JUEGO DE SEDUCCION

David Mamani Cartagena

La primera versión de “La venus de las pieles” data de 1870, y es una obra original del austriaco Leopold von Sacher-Masoch. La historia narra la relación entre Severin von Kusiemsk y Wanda von Dunajew. Una relación de sumisión y dominio a pedido del propio Severin a Wanda, quien juega el papel de “ama” y su sirviente.

El 2010 se adapta la obra al circuito de Broadway en Nueva York, con un guión escrito por David Ives. Esta versión tiene como personajes a Thomas Novachek, un director de teatro que quiere poner en escena la historia de Severin y Wanda. Wanda Jordan, actríz, acude al casting para la obra, y otra vez se plantea el dominio como un deseo a pedido de Novachek.

Existe también una adaptación argentina para teatro que se estrenó en marzo de 2015 en BUenos Aires, protagonizada por Juan Minujín en el papel de Novachek y Carla Peterson como Wanda Jordan. Pueden ver un trailer de esa versión acá.

Una segunda adaptación llega al cine, dirigida por Roman Polansky, basada en el texto de Ives. Otra vez el texto muta, de la novela al teatro y ahora el cine. Esta adaptación se asemeja a las pieles que usa Wanda en su papel dominante. La piel como fetiche de superioridad y cambio de roles. Una versión más actualizada y oscura que la propia novela de Masoch.

Nota: La banda americana The Velvet Underground tiene una canción original con el mismo título Venus in furs. Esta versión fue usada por Oliver Stone en una escena de su película The Doors. Escuchen la versión de VU.

A partir de la publicación de La venus de las pieles, se asocia el apellido del autor, Masoch, con la palabra masoquismo. Una práctica sexual basada en el placer por el dolor. 

La historia de Masoch fue escrita durante la existencia del imperio Austro Húngaro. La adaptación de Ives transcurre en Nueva York, mientras que la nueva versión de Polansky se desarrolla en París.

Cine Center (Santa Cruz) exhibe Venus in Fur en idioma original francés y subtitulada en español. Horarios: 11:05/ 13:05/ 15:05/ 17:15/ 19:20/ 21:20 Vier-Sab 23:20

LA REDENCION DE BELLOT

David Mamani Cartagena

Ayer pude asistir  a la última función de “Tu me manques” (francés, traducido como Te extraño), obra teatral escrita y dirigida por Rodrigo Bellot (Santa Cruz, Bolivia), también cineasta (Quién mató a la llamita blanca, Unicornio, etc).

El autor confesó días antes del estreno que la puesta fue especialmente escrita para Carlos Valverde, quien comparte el protagónico con Fernando Barbosa. Ambos encaran a dos personajes, un padre de familia (Valverde) y la pareja del hijo del padre (Barbosa).

La escenografía consiste básicamente en un escritorio con una laptop conectada a otra pantalla gigante de fondo. A causa del descubrimiento de los chats que el hijo mantenía con su pareja, el personaje de Valverde interpela a Barbosa vía Skype, discutiendo cada uno del pasado del hijo y la represión interna que éste mantenía por su sexualidad. En la introducción, como en algunos intervalos en la conversación entre el padre y la pareja del hijo, emerge el personaje del hijo en varios actores que lo encarnan. A través de coreografías denotan una multiplicidad de los distintos estados de ánimo del hijo.

Casi desde una posición activista, “Tu me manques” cuestiona a instituciones como la iglesia, la familia y la sociedad machista. A pesar de la era postmodernista que vivimos, donde reina el  individualismo y el encierro con la tecnología; contrariamente la obra destaca también el registro de sentimientos y el diálogo abierto entre seres humanos a pesar de la distancia virtual a través de la empatía.

Foto: Página oficial de Tu me Manques 

REPORTAJE: ARTE ESCENICO CRUCEÑO DEL SIGLO XX - XXI

Santa Cruz, ciudad organizadora de uno de los certámenes más grandes y con proyección de crecimiento del país, como es el Festival Internacional de Teatro y sede de la Escuela Nacional de Teatro, acoge a sus artistas, quienes hacen teatro pero no hablan de teatro.

Surgen interrogantes varias como saber si se puede reconocer un teatro cruceño con identidad dentro y fuera del país, el desarrollo de una dramaturgia local así como la ausencia de grupos cruceños a la hora de participar en festivales de teatro internacionales fuera de Bolivia.

En el caso de un teatro cruceño, es fácil identificar dos grandes corrientes para el teatro cruceño como son las obras de Germán Coimbra Sanz en el marco del llamado costumbrismo y Oscar Barbery, dramaturgo contemporáneo, quien ha retratado con sus obras el desarrollo de la ciudad en los últimos años.

A continuación reproducimos palabras de dos grandes de las tablas cruceñas. René Hohenstein, fundador de Casateatro, compañía de más de 20 años de carrera y el actor Elías Serrano, que cuenta no solo con una vasta trayectoria en teatro sino también en cine.

René Hohenstein responde a esa búsqueda de un teatro cruceño así como el desarrollo de una dramaturgia local. Elías Serrano realiza una cronología del teatro cruceño hasta nuestros días.

RENÉ HOHENSTEIN, DRAMATURGIA CRUCEÑA

Vivimos en proceso siempre. Entonces, hay una dramaturgia en proceso, dejando una transición en teatro costumbrista que se hacía con Vaca Pereira, con obras Coimbra Sanz, que forman una unidad en el tiempo a fines de la década de los ’70. A partir creo que de la mitad de la década de los ’80 empieza a surgir una nueva dramaturgia de autores como Oscar Barbery, Oscar Zambrano, que son los ganadores de los certámenes de obras dramáticas que organizamos como Casateatro desde la Casa de la Cultura. Entonces más las puestas que dan un viraje a lo que era el telón pintado de fondo o elementos del teatro que ya fue superado en otras sociedades y surge creo esta nueva dramaturgia cruceña.

