevas herramientas “deben ser un material de apoyo, pero que nunca reemplazarán el olfato, la indagación, que son cualidades de un periodista”.

Marcelo Paz Soldán, Editorial Nuevo Milenio

La opinión de un hombre del mundo editorial que maneja ambos soportes, digital e impreso, destacó en la participación de Marcelo Paz Soldán, de Editorial Nuevo Milenio; quien cerró el primer día del foro.

Paz Soldán fundó el sello impreso Nuevo Milenio el año 1996 y piensa publicar cinco nuevos títulos el presente 2010. Para variar su oferta de catálogo comentó que creó la página virtual Ecdótica en 2007, que alberga varios títulos de la literatura contemporánea boliviana y que registra unos 700 visitantes diarios. Sostuvo también que “las editoriales tienen que vencer varios obstáculos para producir, citando entre ellos la piratería, los altos costos de impresión, impuestos y el porcentaje de venta que cobran las librerías”. Irónicamente comentó que “el mercado formal de venta de libros no alcanza un nivel regular, y quizá conforma una red clandestina de comercialización, toda vez que la piratería genera mayor demanda”.

LOS EJERCITOS INVISIBLES (SEGUNDA PARTE)

Asumiendo una posición crítica lo único reprochable a un foro de fomento de lectura es la ausencia de lectores.

En cuanto a la tarea de fomentar la lectura, pienso que ya no depende de un poder como política de socialización y/o comercialización. Al contrario, este poder ha caído y hoy más que nunca el poder individual tiene acceso al conocimiento, por tanto el hábito de lectura dependerá de los lectores y ya no de los libreros, bibliotecarios, editores, etc, ergo intermediarios.

Pienso también que todavía se evidencia un maniqueísmo por parte del mundo editorial o mercado legal que retrata un lector malo, “consumidor de libros piratas”; y uno que obra bien, aquel que “fomenta la propiedad intelectual” comprando títulos originales en librerías. Este punto debería ser tratado desde el paradigma de la licencia abierta o Copyleft; la cesión de los derechos patrimoniales y no así morales por parte del autor para la reproducción de su obra y su masiva distribución a través de diversos soportes en beneficio del lector.

Si vamos a hablar de esa patética lucha entre lo digital e impreso debo sentenciar que la lectura conlleva un proceso cognoscitivo, no cabe duda que es una habilidad adquirida, misma habilidad que supone adaptarse al uso de la nueva tecnología, por tanto ambas son imprescindibles.

El 27 de febrero pasado, leía en la revista Ñ de Clarín, una declaración del escritor argentino Fabían Casas, quien argumentaba que el libro impreso nunca iba a morir, refiriéndose a la propiedad inmaterial del mismo. Casas dijo entonces: “El 13 de septiembre de 1908, Napoleón se encontró con Goethe y le dijo: Sos lo que se dice un hombre, Got. El maestro alemán, en señal de respeto, sólo bajó la vista. Napoleón tenía el poder real, había conquistado el mundo físico, Goethe había escrito libros y su poder estaba en el mundo metafísico. Los ejércitos visibles ganan o son derrotados, los ejércitos invisibles son difíciles de dominar y suelen atravesar el tiempo, la raza y las fronteras”.

Alguna vez tendré que refutar a Casas (es mi ídolo), pero si vamos a hablar de la metafísica de la escritura bajo la lógica de la idea (propiedad intelectual) como bien común, la virtualidad será nuestro próximo ejército invisible. Hasta la victoria siempre lectores.

Fotos: David Mamani Cartagena

EL TIEMPO PERDIDO (un homenaje tardío y sincero)

2010-03-14T14:57:00.000-07:00

Por David Mamani Cartagena

Para Miguel Cabruja y <•||||-||||-<

Los Salmones en la refundación de Santa Cruz, Manzana Uno, 2010

Debo confesar que no les creía. Había escuchado hablar de ellos y apenas los reconocía. Y pensar que por esas idas y venidas nunca supimos si realmente estábamos enojados. Si valía la pena seguir en silencio cuando la vida es corta para callarse.

Recuperamos la alegría y hasta hace unos meses ya nos saludamos. Con respeto los sigo.

Recordé el tiempo perdido mientras los veía en la refundación del pueblo hace unas semanas en la Manzana Uno. En ese momento pensé: están rescatando la tradición oral, nuevos fraseos para los versos de antaño. Están creando una estética, un lenguaje que si no se adapta a los días, muere.

“No mi cumpita don paco le juro no miento que pues yo no fui” se pierde en la voz de ese personaje que Jagger no podría llegar a emular porque es nuestro.

Han demostrado que lo "cruceño" también puede ser rock n’ roll y blues. Que no hace falta disfrazarse de camba para exaltar la región y gritar a los cuatro vientos que viva Santa Cruz. Solo basta con ser un hijo del buri y bailar en la pista calentada por el padre nuestro sol.

Hoy la franqueza pudo más que el tiempo perdido. La madrugada de este domingo recibía un elogio. Era Miguel que se acercaba a mi mesa en un bar del casco viejo de la ciudad para decirme que esa sustancia, el alcohol; le cruzaba los cables. Que no le dejaba pensar y quizá yo tenía más para perder que él. Que ya no sería el mismo.

Gracias Miguel. Nunca más el tiempo perdido. Un abrazo.

Foto: David Mamani Cartagena

APUNTES DE LA MUSICA COMO UNA LOGICA

2010-03-12T05:17:00.003-08:00

Ensayo corto leído en el primer #juntetuiteromelomano (1)

Por David Mamani Cartagena (2)

Para Marcelo 'Cacho' Gala

Cuando escucho una canción me gusta pensar la abstracción como razón. Pensar en música como escucharla se asemeja a lo que nos llama a reunirnos hoy, colegas melómanos. La música nos permite pensar, escuchar y hablar de ella.

Si me definiera como melómano pienso en la música como un bien común, de todos y para todos. Empero, prefiero no pensar y mejor hablar de música. Luego habrá tiempo para escuchar.

Creo que el principio básico de la música es el sonido; e incluso antes el aire, el espacio o tiempo, un lugar, alguien, etc. No habría música si nadie la escucha en un momento y lugar determinado.

En ese sentido, concibo la música como el signo más avanzado de la comunicación humana así como el más primitivo de la misma. Si bien el primer sonido se enunció y se escuchó, no fue hasta su organización o adaptación a un sistema (pentagrama) lo que permitió su apreciación para un alcance masivo. Posteriormente el registro pudo más para este fin social (LP, cassette, CD, etc.)