Creo que Laberinto es el punto de giro. Oscar Barbery ganó el primer concurso de teatro con esta obra que la llamó El Portavoz que es como está editada y que el para el montaje se la llevó con el nombre de Laberinto. Creo que ahí hay un viraje notorio hacia lo que podría ser un teatro urbano. Pasamos de los textos costumbristas a los textos urbanos, donde se trata obviamente de jugar con el lenguaje local pero con problemas que atingen ya a la ciudad que está surgiendo. Entonces Laberinto, que agarra el tema de la drogadicción, del narcotráfico y un primer análisis de esa sociedad emergente en Santa Cruz, dan ese importante vuelco al teatro cruceño. Sí en obras como La última fiesta de Oscar Zambrano, que ya desde un punto de vista del oriente analizan la realidad boliviana, partiendo de la revolución del ’52, que comienza en occidente. Entonces lleva un análisis de toda esta época, un análisis histórico y que termina hacia una terrible división de los bolivianos. Yo creo que de alguna manera, Zambrano hace unos 15, 16 años, escribe esto y escribe que este país no solo puede dividirse por occidente o por oriente, sino porque tendemos una tendencia muy fácil a dividirnos. Hay lo instintivo, que es por ejemplo el hincha del equipo, el bloominista, el de Willstermann, el The Strongest, etc. empezamos ya a dividirnos como unidad pero así peleando ese tipo de identidad. Religiosamente, las sectas que van tomando cada vez y van sub-dividiéndose. De una iglesia católica fuerte, empiezan a aparecer grupos evangelistas pero después aparecen las pequeñas sectas, y te encuentras en determinados barrios con iglesias entre comillas, y empiezan a dividirte. Entonces esa fue de alguna manera el análisis de Oscar Zambrano con esta obra que miraba a Bolivia desde el oriente. Luego aparecen textos de Gonzalo de Córdova, Las vísperas de un extraño funeral, que sobre la idea, el texto de García Márquez, traslada ese Macondo a esta Bolivia, y a esta Santa Cruz, que siempre decimos somos muy macondianos. Nuevamente se hace un análisis de la realidad cruceña y boliviana. Finalmente entramos a la cancha, Elías Serrano quien está produciendo regularmente y yo también entro de la necesidad de tener textos nacionales a escribir textos cruceños. En todo caso, aunque no soy cruceño, mi vivencia acá de casi 25 años, me permite mirar las cosas con un ángulo muy especial. Entonces empiezo con obras como De toco a silla, que también analiza la realidad boliviana desde el oriente, El día que cayó Goni y Shirley, Ojo de gata en celo que trataba el problema ecológico, el tema de ambiente en Santa Cruz. Goni es un mirar a qué pasaba en La Paz, desde un barrio cruceño ese 17 de octubre. Creo que básicamente es eso, hay otros textos que sí tenían una línea avanzada que fueron escritos en los ’50, los ’60, el señor Jorge Rosza, que justamente van a ser publicados para la VIII Feria del Libro. El era un buen señor húngaro que vino a Santa Cruz, hizo una actividad muy fuerte y entre otras cosas se dedicó a escribir teatro. Son textos sumamente importantes para el momento en que fueron escritos. Espero ahora que vayan surgiendo nuevos autores. Hay un teatro vallegrandino, que lamentablemente los últimos años y especialmente desde el cierre de la Casa de la Cultura como ente autónomo, van desapareciendo. Había muchos autores vallegrandinos que hacían un teatro costumbrista, pero que era un teatro totalmente reconocido. Venía la gente a ver las obras, pero lamentablemente se ha quedado por ahí. De alguna manera la herencia la tienen este dúo de Los Cumpas, ellos también surgieron de los festivales interprovinciales que organizaba la Casa de la Cultura. Esa es una pérdida muy importante de lo que fue el teatro vallegrandino, de alguna manera habría que recuperarlo.


AUSENCIA DEL TEATRO CRUCEÑO EN EL EXTRANJERO

Hay que partir de las experiencias. La experiencia de Teatro Los Andes es una experiencia totalmente distinta al resto de toda la actividad teatral boliviana. Han sido personas con una formación, con una profesionalización y con una total vocación de decir asumo el teatro como actividad. Cesar que venía de Europa, es decir vino con el proyecto, a duras penas con los pesos que le faltaban para poder empezar el proyecto, construyó sobre esa experiencia europea más el aporte de bolivianos que incorporó al grupo. Creo que es una de las experiencias teatrales totalmente válidas a nivel mundial. Teatro Los Andes tiene un reconocimiento indudable. Ese es un proyecto claro.

Kikin Teatro que reside básicamente en la mano de Diego Aramburo. Diego es otro obsesivo trabajador del teatro que tomó su opción de entrega, pudo hacer los contactos necesarios, ese fue su objetivo y ahí lo tienes. Creo que acaba de volver de Canadá, logró hacer lecturas de textos de él en Canadá y creó, hizo su lenguaje teatral que gusta mucho fuera del país. Yo creo que aquí tiene una difícil lectura, creo que eso de alguna manera lo hace tener un paso delante de gran parte del teatro nacional. Has tocado realmente los dos puntos importantes del teatro nacional: Kikin Teatro y Teatro Los Andes.

Qué pasa en Santa Cruz, qué pasa con gran parte de los elencos bolivianos. Somos teatristas de ocho a diez y media de la noche. Toda la gente que hace teatro hasta este momento, excepto los muchachos de la Escuela Nacional de Teatro, que ese es un proyecto que habría que ver como resulta; es gente que entrega todo su tiempo en el escenario. Algunos por la cantidad de obras y tiempo que están en escena. Personas como Rosendo Paz, Elías Serrano, estamos hablando de profesionales que se han formado, tal vez no en escuelas, pero sí en una intensa labor del escenario. Yo no creo que haya gente que haya hecho más teatro en este país que Rosendo Paz, que Gloria Fernández, las cantidades de funciones, de obras que han estado sobre tablas, pero eso es dos horas y media de trabajo. Es muy difícil vivir de la taquilla. Puedes esporádicamente vivir de la taquilla si haces funciones para colegios, que es una de las cosas más críticas que existen. Tienes la responsabilidad de dar a los chicos obras en las que salgan enamorados de ellas, porque sino estos muchachos jamás van a volver al teatro. Esa es la responsabilidad más grande, hay que tener cuidado con eso. Con Casateatro hemos hecho mucho teatro para colegios, siempre nos ha ido excelentemente bien. Hemos presentado obras que sí encajan de alguna manera en la lectura de los chicos. Ahora estamos haciendo con el Centro Simón I. Patiño, un proyecto de lectura , vamos a hacer las presentaciones de teatro para colegio, con grupos de 70 personas cada vez, con textos de Mier Rivas, textos griegos, rusos, chiquititios, una pequeña muestra de lo que puede ser el teatro y finalmente hacerlos participar a los que se presten a subir al escenario. Es una cuestión didáctica, divertida y de mucho cuidado. Esas son las funciones de teatro que nos pueden permitir dentro de 5, 10 años tener público o no tenerlo.

ELIAS SERRANO: APUNTES DE UN TEATRO CRUCEÑO CON HISTORIA

Es poco lo que se conoce del teatro en Santa Cruz estos últimos cuatrocientos años. Esto nos hace reducirnos a la información que tenemos a partir de principios del siglo pasado.

La primera referencia, según Mario T. Soria en su libro “Teatro Boliviano en el Siglo XX”, nos lleva a 1909 cuando Emilio Finot ganó el primer premio teatral en el concurso en homenaje al primer centenario de la revolución chuquisaqueña con su obra LA REVOLUCION DE 1809 EN CHUQUISACA. Este premio lo alentó a que dedicara más tiempo al teatro. Llegó a estrenar cinco obras más. Casi todas de temas patrióticos: 25 de mayo, El Falso Brillo, Ana Barba, Las Apariencias Engañan, El Cobarde.

Emilio Finot nació en Santa Cruz en 1882 y murió en 1914 a la edad de 32 años.

En 1909 viajó a La Paz Romualdo Romero para estrenar su monólogo dramático PATRIA LIBRE.

El crítico y miembro de la Academia de la Lengua, Julio de la Vega (Nacido en Vallegrande) estrenó en 1973 su obra “El Sacrificio” que pertenece al teatro de vanguardia y existencia.

Germán Coimbra Sanz publica en 1974 “Diego de Mendoza”. Fue estrenada en 1973. Es un drama histórico en cinco actos y relata las hazañas del rebelde de la vieja Santa Cruz. Otras obras de carácter ligero y humorista son: LA VIUDITA, EL BIBOSI, LA MONJA SIRACUSA yel sainete costumbrista CAMBAS PATAZAS.

Raúl Vaca Pereira con su obra LA MOLIENDA toca el tema de los campesinos frente al dominio de los azucareros. Otras obras: EL BURI y AL SON DE LA TAMBORA.

Jorge Rozsa, húngaro de nacimiento, vivió en Bolivia de temprana edad. Es más conocido como pintor que como autor teatral. Su obra principal HAMBRE, tiene influencia de Pirandello y su tema central es el hambre causada por un desastre atómico y lucha entre los ocho sobrevivientes. Escribió otras dos obras más, no publicadas, EL ZAPATO CONGELADO Y TRASPLANTE DE CEREBROS.
Ramón Clouzet publicò en 1961, Teatro y narraciones donde incluye 12 comedias, 7 monòlogos, 3 sainetes y dos parodias.Algunas: El parroquiano de Mairana, la madre postiza, tomando el fresco, Al Chaco, compañeros, y otros.

Enrique Alfonso, este español que llego a Santa Cruz a los 9 años, nació a la vida teatral con el TEU y posteriormente fundó ACRA. Escribió y estrenó con marcado éxito comercial varias obras utilizando la temática de las tradiciones locales y dentro de lo que se ha dado en llamar “costumbrismo”. Entre las principales obras publicadas están: VIAJE HACIA EL SILENCIO, EL MOJON CON CARA, UN DOMINGO EN EL PIRAI, EL CARRETÓN DE LA OTRA VIDA, CUANDO CANTA EL GUAJOJÓ, CAMBAS EN APUROS, VIERNES DE SOLTERO, PUEBLO CHICO INFIERNO GRANDE, CAÑOTO, TAPERAS DE MI PUEBLO, EL DUENDE, AÑORANZAS CRUCEÑAS y LA VIRGEN DE LA SIETE CALLES.

Oscar Barbery Suárez publicó en 1988 EL PORTAVOZ, que Casateatro estrenó ese mismo año con el título de Laberinto. TU NOMBRE EN PALO ESCRITO (1992), AY CHAVELA. Sabemos que se están ensayando dos nuevas obras suyas. Una que aglutina cuatro monólogos bajo el título de LETRA ABIERTA y O SEA QUE, próxima a presentarse por Casateatro.

René Hohestein en 1997, estrenó su propia obra DE TOCO A SILLA. Otras obras: COMO OJO DE GATA EN CELO, EL DIA QUE CAYO GONY Y SHIRLEY , GRINGOS BANDOLEROS Y AIRE.

Gonzalo de Córdoba, argentino, con tres décadas de residencia en Santa Cruz, también actor y director de teatro, ha escrito obras como HUELGA DE AMOR DE UN HOMBRE DESESPERADO (1996) LAS VISPERAS DE UN EXTRAÑO FUNERAL (que alcanzó la 120 representaciones), JUSTO BAZAN, HACEDOR DE SUEÑOS Y EL CARTERO DE LA SELVA

Miguel Molina publicó LAS ROSAS CAEN DEL CIELO (2004).