Dicho registro permitió otorgar a la música un carácter moral y legal por cuanto se entendió la creación como propiedad intelectual. Según lo establecido por los expertos de esta materia (el derecho), la obra intelectual musical se compone de ritmo, melodía y letra. Obviaré las dos primeras y me remitiré a la lírica.

Marcelo Cohen, escritor argentino, dice que “los hechos puros –la vida, digamos- no tienen sentido. Es el relato, la organización que provee el trabajo de la narración lo que le otorga sentido a eso que pasa”.

Disculpen la simpleza de la afirmación prestada como su adaptación, pero es la mejor para definir la estructuración del lenguaje (sea escrito u oral) y en este caso válido para aproximarnos al sonido vocal en la música; la letra ergo la narración.

Retomando mi idea del principio, de escuchar una canción y pensar la abstracción como razón, nunca supe si la siguiente frase le perteneció al desaparecido Tanguito, pionero del rock argentino, precursor de la mítica Cueva de la calle Pueyrredón en Buenos Aires: “Si nadie me toca el alma, seguro que hoy moriré”.

¿Así habrá cantado Tanguito alguna vez en los años ‘60s? No lo sé. Lo que acaban de escuchar es una recreación, una canción titulada Tango Feroz de la banda sonora con título homónimo de la película. Hago referencia a recreación porque eso hacía el actor Fernan Mirás con la fonomímica de esta canción, cuando interpretaba la vida de Tanguito en dicho filme de 1994, dirigida por Marcelo Piñeyro (co-producción España – Argentina).

Para qué destilar más detalles. Reitero mi idea del principio y prefiero escuchar una canción para pensar. “Mejor no hablar de ciertas cosas” canta Luca Prodan, fallecido vocalista de Sumo. A veces es mejor pensar la muerte como el eco del sonido en vida. Alguien tiene que escuchar.

(1) Primera reunión informal de “tuiteros melómanos” residentes en Santa Cruz, Bolivia (11 de marzo de 2010); cuyo único objetivo es el confraternizar a través del amor a la música, su apreciación, estudio, catalogación, etc.

(2)Periodista cultural

Twitter: @mamanidavid

MAÑANA ES MEJOR

2010-01-17T06:30:00.000-08:00

David Mamani Cartagena (*) (Ponencia leída en el marco del Barcamp SCZ 2010)

Para Javier Rodríguez

He vivido tres décadas y hace cinco años que me dedico al periodismo cultural, por tal motivo trataré de justificar mi oficio al presente como un vago cuestionamiento. Varios colegas hemos coincidido como discrepado, y tal vez fracasado alguna vez a la hora de definir periodismo y cultura. Pareciera que el perfil del oficio se diluye regularmente y pide adaptarse.

Cuando recibí la invitación para escribir y/o describir mi experiencia (en el área) y la relación con la web 2.0 (al menos eso entendí), decidí despojarme de cualquier pretensión y no hacer mella de un tema que desconozco. Tengo la ingenua impresión que cada día que vivo me siento a la vez desconectado del léxico del hipervínculo. Por tal motivo trataré de dar una aproximación o definición tentativa en cuanto al tema solicitado para esta ocasión.

Al reconocer mi oficio como un ejercicio, diría que trabajo en prensa escrita porque escribo en dos soportes: impreso y digital. Sobre lo que escribo tengo mucho para hablar así que seré breve y comentaré algunas anécdotas.

Debo admitir que llegué tarde a la web 2.0 y a la fecha no sería conveniente citar el transcurrir del tiempo como una excusa para quedar relegado. No puedo negar el devenir que me rodea, vivir y escribir sobre él.

Mi incursión en la web 2.0 se origina en diciembre de 2006, creando un blog que contendría información referida a los actores locales dedicados al ámbito cultural. A priori decidí aferrarme a una definición de cultura para aquello que entendía y se limitaba al arte (una mera representación de la realidad). Es decir el signo, el objeto u obra de arte (un cuadro, una escultura, una película, una puesta en escena, etc.) y su relación con el espectador.

No quisiera obviar otros detalles y a colación les comento que el acto de crear dicho blog fue por la necesidad de tener un espacio propio donde escribir, luego de un intento fallido por sacar a la luz una revista cultural impresa. En aquel entonces, mi impetuosa posición se caracterizaba por generar un cambio en el periodismo cultural local a través de un estilo propio y al mismo tiempo evitar trabajar en un medio masivo. Hoy más que nunca me niego a bajar los ímpetus porque todavía se cuestionan nimiedades.

Por ejemplo, muy pocas veces se alude al discurso contenido y al contrario se discurre con el soporte. Frecuentemente se compara el uso, si es legítimo o no escribir a través de la web. De la lectura hablaré luego.

Recuerdo hace unos años, fui entrevistado por una colega vía correo electrónico. Una de sus preguntas hacía referencia a mi elección en cuanto al oficio de escribir. Tácitamente respondí: “No habría una preferencia en un sentido de alcance o masividad, es decir, escribo para que mucha gente me lea, sino todo lo contrario; que la gente que me lea entienda lo que escribo.

El año pasado redacté una reseña sobre la película nacional Rojo Amarillo Verde de Sergio Bastani, Martín Bulocq y Rodrigo Bellot, directores respectivamente. Por motivos de exclusividad, el artículo salió publicado primero en el suplemento cultural sabatino de un diario local y luego decidí publicar la misma nota en mi perfil de Facebook. Recuerdo que llegué a leer 20 comentarios de unas diez personas. La mitad de estas personas aducían que mi nota era una ESTUPIDEZ con mayúscula y apenas una persona escribió en mi muro indicando que le encantó la misma. Esta última persona a diferencia de las otras, leyó el vapuleado artículo en el periódico. Hasta ahora manejo dos hipótesis del caso: 1) el soporte no importa mientras haya buenos lectores, 2) el alcance dependerá de la simpatía que tenga con mis contactos del Facebook.

En la lógica de las comunidades virtuales, si comparara el Facebook como el blog, diría que el primero es solo una trinchera abierta, mientras que el segundo es un lugar íntimo que no es igual a anonimato. Quizás es narcisista.

Hablemos de los autores (referidos a la literatura). He podido indagar que quienes no poseen un blog se ubican en varias posiciones. Algunos mantienen un idealismo al no alinearse a la tecnología presente y deciden ser fieles al papel. Otros calculan cuánto dinero pierden anualmente por las versiones download de sus libros. Hay contados y osados que adoran tener un blog porque es una suerte de gimnasio para no perder el estilo, y otros tan patéticos que solo leen blogs para saber si los amateurs serán algún día su competencia.

En cuanto a los lectores (me incluyo), confieso que nunca leí los libros de Fabián Casas, escritor argentino contemporáneo que idolatro con pasión. Empero, leí cada una de las entradas que Casas ha publicado en cuatro blogs personales que administra. También leí cada entrada de cinco blogs dedicados enteramente a su figura. Ya perdí la cuenta del total leído, solo me limito a decir obsesión.

No sé si podría comparar la voz del autor a través de ambos soportes, digital o impreso. Debería hacer una excepción y quizá afirmar que la emoción al leer no es la misma. ¿Estaré equivocado?

A continuación leeré lo que decía Fabián Casas en una conferencia transcrita a un libro impreso:

“Ahora se habla mucho sobre el futuro del libro, si va a mudar definitivamente hasta convertirse en una pura realidad virtual. Los chicos que nacen con internet pueden acumular toda la obra de Tolstoi en un pequeño archivo. Y leerla en sus computadoras. Sin embargo, me cuesta creer que vamos a poder dejar de tocar el papel, de olerlo”.

Estaba equivocado. Coincido con Casas y prefiero suscribirme a la idea del sentido del olfato, la facultad sensorial. El sentimiento no es perceptible.

Hasta aquí he relatado mi experiencia o descripción del oficio y su relación con la web 2.0.

Tal vez cuestionarán que hasta al momento solo hablé de las letras. Reitero mi definición a priori sobre lo que entendía por cultura (referido al arte). Es lógico que la literatura tenga una intrínseca relación con la escritura por el soporte (digital o impreso). Hablar y escribir sobre las otras artes (cine, música, pintura, etc.) nos tomaría buen tiempo para dilucidar. Entonces convendría sentenciar que la relación intrínseca entre el arte con las nuevas tecnologías no se basa en el objeto u obra de arte, sino más bien en su relación con el entorno, toda vez que cambia si es reflejada en la realidad virtual imperante.

Repito, quizá no asistiremos a la muerte del objeto u obra de arte, sino a la intimidad que le rodea. Ojo, no me refiero al sentimiento, reafirmo que no es perceptible y hago hincapié en lo sensorial. La literatura como cualquiera de las artes, al ser un reflejo de la realidad, converge en una brecha entre creador y apreciador, es decir producción y percepción. En la virtualidad esta brecha desaparece. Corroboro dicha teoría en palabras de una amiga quien es artista visual, Valentina Bacherer. Conversando alguna vez con ella, sostuvo que “la idea del arte como emulación de la realidad había terminado. Hoy más que nunca las vanguardias están por encima de él”.

Roberto Valcárcel, destacado artista conceptual, nacional, decía que la realidad no existe. “La realidad es una construcción, una creación. Si arte es reflejar la realidad entonces la mejor obra de arte sería un espejo” Valcárcel dixit.

Prefiero seguir divagando y utilizar la analogía de Valcárcel y preguntarme:

¿Será posible aceptar en un futuro próximo que la mejor obra de arte sea una pantalla?

Si aún es difícil comprender lo enunciado anteriormente espero responder la otra parte del elucubrado cuestionamiento que he realizado: ¿cuál es la definición de periodismo?

Creo haber delineado un perfil del oficio, el ejercicio a través del soporte, lo cual conlleva un registro. Actualmente considero que mi lugar carece de importancia ya que la información puede ser construida desde una laptop por cualquier persona.

Acaba de concluir una década marcada por un cambio cultural, cuyo cenit se vio reflejado el año 2006. Todavía recuerdo la portada de la revista norteamericana TIME, aquella imagen sugestiva de la MAC (ordenador); monitor, teclado y mouse. TIME declaraba que el personaje de ese año eras TU. TU, dueño de la información, dando la bienvenida a TU era. Resalto la palabra TU.

¿Cómo concluir entonces?

Al ser una aproximación tentativa (espero no errada) me limitaré a decir que el arte ya no es una parte del todo (1), de la realidad perceptible. Me pregunto si alguna vez se invertirán los roles, si el arte llegará a ser una emulación de la realidad virtual, o quizá la realidad virtual sea nuestro próximo arte a apreciar, a escribir y hablar sobre él.

Queda claro también que mi definición de cultura (antes limitada al arte) se quiebra definitivamente y abarca un todo de la realidad como de la virtualidad.

Creo que el oficio de escribir de ahora en adelante nos pertenece a todos. Creo que será un reto responder nuevos como vagos cuestionamientos cada vez que éstos se diluyan y pidan su adaptación. Mientras tanto les digo: MAÑANA ES MEJOR.

Gracias.

Santa Cruz, Bolivia, 16 de enero de 2010.

(*) Periodista cultural, corresponsal en Santa Cruz del suplemento Ramona de diario Opinión de Cochabamba. Colaborador eventual de diarios locales como publicaciones independientes.

(1) El arte como parte del todo, entendiendo que sus propiedades estéticas pueden ser cuestionadas por un curador y artista.

MINIMALISMO NARRATIVO

2009-12-09T06:07:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

Todos los críticos coinciden en afirmar que la prosa de Alejandro Zambra se debe a su poética precedente. Algunos retratan sus textos como reseñas de los mismos. Ha publicado dos poemarios y dos novelas. Estas últimas no superan las 100 páginas en su contenido cada una. En el caso de los poemarios por ejemplo, Bahía Inútil de 1998 (Ediciones Stratis), figura con un tiraje de 250 ejemplares. Zambra se convierte en un autor de culto si indagamos su bibliografía primeriza. El juicio se confirma al corroborar que este autor como otros contemporáneos, parecieran no existir en las listas de las librerías de la ciudad.

En cuanto a novelas, Zambra ha publicado con Anagrama (editorial española), que este 2009 cumple 40 años de independencia. Figura como el tercer autor chileno (después de Roberto Bolaño y Pedro Lemebel) que escribe para la prestigiosa firma, quien llegó a la misma por azar, enviando el manuscrito de Bonsai (2006) vía correo postal a raíz del poco interés por publicarse en su país natal.

Bonsai es una novela corta o un cuento largo. En un párrafo del último capítulo, la historia se resume así: “Al final ella muere y él se queda solo, aunque en realidad se había quedado solo varios años antes de la muerte de ella, de Emilia. Pongamos que ella se llama o se llamaba Emilia y que él se llama, se llamaba y se sigue llamando Julio. Julio y Emilia. Al final Emilia muere y Julio no muere. El resto es literatura”.