Nuestro prolífico amigo, Adolfo Mier Rivas, que es libretista de Chaplin Show, tiene escritas 105 obras entre dramas, comedias, monólogos y teatro para niños. Entre las más conocidas están SANTA VERA CRUZ TATALA, SEBASTIANA, RUTUCHI, EL CHIQUI DE MI BARRIO, EL MON MAN, y CARRITO DE MANO.

Nando Chávez, si bien no ha publicado, sabemos que ha representado más de 60 comedias de su autoría. Ha recorrido y puesto en escena en todos los pueblos del Oriente Boliviano. Sus obras son de tinte humorista, costumbrista y popular.

Finalmente, Pastor Aguilar, nacido en 1918, en Vallegrande, ha escrito obras como: La Médica (comedia, La Comisión y No pleitearás.

VI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE SANTA CRUZ [SEGUNDA PARTE]

LABAUCE TEATRO / ARGENTINA

"La obra se llama La noche de los extraviados y está dividida en dos partes. La primera es como un set de televisión, hay tres mujeres que se están vistiendo y se están preparando para armar un programa de cocina, un noticiero y una telenovela. La segunda parte, como si fuera un espectáculo en vivo donde hay una feria de talentos y el público elige que talento quiere ver. Al mismo tiempo que se va presentando el espectáculo teatral, trabaja con una cámara. La cámara filma y va proyectando en la pantalla.

"El festival es importante, sobre todo el intercambio de los otros grupos. Yo creo que es muy interesante ver las actuaciones, saber qué pensamos sobre los otros, qué piensan ellos sobre nosotros e intercambiar las miradas culturales. Creo que es lo más interesante. No solo sobre los espectáculos concretos sino sobre el hacer teatral, lo qué es hacer teatro para cada uno, en qué condiciones, resultados que se ven o que no se ven".


GRRR / SUSANA LASTRETO / FRANCIA

"Noche de verano lejos de los andes", tiene que ver algo desde el punto de vista del ensueño, de un mundo paralelo, de una reflexión sobre el teatro. Es un personaje que en una noche de verano, lejos de su país de origen, habla de lo que ha sido su vida y de lo qué es su vida en el extranjero. Cómo uno se adapta, lo reciben bien o mal en esos países. Los Andes es como una metáfora, pudo haber sido cualquier otro lugar del mundo, el Himalaya, etc. Es como una frontera mítica porque también en el contexto de Francia, decir los Andes es como muy lejos, muy exótico, es una frontera entre dos mundos pero metafórica. La obra es un monólogo, el texto soy yo. Es un monólogo agridulce porque ninguna se ríe mucho pero en el fondo lo que se cuenta es bastante desesperado. Es una reflexión sobre la pérdida, la muerte, sobre las cosas que pasan y el tiempo, lo que se ha podido hacer o no, lo que se sigue soñando o no, la esperanza que se pierde, etc. Pero de una manera muy cómica, lo primero es que se haga ligeramente esa reflexión y que se pueda reír mucho. Musical porque hay un bandoneón. Mi compañera es una de las pocas bandoneonistas francesas. Nosotros trabajamos hace mucho tiempo y el espectáculo tiene unas puntuaciones musicales, más que unas puntuaciones, la manera cómo el texto y la música se inter penetran.

En algunas escenas hay una conversación entre el personaje que ella representa (colega de trabajo), que en algún momento es un gato, un monólogo que tiene como palabras solamente la música. En otros momentos es un músico con el que el personaje de la obra conversa y ella no habla, pero su manera de hablar es el bandoneón".

JENNIFER MULLER / THE WORKS / EEUU

"The Works es un conjunto de coreografías que conjugan la energía, el sentimiento y la belleza de los movimientos corporales de los bailarines. La obra en su conjunto está dividido en cuatro cuadros: Isla, Flores, Himno para ella y Momento".

ISLA

"Está inspirada en la obra fotográfica de Roberto Dutesco. El señor Dutesco creó inolvidables imágenes de caballos en la isla de Sable (Nueva Escocia, Canadá). Caballos que han existido sin la intervención o interferencia del hombre desde su llegada a la isla. Inspirada en el movimiento físico, la interacción social y las imágenes de estos caballos salvajes y lo que ellos representan como un raro fenómeno natural, la pieza es una alabanza al espíritu libre y sin trabas. Esta atmósfera de abandono contrasta con la realidad de la isla de estar atrapada dentro de un reducido y proscrito espacio. La pieza comienza con solitario padrillo al que muy pronto se le une una manada de caballos. A medida que la danza progresa, las imágenes de caballos se transforman en una interacción humana simbólica, caracterizada por la pasión, anhelo y deseo de ser libre".

MOMENTO

Es un jugueteo así como también una investigación de energía, ímpetu y tenacidad, elementos necesarios para crear un movimiento hacia delante y un momento en la vida. Concebido como una obra de movimiento enérgico y propulsivo celebrando el 30mo. Aniversario de la compañía, Momento rinde tributo a la energía y perseverancia que se requiere para mantener una compañía en funcionamiento por tres décadas. La pieza reconoce a la ciudad de Nueva York como el hogar de The Works, incorporando a la danza elementos del hip hop dentro del vocabulario del movimiento. La pieza sigue la pista de las acciones de un hombre mientras él progresa de la inexperiencia y el agotamiento a la experiencia y el liderazgo".

HIMNO PARA ELLA

"Es la historia de una mujer desgarrada por pena. Para superar su ansiedad y angustia, ella imagina la presencia de una influencia tranquila y compasiva. La presencia puede ser interpretada como un amor que ya partió, un ángel o simplemente el recuerdo de tiempos más felices. Cuando la cortina se abre, la presencia es descubierta posada en un trapecio flotante sobre la mujer. A medida que la pieza progresa, la presencia desciende para consolar a la mujer y animarla a superar su pérdida".

FLORES

"Se realiza en colaboración con la célebre fotógrafa Barbara Bordnick. De naturaleza impresionista, la danza hace eco del modo divergente de las imágenes de flores de la señora Bordnick. La pieza está basada secuencialemente en el concepto chino de las cinco estaciones que constituyen el año, último verano, otoño, invierno, primavera y verano, y está caracterizada por el color y el sistema chino de cada estación. La danza captura el espíritu del trabajo de Bordnick cuando las flores representadas alternadamente se convierten en símbolos de crecimiento, delicadeza, sensualidad, decadencia y belleza efímera".

EL ALTO TEATRO / FREDDY CHIPANA / BOLIVIA

"Cuéntame Abuelo es la historia de un viejito que nos cuenta del imperio de los aves y la llegada del hombre. Entonces a partir de una profecía se empieza a contar la historia. Cuando llega este visitante, todos se ponen en conflicto y esperan que este conflicto lo resuelva el hombre. Pasa un montón de cosas, pero en el fondo se habla de la ambición, de la lealtad, del poder, de la ingenuidad. En este espectáculo casualmente aparece Bolivia. Muchas veces se reconoce Bolivia dentro. Entonces te vas riendo del espectáculo y a la vez te vas riendo de tu tragedia como boliviano, lo que muestra. Vemos que es el hombre el que puede cambiar, pero qué pasa, lo cambia o no? Es un espectáculo para todo público, es muy colorido por las máscaras, los zancos, etc".

"Siempre me encantó este Festival. Hay un detalle que no hay en los otros festivales y que reniego siempre de eso. He hablado con varios de los directores. Cuando tu haces una obra, este testimonio de tu trabajo, como director o actor de teatro. Pero el teatro existe en esas relaciones entre protagonista y antagonista, público y actor, y lo que estás contando en esencia. Entonces aquí las salas siempre están llenas, en otros festivales no pasa lo mismo. Dicen que aquí hay más dinero, no sé si será eso, de repente un poco más de cariño. Hay un movimiento, genera cosas, se va a los pueblitos. Estoy muy contento de participar, de volver a Santa Cruz. Es una puerta también para otros festivales. Lo que a mí me daría pena es que sea un festival grande y el público no asista. No vale la pena un festival solo de actores, es un encuentro de artistas y nada más. Ahí ya no me interesa mucho. Si yo tengo una obra me interesa que todos la vean. Eso hablamos con Marcelo Halcón, con la señora Paula, para poder presentar nuestro espectáculo en los pueblitos. Lo único es que muchos de los directores no van a poder ver el espectáculo".


LACANDONA O CUANDO LAS ESTRELLAS CAEN / GABRIELA HUESCA / ARTURO MARUENDA / MEXICO

GH: "El grupo como tal no tiene un nombre como compañía. Nos hemos constituido para realizar varios trabajos pero cada quien desde su ámbito y desde su trayectoria. Venimos presentando la obra Lacandona o cuando las estrellas caen.

Es una obra que está inspirada en la selva Lacandona de Chiapas, en México. Une diversos aspectos, es una obra sobre todo poética que junto a un mito y una experiencia que tuvimos en la selva-y selva significa como ecosistema-y diferentes aspectos, aventuras que suceden, que pueden suceder en la selva, eso juntado con un mito maya lacandón. Se trata de saber por qué las estrellas están desapareciendo del cielo".

AM: "Yo creo que los festivales tienen su parte rica, noble. Te permite no solo tener un intercambio con el público, sino también con los organizadores del propio festival y con artistas con los que logras coincidir los días de tu estadía".

GH: "Las expectativas son como cada vez que llegamos a un público, para nosotros es muy interesante presentarnos en otros países y llevar este pedacito de México y además también ver obras de otros países y de otras compañías".

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA / MYRIAM REÁTEGUI / PERU

"Estamos aquí por la obra Don Quijote de la Mancha. Es un espectáculo especialmente dirigido con técnicas medievales, teatrales, para espacios abiertos, calles, plazas, mercados, donde sea se puede presentar el espectáculo. Está dirigido de tal manera en que el público se acomode y nosotros los actores, tal como se hacía antes, los actores llevaban todas sus cosas, desarmaban todo y se iban, esa es la idea de Don Quijote y así es como está concebida. Todos los actores son gente que tiene experiencia en trabajo, profesionales. Esta obra ya la tenemos dos años puesta, es una obra que está hecha con mucho ingenio. Hemos tomado 11 escenas de las aventuras de Don Quijote, se desarrolla durante una hora y cinco minutos. Tenemos incluido dentro del montaje a un músico que es profesional, Rodrigo que trabaja en el grupo y en general Don Quijote de la Mancha es un texto tan bello y está hecho en castellano antiguo, tal como está en el libro, esa es la característica.

La obra ha sido presentada durante el 2005 en 50 distritos de la ciudad de Lima, Perú, en todo tipo de espacios. Hemos continuado presentado en instituciones, colegios. Ahora cuando regresemos, vamos a hacer una temporada en parques, es una obra que va por todo lado. La obra ya debe tener unas 120 funciones, quizá un poco más".

"Es la primera vez que visitamos Bolivia como grupo. Primera vez que participamos en este Festival, me parece muy interesante. La gente aquí muy receptiva, muy linda".

VI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE SANTA CRUZ

Cinco días desde el inicio de la fiesta escénica más importante de la ciudad. Santa Cruz vive el VI Festival Internacional de Teatro. La cita empezó el pasado 19 del presente a horas 20:00, con la presentación del grupo de la Escuela Nacional de Teatro con la obra El matriqui del opa en la Manzana Uno. Esa misma noche, horas más tarde, el grupo brasileño Mawaca, elevaba un canto universal del mundo entero.