Esa frase “el resto es literatura” parece un baldón al común de los escritores. Aquellos que se extienden con la palabra y esperan ganar un premio. Al momento de publicar su segunda novela, La vida privada de los arboles, su editor Jorge Herralde declaraba: “Ya sabe que se le espera, como es de rigor, con los cuchillos afilados”.

Bonsai como La vida privada de los arboles (2007) resultaron ser “la gran novela chilena” para el pesar de sus pares. La hostilidad se ahondó y la revancha de los escritores se tornó tensa con respecto a la obra de Zambra, si se toma en cuenta que el autor empezó escribiendo reseñas de libros en Las Últimas Noticias (*) y The Clinic (**), destacando o ninguneando a autores nacionales como extranjeros.

El próximo viernes 11, Zambra llega a Santa Cruz y dictará una conferencia titulada “De novelas ni hablar”, en el Centro Simón I. Patiño. Después de su fallida visita en mayo pasado, será el momento propicio para introducirnos a su obra como a su postura radical en cuanto al estilo de escribir. Mientras tanto conversamos con él.

Es curioso preguntarte por tus libros porque en Bolivia no es fácil acceder a los mismos. Primero se conoce al autor por la red y con suerte la conferencia que brindarás el viernes. ¿Qué opinas de este fenómeno, de conocer primero al autor antes que a su obra?

AZ: Es el mundo al revés, claro. Conocer al autor es absolutamente innecesario.

La primera referencia que tenía de vos vino de un amigo escritor, indicaba que con la obra que publicaste ya te alcanzaba. ¿Crees estar en el cenit de tu carrera?

AZ: El juicio de tu amigo es muy generoso. No creo que sea así. En verdad no creo en los avances y tampoco en los retrocesos. Escribes en silencio. A veces apareces, a veces desapareces, eso es todo.

Has ejercido la crítica en diferentes publicaciones, ¿aceptarías realizar una autocrítica de tu obra?

AZ: No releo mis libros, pero escribo otros. Supongo que escribes otros libros porque los que escribiste ya no te sirven. Porque lo que necesitas decir ha cambiado.

Bonsai, tu primera novela nació de un poema a la prosa. ¿Cómo se dio el proceso de escritura, la adaptación?

AZ: Fue un proceso muy largo, que se cumplió cuando me resigné a la falta de poesía. En ese tiempo yo escribía o quería escribir poesía, que es algo que hace el noventa por ciento de la población chilena.

Al respecto de Bonsai, en tu país se armó una polémica por el contenido minimalista que apabulló a los grandes escritores chilenos que esperaban escribir la próxima gran novela chilena, aludiendo a un artículo de Rafael Gumucio. ¿Tienes alguna opinión?

AZ: Yo creo que la polémica sucedió más bien porque el libro fue publicado en Anagrama. Fue un tiempo muy ruidoso y molesto. No era una discusión literaria.

Tu relación con la poesía es más cercana que con la narrativa. ¿Dónde te sientes más seguro?

AZ: Nunca me siento demasiado seguro. Lo que más me gusta es leer. Ahora, al escribir, en realidad boceteo sin pensar demasiado en géneros literarios. De ahí sale un poema o una narración, según el ritmo, según la deriva de alguna imagen.

¿La crítica literaria supone una formación previa o paralela para escribir (complementaria)?

AZ: No lo sé. En mi caso comencé a hacer crítica porque era un trabajo, uno de los pocos trabajos disponibles para un licenciado en literatura. De algún modo todos los escritores hacen crítica, dejan ver sus preferencias, ahondan en aquello que les interesa.

En la poesía como en la narrativa, ¿a quienes recomendarías leer (títulos y autor)?

AZ: Uf. A muchos, muchos. Para no cansar a nadie, recomiendo solamente El desierto de los tártaros, de Dino Buzzati, una de las mejores novelas que he leído, y en poesía, ya que estamos acá, Recorrer esta distancia, de Jaime Sáenz, un poeta tremendo.

¿Qué opinas sobre el soporte digital en la literatura? (escribir en blogs por ejemplo)

AZ: Me parece favorable, sobre todo en países como los nuestros, en los que es tan difícil acceder a los libros.

Entre tus proyectos recientes figuraba tu libro de ensayos “La literatura de los hijos”, una novela pendiente, y la versión película de Bonsai dirigida por Cristian Jiménez ¿ya salieron a la luz?

AZ: Sigo en la novela y en ese ensayo sobre la literatura de los hijos. La película es asunto de Cristián Jiménez, un cineasta que acaba de estrenar en Chile "Ilusiones ópticas", una película bellísima. No es un proyecto mío. Que él haga lo que quiera. Estoy seguro de que la película será mejor que el libro.

Una pregunta no literaria. ¿Podrías comentar el momento político que vive tu país a días de los comicios? El caso de Marco Enríquez-Ominami, candidato y fundador de la publicación The Clinic.

AZ: Enríquez-Ominami no fundó The Clinic y yo no creo que haya fundado ni funde en el futuro nada demasiado duradero. El momento que vivimos es muy complejo, pues hay un Berlusconi a la chilena a punto de llegar al poder y seguramente gobernará con la UDI, un partido pinochetista en que milita el sector más conservador e intransigente de la sociedad chilena. Mi candidato, Jorge Arrate, es el candidato de la izquierda verdadera, y seguramente, lamentablemente, no pasará del 10%. Pero ha construido nuevos cruces, ha dado cabida a ideas nuevas en su campaña, y creo que ese proyecto tendrá continuidad.

¿Qué esperas de tu visita el próximo 11 del presente y el por qué postergaste la primera en ocasión de la Feria Internacional del Libro?

AZ: Postergué mi visita por una enfermedad que yo creía que era real pero era imaginaria. Bueno, es real, se llama hipocondría. De la visita actual espero conversar con amigos viejos y amigos nuevos y caminar mucho.

(*) Diario y (**) semanario chileno

Dossier de Alejandro Zambra para conocer su obra:

http://www.letras.s5.com/archivozambra.htm

Alejandro Zambra. Poeta y narrador nacido en Santiago de Chile, en 1975. Ha publicado los libros de poesía Bahía Inútil (1998) y Mudanza (2003) y las novelas Bonsái (2006) y La vida privada de los árboles (2007). Su novela Bonsái obtuvo en su país el Premio de la Crítica y el Premio del Consejo Nacional del Libro a la mejor obra narrativa publicada en 2006, y ha sido traducida al francés, italiano, portugués, griego, holandés e inglés.

Estudió en el Instituto Nacional y en la Universidad de Chile.

Ha colaborado con artículos sobre literatura en los periódicos Las Últimas Noticias, The Clinic, El Mercurio y La Tercera, y en revistas como Turia y Letras Libres.

Publicaciones

Bahía Inútil (poesía). Ediciones Stratis, 1998.

Mudanza (poesía). Quid Ediciones, 2003; Ediciones Tácitas, 2008.

Bonsái (novela). Editorial Anagrama, 2006.

La vida privada de los árboles (novela). Editorial Anagrama, 2007.

FABIAN CASAS, UNA BIBLIOGRAFIA URGENTE Y AUSENTE

2009-11-19T13:52:00.001-08:00

David Mamani Cartagena

A Fabián Casas lo conozco por la web, personalmente no. La primera vez que supe de su existencia fue en una entrevista que concedió al blog literario El Cuervo. Me interesaron sus respuestas como su obra, la que nunca leí, carencia infame de todas las librerías de este pueblo. A las semanas llegó a Santa Cruz invitado a la Feria Internacional del Libro del presente año, por gestiones del Centro Simón I. Patiño. Durante la presentación de un ninguneado libro de crónicas de no ficción en el marco del evento literario, Casas estuvo presente entre el público, pasó desapercibido. Estaba sentado al lado de Alvaro Bisama, escritor chileno, otro invitado a la cita. A cuatro metros de distancia y a minutos que concluya el acto, pensaba acercarme a conocerlo. Desistí. Días después estaría dictando una magistral charla en la misma Feria, encuentro al que tampoco pude asistir.

Volví a encontrarme con su palabra, con sus textos. Aquellos que marcaron una obsesión frenética de búsqueda permanente en internet ante la carencia citada.

Aproveché este espacio virtual para entrevistarlo, preguntarle sobre sus diversas facetas (periodista, narrador, ensayista, poeta), conocer su opinión sobre la crítica hacia su obra, inducirlo a publicar sus obras en una editorial nacional, etc.

De 20 preguntas formuladas, Casas se excusó de dos. He aquí la palabra tácita del habitante de Boedo.

¿La frase de Tolstoi "escribe sobre tu aldea y escribirás sobre el mundo entero" podría remitirnos a tu narrativa, a la construcción de ese universo como es tu barrio, Boedo (Buenos Aires)?

FC: Escribo sobre Boedo porque no tengo imaginación para construir la Tierra Media de Tolkien. Siempre trabajo, como Keiser Soze, con el material precario que tengo a mano.

En una entrevista que te hicieron, leí un consejo que te dio un poeta, sobre los escritores, "que es mejor leerlos que conocerlos", ¿te sucedió alguna vez, encontrarte con un lector de tu obra o a vos como lector de otro escritor? Describe ese momento.

FC: Yo soy lector, después, a veces, escritor. Me encontré con muchos escritores que admiro y algunos me han ayudado mucho, como Ricardo Piglia y Quique Fogwill.

Entre tus oficios como ensayista, periodista, poeta, narrador, ¿cuál es el mejor lugar para ejercer la palabra escrita?

FC: No pienso en oficios cuando escribo, ya que me gusta abandonarme para escuchar la voz extraña que es lo contrario de un oficio, es la incertidumbre total.

Comenta sobre tus inicios en la revista 18 Whiskys, ¿cuántos de esos autores siguen escribiendo, podrías citarlos?

FC: Todos siguen escribiendo; Daniel Durand, José Villa, Darío Rojo, Laura Wittner, Sergio Raimondi.

A colación te comento que el número 2 es maldito, en el sentido de las publicaciones. Yo tenía una y apenas llegué a esa cantidad de ediciones. En tu caso fue una coincidencia o ¿qué circunstancias hicieron desaparecer tu revista?

FC: Creo que el paso del tiempo y los conflictos de intereses, las revistas literarias y las parejas, duran casi siempre dos números.

San Lorenzo (equipo de fútbol) es una constante en tu vida, ¿El fútbol supone una ficción en la realidad?

FC: Sí, el fútbol es una ficción en la realidad. Exacto.

José Luis Mangieri hablaba sobre tu obra Tuca, haciendo referencia al dolor, a la pérdida, una generación de la guerra de las Malvinas, ¿coincide con tu percepción? ¿Te consideras un hijo de la guerra?

FC: Soy un hijo de la dictadura militar.

¿A qué edad sentiste “la voz extraña” que llamaba a escribir?

FC: A los once años escribí mi primer relato.

Terranova comentaba sobre la portada de tu libro Los Lemmings, el niño descalzo con la remera a rayas, mirando el Winco (reproductor de música) y el empapelado al fondo. ¿Son fetiches de tu vida?

FC: No, son imágenes que buscó mi mujer para ilustrar el libro y a mí me parecieron muy buenas.

Terranova también cita una cronología como estructura narrativa en los Lemmings, del aula al bar, del potrero al estadio. ¿Cuál es tu percepción?

FC: Los Lemmings es un mapa de una educación sentimental.

¿Se podría considerar a Ocio como tu novela autobiográfica, sobre todo por el cuento "Los veteranos del pánico?

FC: Creo que sí.

En otra entrevista enunciabas tu rechazo a los estereotipos, a la "argentinidad". ¿Constituye un mea culpa a ese chauvinismo fútil que es característico de los argentinos?

FC: No sé qué es característico de los argentinos. No me gusta la idea de país, es algo retrógrado en cualquier parte.

El gordismo, otro tema de tus ensayos, ¿supone un estilo de vida en Argentina, símil del cholulismo, la ídolo - dependencia?

FC: La ídolo dependencia es un karma mundial.

Comenta algo sobre tu faceta de escritor de líricas para PEZ, tu relación con la banda, al margen de tu actividad paralela en la radio con el programa Mal Elemento.

FC: Soy muy amigo de Ariel Minimal y me parece un genio. Con lo cual fue un privilegio escribir con él. Y en Mal Elemento me divertí haciendo radio.

Hablando de música y literatura, ¿quienes figuran entre tus preferidos?

FC: The Who, The Beatles, Spinetta, Vonneghut, Celine, Gustavo Ferreyra, Pedro Mairal.

¿Reconoces alguna influencia de tu obra en las generaciones actuales?