El festival continuará los próximos días, con las respectivas funciones en el radio urbano de la ciudad así como las 15 provincias del departamento. Cabe destacar la participación de 17 países, 39 grupos teatrales, 44 obras y 106 funciones. Entre los países seleccionados a la competencia figuran Argentina, Alemana, Brasil, Bolivia, Chile, Francia, España, Ecuador, Estados Unidos, Italia, Holanda, Japón, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela.

Los elencos nacionales que participan del festival realizarán presentaciones gratuitas en los diversos escenarios programados para este propósito. Los costos para presenciar las puestas en escena de los grupos extranjeros fluctúan entre los 30 y 50 bolivianos.

El festival concluirá el próximo 29 de abril y queda reconocer la ponderable labor de la Asociación Pro Arte y Cultura, dirigida por Marcelo Araúz, quienes junto al apoyo de instituciones y empresas públicas y privadas, hacen posible este regalo para la ciudad de los anillos.

A continuación ofrecemos una selección de los elencos nacionales y extranjeros que participan estos días del festival, quienes comentan sobre sus obras a presentar así como sus expectativas durante su estadía en Bolivia.

KIKIN TEATRO [BOLIVIA]

Kikin Teatro. De izq. a der. Daniel Larrazábal y Diego Aramburo

DA: "La obra que presentamos se llama Crudo. Se trata de un policial psicológico, que tienes muchos elementos de comedia. Toma elementos del teatro popular boliviano mezclados con cuestiones cinematográficas y dramatúrgicas contemporáneas, técnicas de escritura actuales. Trata la historia de los cogoteros, los hemos tenido en Bolivia por todas partes, estos asesinatos a taxistas. Particularmente en Cochabamba se dio en un momento en que tu cuando te subías a un taxi no sabías si el taxista era en realidad alguien que había asesinado a un taxista, es decir un asesino que podía robarte o matarte, o si es que era un taxista que podría ser víctima de un asesinato en la noche. No sabías si tenerle miedo, pena, cuál era la relación con el taxista. A partir de esto, surge la historia de una banda muy particular, de un tipo que hace matar a sus propios taxistas para amedrentar al medio, a los transportistas y así llegar a ser el jefe del gremio. Sobre esta base, empieza a surgir una historia, una trama, de amor, de traición, en la que uno que trabaja para él se ingenia un plan para asesinarlo y él quedarse con la banda. Pero todo este tiene una segunda capa de lectura porque en realidad todo está sucediendo en la mente de una chica, una niña, que es la que distribuye las llamadas, la centralista de este servicio de radio taxis. Ella se imagina ser una mujer en relación a los taxistas, no le gusta como se imagina entonces va intentar de nuevo re armar su imaginación, su historia que ha creado y ahí, en esta variación, no sabemos si le va a ir mejor o peor".


ESCUELA NACIONAL DE TEATRO [BOLIVIA]

Marcos Malavia, director general de la Escuela Nacional de Teatro

MM: "Hay dos obras, está primero El Matriqui del Opa, que es un espectáculo de calle, es más visual, más movimiento y después está el espectáculo que ha sido ya actuado varias veces, La Tierra de Nadie, es una obra con la cual la Escuela ha ganado el Premio Meter Travesí, y que esperamos llevarlo más allá de las fronteras de Bolivia, a pesar de que son muy numerosos los actores".

"Yo pienso que lo más importante de este festival es el crecimiento que tiene y la atención que ha dado a las provincias. Una cosa que yo encuentro extraordinario, las provincias se benefician con un teatro de calidad, de importancia porque lo que yo aconsejé cuando me preguntaron, pensé que era una muy buena idea de llevar a las provincias teatro de calidad y ahora nosotros mismos, la Escuela, estamos desarrollando también un trabajo en las provincias. Alumnos nuestros están yendo allá a enseñar y a crear grupos de teatro. Pienso que eso una muy buena cosa".

MAKU JARRAJ [ARGENTINA]

MJ: "Rimbombam es un espectáculo mudo, basado en la acción física, gestual y la comunicación con el público de una manera cómica, directa y fresca también. Las excusas para estar en escena son malabares y equilibrios excéntricos. Lo que va a ver la gente es una payasa, jugando con la gente, divirtiéndolos, haciéndolos reír y provocándoles sentimientos simples y profundos a la vez. La gente va a entrar a un mundo disparatado.

El artista de calle tiene un espectáculo y no cambia de espectáculo, cambia de público. A medida que van pasando los años, lo que hace el artista de calle es ir puliendo esos números y teniendo más números y en su valija tiene muchos números, y ahí, según lo que va pasando, donde está, nunca lo deja, siempre está la valija para sacarlos cuando sea el momento. Este espectáculo lo viendo haciendo desde que tengo 16, hace nueve años que trabajo en la calle sola. Si yo veo la primera vez que me presenté en una plaza de mi barrio y ahora en Bolivia, la esencia sigue estando pero cambió mucho, sigue el mismo espectáculo pero el formato es el mismo. El espectáculo de calle de las personas que trabajan solas es una especia de showman. Es una persona que tiene muchos números y que sabe malabares, sabe tocar música, generalmente está relacionado con el circo, humor inevitablemente porque quiere reírse y no llorar".

"Primera vez que estoy aquí, estoy muy feliz de participar de este evento tan importante para Bolivia. Es maravilloso que los chicos crezcan viendo estos espectáculos, vinieron muchas compañías de 18 países distintos".

A TEMPO DANZA [BOLIVIA]

A Tempo Danza. De izq. a der. Patricia Sejas y Ana Cecilia Moreno

PS: "Vientre mineral es una obra que trata de la vida y realidades de los mineros en Boliviano, del altiplano del país. Vamos a ver lo que es la mina interior, la mina exterior, con todo lo que puede involucrar partes simbólicas, mucha mitología de la mina, la parte real de los mineros. Hemos tratado de ver una parte más o menos redonda de lo que es la mina".