FC: No.

¿Cuándo sale tu próxima obra titulada Titanes del coco?

FC: Tengo un texto largo que va al tuntún. Ojalá lo termine pronto. Pero creo que va para largo.

Finalmente dos preguntas. La primera, ¿estarías interesado en publicar tus obras en una editorial cartonera de Bolivia? La segunda, confirma o desmiente lo que leí en una biopic tuya, que viajaste por Sudamérica, huyendo de tu matrimonio.

FC: Uno: sería un honor. Dos: no es verdad, es una biografía falsa que alguien subió a la web.

PERFIL

Fabián Casas (Buenos Aires, 1965), poeta, narrador, ensayista y periodista, es una de las figuras destacadas de la llamada «generación del '90» en la Argentina. Estudió Filosofía y comenzó a trabajar como periodista en el diario Clarín, a comienzos de los '90. Fue también editor del diario deportivo Olé. Se desempeñó en la revista deportiva El Gráfico y luego pasó a ser subeditor general y editor general del semanario El Federal.

Su carrera literaria se inició también a comienzos de la última década del siglo XX, con la fundación de la revista de poesía 18 Whiskys, junto con otros poetas de su generación, como José Villa, Daniel Durand, Darío Rojo, Ezequiel Alemián, Mario Varela y Eduardo Ainbinder. La publicación editó sólo dos números, pero tuvo amplia repercusión en el ambiente literario de la capital de la Argentina. Para la misma época, publicó "Tuca", su primer poemario, que fue señalado como emblema de una corriente objetivista. Algunos de sus escritos en blogs forman parte de su libro "Ensayos bonsái", junto con textos de mayor aliento. En 1998 participó del Programa Internacional de Escritores de la Ciudad de Iowa, EE.UU. En 2007 recibió en Alemania el Premio Anna Seghers.

Obras

* Otoño, poemas de desintoxicación y tristeza (poesía, 1988)

* Tuca (poesía, 1990)

* El salmón (poesía, 1996)

* Pogo (poesía, 1999)

* Ocio (novela, 2000)

* Bueno, eso es todo (poesía, 2001)

* Oda (poesía, 2003)

* El spleen de Boedo (poesía, 2004)

* Los Lemmings (relatos, 2005)

* Ensayos bonsái (ensayos, 2007)

Fuente: Wikipedia

EJERCICIO CINEMATOGRÁFICO

2009-11-17T05:49:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

Hasta ahora he leído varios comentarios sobre la opera prima de Tomás Bascope: El Ascensor, y quizá el calificativo más acertado sobre su obra sea “un ejercicio cinematográfico”, acuñado por una amiga cinéfila.

Al momento, la euforia de la exhibición como su estreno sigue vigente; y aunque todavía no pude apreciar la película bajo un escepticismo que conservo, decidí entrevistar al joven director quien ya debe estar acostumbrado a responder las siguientes preguntas.

Describe la sinopsis de El Ascensor

TB: Dos asaltantes y su victima quedan atrapados al interior de un ascensor de un edificio empresarial, esto coincide con los feriados de carnaval, por tanto ellos tendrán que aprender a convivir juntos durante los próximos tres días, aparcando sus sesgos y prejuicios para unirse y sobrevivir juntos.

¿Cuánto asciende el costo de la película?

TB: El costo de la película asciende a los 90.000 dólares mas o menos.

¿Cuánto tiempo tomó el rodaje?

TB: La filmación duró 40 días, o mejor dicho noches, porque filmábamos a partir de las cinco de la tarde hasta las tres de la mañana, para aplacar el tema sonoro.

¿Cuál fue el criterio de selección de actores para los personajes?

TB: La selección de actores vino desde la escritura del guión, puesto que me basé en los perfiles de estos tres actores a los cuales ya había observado en distintas ocasiones en el teatro, tuve suerte de tener a mi casting ideal.

¿Cuál es tu método de trabajo a la hora de filmar y cómo lograste un clima dirigiendo a tres actores en un solo lugar?

TB: Mi método viene del teatro, donde es un trabajo más personalizado entre director y actor. El mantener actores en una sola locación al contrario de lo que piensan todos, es mucho más sencillo porque tenes un trato diario, una convivencia y nace el tema de la confianza mutua. Aparte que ensayamos unos tres meses previos a la filmación, para llegar mas seguros al rodaje. El tema del clima se da poco a poco. Además contamos con la ventaja de filmar cronológicamente. Eso les facilitó mucho el trabajo a los actores.

Las notas de prensa indican que utilizaste una metáfora en cuanto al objeto: el ascensor. Comenta el uso de este recurso narrativo.

TB: La metáfora es que el ascensor representa a Bolivia como un país en constantes subidas y bajadas. Además que muchas veces se tranca por problemas estructurales. Los personajes representan distintas clases sociales que viven enfrentadas.

¿Cuáles son tus proyectos a futuro como cineasta?

TB: Por ahora estoy terminando un guión de nombre “Las víctimas” (aunque podría cambiar de titulo) que promete ser mi segunda película. Ya estoy reuniendo a mis actores (esta vez también tengo un elenco ideal en la cabeza). Espero convencerlos de sumarse a este proyecto y luego iniciaré la búsqueda de productor o productora que se haga cargo del proyecto.

FICHA TECNICA:

Guion y Dirección.

Tomas Bascope.

Productor Ejecutivo: Jorge Sierra.

Director de fotografía: Juan Eduardo Serna.

Director de Sonido: Verty Bracamonte.

Directora de Arte: Cindy Rivero

Fotos: Gentileza BolAr Producciones, Tomás Bascope

ECONOMIA DE MERCADO

2009-11-17T04:37:00.000-08:00

David Mamani Cartagena

“Qué culpa tiene el tomate” es un documental de 107 minutos de duración que se estrenó el pasado 6 del presente durante el ciclo “Our Ways”, que impulsa el programa cinematográfico IBERMEDIA, plataforma de desarrollo audiovisual que involucra diversos actores del área, en el afán de exhibir la cultura de Ibero América en EEUU. “Our ways” tuvo como sede el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, infraestructura que contempla albergar dichas obras (en el caso del documental) como un patrimonio histórico.

El filme es la creación conjunta de siete directores del continente hispanoparlante que plantean la realidad desde una perspectiva humana en el contexto del mercado como centro de abastecimiento e interacción de las capitales. Las partes involucradas son: Alejo Hoijman (Argentina), Marcos Loayza (Bolivia), Josué Méndez (Perú), Carolina Navas (Colombia), Paola Vieira (Brasil), Alejandra Szeplaki (Venezuela) y Jorge Coira (España). La edición general corresponde a Alejo Hoijman y puede ser apreciada en diversos idiomas (versiones) originales como el español, portugués, gallego y aymara.

Los productores generales y ejecutivos son Fernanda del Nido (Tic Tac Producciones – España) y Hugo Castro Fau (Lagarto Cine - Argentina). Mención aparte merece la co – participación de los directores y sus respectivos entes que impulsan sus creaciones. En el caso citamos: Marcos Loayza (Pucara Films y Alma Films - Bolivia), Enid Campos (Chullachaki Producciones - Perú), Carolina Barrera (Pato Feo Films - Colombia), Rodrigo Letier (TvZero - Brasil) y Daniel Jerozolimski (Cooperativa Estrella Films - Venezuela).

Conversamos con la parte nacional, con Marcos Loayza, quien hace un rato se consagró como una figura prominente del cine nacional como internacional, y quizá este mérito de exhibir su arte en Nueva York, constituya el pináculo de su carrera.

¿Cómo se dio el proceso de selección de directores para la filmación del documental?

ML: Hugo Castro Fau es quien empezó con el proyecto y en una visita que él tuvo a nuestro país, nos comentó del proyecto. Nosotros nos prendimos inmediatamente de él porque nos pareció un excelente proyecto. Se tardó todo un tiempo en levantarlo y coordinar de todas las cosas en cada país. Aprovechando una coincidencia en La Habana, con la gente de producción terminamos de cuadrar todo.

¿Cómo se inicia el proyecto?

ML: En cada país se empezó a buscar los mejores lugares y personajes para hacer el documental. Nosotros empezamos a buscar y pensar cómo encarar la venta de alimentos en Bolivia. Ahí propuse que nuestro país, más que de un mercado central es un país de ferias, porque para nosotros (los paceños) el mercado más grande que tenemos en el departamento es una feria, la feria de la 16 de julio (El Alto). Sucede que las calles son tomadas por los feriantes, como sucedió con la calle Uyustus (La Paz), y la idea era tratar de reflejar eso, sin querer dar juicios de opinión, ni cargar las tintas o dar miradas parcializadas, sino simplemente acercarse a una manera de ser de las cosas, tener una mirada oblicua para poder apreciar las cosas, que tal vez sea esa la función del cineasta...

¿Hubo una reunión previa entre directores para definir el tema o cada uno trabajó por su cuenta?

ML: Cada uno fue planteando cosas y de ahí se buscaron consensos, la idea era darles plena libertad a cada uno de los directores... que cada uno pueda ejercer de mejor manera su estilo y forma de dirigir y encarar su trabajo.

¿Cuáles fueron las locaciones elegidas en Bolivia?

ML: Trabajamos tratando de seguir un poco la pista a la mercadería, porque acá si bien mucho se habla de que las cosas van del productor directamente al consumidor, hay mas bien muchos intermediarios y parientes que participan en el mercado, los “rescatiris”, así que filmamos en El Alto, en la Cumbre, en el Cementerio, en los mercados Uruguay, Sopocachi, y las ferias de la Zona Sur.

¿Por qué la temática de los mercados?

ML: Porque el mercado es y cumple una única función en cada una de las ciudades, pero cada ciudad tiene sus propias peculiaridades y maneras de entender y ver la vida, y eso se evidencia en todas las actividades. Pero en los en los mercados se evidencia más, porque es una actividad diaria y cotidiana, que está marcada por la manera de ver el mundo de sus habitantes, de su entorno y habitat, de su geografía, de su dieta alimentaria, de sus mecanismos de distribución, de la propiedad de los medios de producción, y de muchos otros elementos más.

¿Cuáles fueron los equipos usados durante la filmación y costo del documental?

ML: Se usaron en general tecnología de última generación, y según la elección de cada una de las productoras. No tenemos hasta ahora los costos finales de producción.

¿Cuánto corresponde la participación en cuanto a co-producción, es decir cuánto aportó cada productora al proyecto?

ML: Según la capacidad de cada productora.

¿Cómo será el proceso de distribución y exhibición del documental? ¿Se exhibirá en Bolivia?

ML: La película sí se estrenará en Bolivia, en un par de meses en todas las ciudades en las que consigamos este fin.

Podría comentar sobre la apertura del ciclo “Our way”en el MOMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde se exhibió el filme.

ML: Prácticamente ese ha sido el estreno mundial de la película, y por suerte tuvo una muy buena acogida con un cierre de aplausos cerrados.

PERFIL DIRECTOR

Marcos Loayza Montoya nació en 1959 en la ciudad de La Paz, Bolivia. Estudió Arquitectura en La Paz y Cine en la Escuela Internacional de Cine y Video de San Antonio de los Baños, Cuba. Fue, además, alumno de Alfredo Bryce Echenique y Jean Claude Carriere.

Empezó su carrera con reconocidos trabajos en vídeo y televisión. Ejerció la docencia en cine y artes plásticas en varias universidades paceñas y dirigió más de 100 spots televisivos, videos institucionales y educativos.

Con su primer largometraje, Cuestión de Fe (1995), logró varios premios, entre los que cabe destacar "Mejor Opera Prima" en el XVII Festival del Nuevo Cine Latinoamericano (La Habana, Cuba); en el Festival de Cine de Cartagena (Colombia); en el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay (Montevideo) y en el IV Our Essence Festival of Latin American Cinema in New England (Providence, Rhode Island, EEUU). Este mismo proyecto consiguió además: el Premio Especial del Jurado. Festival Internacional de Biarritz; Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Inédito de Salamanca; Premio a la Mejor Película Extranjera de la Asociación de Críticos de Cine de Puerto Rico de San Juan Cinemafest 95 (San Juan, Puerto Rico); Premio Especial del Jurado del Festival del Sol (Cusco, Perú) y la Mención Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine Trieste (Italia), entre otros.

Sus siguientes películas: Escrito en el Agua (1997) y El corazón de Jesús (2004), cuentan con un amplio recorrido en festivales internacionales. El 2007 estrena El Estado de las cosas, documental hecho por encargo del Informe del PNUD de ese año.

PERFIL PRODUCTORA

Pucara Films nace en 2003 de la mano de Marcos Loayza y Paola Gosálvez.