ACM: "La obra es un trabajo colectivo, es un trabajo de investigación, de interpretación de la magia de la mina, de la parte mística y también de la parte dura del trabajo. Relata la historia del minero y los mineros, los sucesos interior y exterior de la obra".

ACM: "A mí me parece un despliegue muy grande, muy motivador para el arte, para la gente que hace arte ya sea en Santa Cruz, en Cochabamba, en Bolivia, se siente motivado, le da ganas de entrar en la producción escénica, de crecer, de esmerarse más por su arte y de compartirlo también. Por otro lado estos espacios son importantes también para fortificar, crear crítica, reflexión. Es importante que empecemos a comunicarnos".


NANNY COGORNO [ARGENTINA]

"Mi espectáculo se llama Baboo Coraje en busca del espectáculo perfecto. Es un espectáculo perfecto, en este mundo perfecto, en este festival perfecto. Es un espectáculo de circo, 100 % de humor, para todo tipo de público, va haber sorpresas, sorteos, premios, sorteamos un cero kilómetros, es más, las plazas donde trabajo las están refrigerando para que sea más fácil trabajar. Estoy aquí por segunda vez, estuve el 2003 con otro espectáculo y hoy aquí repitiendo en Santa Cruz de la Sierra, viajando por todo el interior".

"Santa Cruz ya la tengo en el corazón, siempre me han tratado muy bien. Este año con mucha expectativa de ir al interior para conocer un poco más, creo que todo va estar muy bien. La organización del festival impecable, cada vez mejor, así que da mucho gusto venir".

LOS MACOCOS [ARGENTINA]

De izq. a der. Gabriel Wolf y Javier Rama, Los Macocos leyendo Reciclarte

JR: "Vamos a presentar La Fabulosa Historia de los Inolvidables Marrapodi, que cuenta la historia de una familia de artistas a través de 300 años. Una familia que llega al río de la Plata, a América, buscando qué comer empiezan a hacer teatro y sin darse cuenta van descubriendo e inventando los géneros del teatro popular, que en este caso es el teatro popular rioplatense. Es decir, del clásico español, van a la zarzuela, al gauchesco, al zainete, para terminar en lo que sería la revista porteña donde describimos el espectáculo.

Esta obra se estrenó en el Teatro San Martín, el teatro oficial de la ciudad de Buenos Aires, en 1998. Estuvimos prácticamente en todos los teatros del complejo teatral de Buenos Aires, hicimos varias temporadas. La presentamos en el Festival del MERCOSUR en Uruguay, en el Festival GREC en Barcelona y el 2002 en Americartes, es un Festival en Washington DC. Además giramos en un sistemas de festivales por toda la Argentina con este espectáculo".

GW: "La obra es de humor. Es una anécdota muy simple, más allá que los Marrapodi han pasado por todos los géneros del teatro, es la historia de un padre viudo y su hija que se quiere casar, y los pretendientes uno rico y uno pobre, va pasando esa misma historia a través de todos los géneros, las ropas, los modismos de cada época".

JR: "Es la primera vez que venimos como grupo. Yo con uno de los actores, Daniel Casablanca, vinimos con otro espectáculo llamado Tempestad en el año 2003, en la anterior versión. Sabemos que el público es muy cálido por la experiencia que tuvimos con el otro espectáculo. Básicamente es enriquecernos, lo que dice de multiplicar las miradas, compartir con otros teatristas del mundo otra mirada, es una experiencia enriquecedora, mejora el lenguaje propio y el de nosotros".

LA GRACIA [CHILE]

Paulina García, directora de La Gracia

PG: "Estamos presentando Anhelo del Corazón, es de una autora inglesa que se llama Caryl Churchill. Esta es una obra que arrancó en un Festival de Dramaturgia europea contemporánea que se hace en Santiago en el mes de agosto el año 2000. Estuvimos hace tres años en el mismo, de ese festival el Instituto Chileno Británico financió el montaje, nos fue muy bien, tuvo muy buena crítica.

Esta es nuestra segunda gira internacional, hemos estado en Puerto Alegre, Brasil y en Chile hicimos una gira en el interior del país mediante un fondo de desarrollo a las artes y antes habíamos hecho tres temporadas Santiago en salas, y bueno esperamos que nos vaya bien como nos ha hasta ahora. El público nos ha recibido muy bien".

MONDACCA TEATRO [BOLIVIA]

David Mondacca, director de Mondacca Teatro

DM: "Somos como 15 en elenco, un grupo numeroso. Hemos venido con dos obras, el Gato con botas, que es una obra para todo público. Luego tenemos Los Cuartos, que es una obra para público adulto. También hay como 14 y 15 personajes, actores, casi es el mismo grupo.

Los cuartos es una obra de don Jaime Saenz basada en el mismo nombre. Los cuartos parte de una trilogía sobre el universo de don Jaime Saenz. La primera obra era No le digas, después Saqueo de Machaca y esta es la tercera, con esta obra se cierra ese ciclo de Jaime Saenz que hemos iniciado. Yo dispongo de un elenco numeroso y gente de reconocida trayectoria en el teatro boliviano".

"Hemos participado desde el primer Festival y hemos estado en todas las versiones. Somos testigos de cómo ha ido tomando cuerpo, tomando vuelo y ahora sabemos que es uno de los festivales más importantes de Latino América. El apoyo del público es decisivo y la gente de Santa Cruz ama el teatro, eso es evidente. Para nosotros es un honor, es un privilegio volver al Festival de Santa Cruz. Además nos permite crear redes, propiciar encuentros y estar al tanto de lo que está pasando en la escena mundial, ya que es una vitrina de todo el acontecimiento teatral en el mundo".