Actualmente cuentan con tres proyectos en curso de distinto género: el documental El Estado de las Cosas, la ficción histórico-musical Atau Wallpaj o la ficción de drama social La Casa Marques.
Previamente a la creación de Pucara, parte del equipo implicado formaba parte de Iconoscopio y desde dicha productora produjeron los siguientes largometrajes: Cuestión de Fe (1995), Escrito en el Agua (1997) y El Corazón de Jesús (2004)

Fotos: Gentileza de Marcos Loayza y la página oficial del documental.
http://www.queculpatieneeltomate.com/index.php?idLan=1&sec=pwSinopsis

UN CAFÉ AMARGO

2009-11-14T07:34:00.001-08:00

David Mamani Cartagena

“Mejor perderlos que encontrarlos", así titulaba la revista Rolling Stone en su edición argentina aquellas canciones o discos indeseables para el consumidor. En mi caso como lector la analogía se valida cuando uno lee una novela tan sosa cuyos editores en su contratapa impresa se refieren a ella como de “altísima actualidad, emocionante y bien escrita”. Estos dos últimos apelativos pueden funcionar para complacer las leyes del mercado de la literatura light, sin llegar al nivel de la temática de auto-ayuda claro está.

Anuor Aguilar (Perú), ha publicado bajo el sello La Mancha de la editorial La Hoguera, la novela Café Soledad. El libro fue presentado el día 4 del presente y cayó en mis manos un día después. Al contrario del tiempo que tomo para leer habitualmente un buen libro, este me agarró desde la primera página, más no para leerlo si no para escanear con mis ojos y en breves paradas, una historia de amor cuyo trágico final conlleva a la muerte de una de las partes. Wow !!

Pienso que el riesgo de leer una novela es su extensión. La poesía como el cuento es corta. Antes de terminar aburrido, desistes o pasas de largo la perorata. En Café Soledad, el protagonista (personaje) llamado Juan Carlos Saldaña pareciera que se construye a si mismo desde una crónica periodística, relegando mi interés hacia unos diálogos que se asumen como imprescindibles para considerar el texto una novela. El oficio de Saldaña es el periodismo, coincidentemente. Su historia transcurre en Sucre a fines del 2008, durante las convulsiones sociales que provocaron los muertos de la Calancha a raíz de la redacción de la nueva Carta Magna boliviana. Toda su vida fue corresponsal de noticias durante guerras acaecidas en diversos contextos. Se dedicó al oficio informativo por dos motivos: poder viajar y tocar la guitarra durante sus estancias temporales; y el otro porque estaba enamorado de una periodista, colega de una agencia, una sueca llamada Lirie. Saldaña rememora su pasado sentado en el Café Soledad de la ciudad blanca. Recuerda que conoció a Lirie hace 20 años en otro café de la ciudad de Barcelona, llamado II Café Di Roma. Una mirada furtiva hace posible el reencuentro. Saldaña mira a través de la ventana y observa a Lirie acompañando la suerte de los manifestantes sucrenses. Se pierde en el tumulto. Comienza la trama.

En el café Soledad también se encuentra Jacinto Huanta, mozo que atiende a Saldaña, quien le comenta que tiene varios vástagos alrededor del mundo. Una destacada entre ellos es su hija Juanita quien emigra a España hace 10 años y casualmente aparece en el universo de Saldaña cuando acompañado de sus amigos el Cholo Paucar y Amilcar, comentan sobre ella en el Café Humedad, unos de los primeros lugares itinerantes que el periodista conoce durante su estadía en Barcelona, ciudad testigo de su romance. Sin embargo, Jacinto no sabe que Saldaña conoció a su hija a través de los relatos de sus amigos.

En el afán de encontrar a Lirie, Saldaña sale del Café Soledad a la calle, se enfrenta al peligro con tal de encontrar a su viejo amor. Mientras comienza la peregrinación recurre otra vez al pensamiento y recuerda una breve estadía en Kosovo, ex Yugoslavia. Otros de los reencuentros recurrentes de la pareja; como otro pasaje en una isla de Grecia, donde la sede de la unión es el restaurante Athinaikon. Una vez más el mentado ícono del relato, los cafés, emerge. El café Clarisse de la ciudad de Pristina en Kosovo, se convierte en refugio de Saldaña y Lirie. Hasta aquí decidí exclamar piedad para terminar de leer el entuerto.

Mientras la balcanización sucede, el romance de Saldaña y Lirie se perpetúa en los anales de la ficción del autor. Los últimos capítulos narran en forma cronológica lo que debió haber sido un día de enfrentamientos entre civiles y militares en Sucre, como citamos a principio. En el fuego cruzado, Saldaña encuentra a Lirie, quien fallece en sus brazos víctima de la violencia y la refundación de este país tercermundista. Una vez más dije Wow !!. Fin de historia.

Entre lo más relevante quizá corresponda utilizar una de las citas que Saldaña enuncia al final, para paliar este bodrio literario. “Pasó el tiempo de los comunistas mediocres que buscan conquistar el mundo a base de una ideología totalitaria, armas y prepotencia. Llegó el siglo veintiuno y algunos disfrazaron sus dictaduras de democracia, se pulieron y refinaron. Se dieron cuenta de la existencia de los medios masivos y encontraron la forma de manipularlos, comprendieron el talón de Aquiles de la llamada voluntad popular y supieron utilizar la palanca democrática para torcerla a su antojo: elecciones anticipadas, consultas populares ambiguas, referéndums de todo, por todo y cada fin de semana. Hallaron la llave de una nueva forma de gobernar, amparados por una legalidad de parafina, colocando las siliconas institucionales donde se debía para verse más bonitos en CNN, ante las instituciones regionales y ante sus pares presidenciales con quien salían en las fotografías”.

¿Es un mea culpa hacia el voto popular de los bolivianos en el 2005 o solo el plan de gobierno del partido actual?

Tendré que conformarme con ese minúsculo análisis político que Aguilar escribió, al margen de las diversas elucubraciones idealistas que se entrelazan a lo largo del relato, como citas regaladas y no así sentencias como parte de su narrativa. Ejemplo: “La libertad se siente extraña cuando la obtenemos de un momento a otro, sin luchas ni esfuerzos. Tan extraña como aceptar sin reacciones una opresión incolora, progresiva, anestesiada, desodorizada y disfrazada”.

Ingenuamente pienso que Aguilar tejió este “pliqui” mientras degustaba en algún café o restaurante de la ciudad. Bien por los golosos o comensales que justifican la cuenta del lugar para inspirarse. Ojalá que las musas culinarias se tomen un descanso.