EL NUDO COMPAÑÍA TEATRAL [ARGENTINA]

Andrés Sahade, representante de El Nudo

"Vamos a presentar dos obras: El señor Nicodemo y Un tigre en el gallinero. Un tigre en el gallinero que se presentará en el Hogar Don Bosco y mañana en la AECI. Es una obra para niños pequeños, narra la vida de una granja o un gallinero que es interrumpida por la llegada de Quique que es un cachorro de tigre y bueno, todos los acontecimientos disparatados que ocurren en ese encuentro. Es una obra que habla sobre la identidad, sobre la pertenencia a un lugar, sobre el encuentro con el otro, distinto a mí. Las técnicas que usamos son títeres de boca, con música, muy colorida, muchas canciones, muy divertida, la idea es que la pasen bien los niños pequeños pero también sus padres, que no se aburran. La directora de la obra es Nelly Scarpitto y la escribió Mariana Trajtenberg.

En cuanto a la obra El Señor Nicodemo, es una obra de títeres para adultos. Es una obra donde conviven actores, títeres objetos, es una comedia disparatada, que narra la vida del Señor Nicodemo. Es un señor que tiene afición por los cohetes y problemas por las mujeres. Nicodemo nació para la carrera espacial y como que ansía ser astronauta, llegar a las estrellas y ahí se va viendo las dificultades que tiene para relacionarse con las mujeres, tanto de su familia como las posibles novias. Es muy divertida. A nivel estructura es una trama muy simple, que se cuenta con flashbacks, recuerdos que tiene Nicodemo de la infancia, del colegio, de sus novias, de su experiencia en el circo y como todo recuerdo, siempre está distorsionado. Uno realza determinados aspectos del recuerdo y borra otros, y los títeres es el recurso perfecto para poder contar esto desde la óptica del Nicodemo niño, Nicodemo joven. En la actualidad, el señor Nicodemo tiene 50 años, se cuenta todo esto. Entonces utilizamos en cada episodio de su vida, una técnica de títeres diferentes, utilizamos teatro de objetos, títeres de guante, títeres de sombra, de manipulación directa, teatro negro, hasta un corto de animación cuadro a cuadro.

Es la primera vez que venimos a Bolivia, esperamos que les guste y que la pasen bien. El Festival nos ha tratado excelente, maravillosamente organizado. Estamos muy contentos de estar acá".

CESAR BRIE EN SANTA CRUZ

Cesar Brie estuvo el fin de semana de paso por Santa Cruz, invitado por el Centro Simón I. Patiño a dictar un taller de Acercamiento a la Dramaturgia. Conversar con el artista que cambió el arte escénico en Bolivia fue definitivamente un privilegio. Un artista que hasta hace unos años declaraba: “Cuando llegué a Bolivia, hace diez años, creí que podría cambiar un montón de cosas. Hoy sé que no, que en todo caso contribuí a abrir puertas. Eso, creo, me lo reconocen”.

En un país donde las personas que producen arte y llevan el nombre del mismo al exterior, la indiferencia es moneda de todos los días. Teatro Los Andes, compañía fundada hace 16 años confirmará en su llegada al VI Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz, que su obra sigue vigente y que Cesar Brie es piedra fundamental de una nueva forma de hacer teatro en Bolivia.

Llegó a Bolivia en 1991. ¿Cómo podría resumir su experiencia al fundar Teatro Los Andes hace 16 años?

Estoy muy contento de estos 16 años. Creo que propusimos en un momento en que fundamos el teatro, demostrar que era posible crear un teatro y sostenerlo, viviendo de los recursos que el teatro generaba. Hemos logrado que esta forma de trabajo de modo organizativo digamos, se extendiera. Por alguna razón somos los únicos que logramos vivir de este modo. Porque el teatro en Bolivia ha cambiado, ha mejorado mucho. Hay otras personas que viven del teatro en campos algo diferentes al nuestro. Lo hacen con mucho coraje, dignidad. La gente de teatro popular por un lado y por otro lado el teatro de cabaret, llamémoslo así. El café teatro de algún modo, no reducido al café, sino un teatro masivo como es el Chaplin Show, Tra La La. Un teatro con un grado de actualidades. Ese teatro sobrevive con su trabajo. Me gustaría que vivieran también de su trabajo todos los demás teatros. Parte de su sustento tendría que estar a cargo de las autoridades, las universidades. Se debería entender que el teatro es pan para el espíritu. Entonces las alcaldías deberían dar espacios, crear teatros, crear espacios donde grupos de personas puedan formarse. Lo malo es que no hay, si no es por iniciativas muy valiosas, privadas generalmente, tiene que haber alguien que haga esto.

Santa Cruz es un lugar especial, aquí hay una Escuela de Teatro, está APAC (Asociación Pro Arte & Cultura), está René Hohenstein que con Casateatro ha hecho muchísimo, está la Casa de la Cultura en los barrios, donde algunos grupos de teatro existen. Esas realidades hay en Santa Cruz. Está Carlos Ureña, gran artista. Hay mucha colaboración entre los artistas. Por suerte aquí no ha picado tanto el mal que aqueja normalmente a la gente de teatro que es el recelo, la rencilla, la envidia. La gente es bastante solidaria en Santa Cruz.

Hablar de teatro boliviano a nivel internacional, es hablar de Teatro Los Andes. ¿Considera una influencia o quizá paradigma la existencia de Teatro Los Andes para Bolivia?

Eso yo no lo puedo decir, eso lo tienen que decir los demás. En realidad ir al exterior es nuestra fortuna y por otro lado es nuestra cruz. O sea, por un lado significa un reconocimiento, viajamos por todo el mundo y llevamos alto el nombre de Bolivia y el teatro boliviano, eso es objetivo. Por otro lado es una carencia, estamos afuera no estamos aquí. La verdad de esto es que si no tuviéramos estas invitaciones, esta fama que nos hemos hecho afuera, sería más difícil sobrevivir en el país. No debería ser así. A veces queremos viajar al exterior no solo porque nos invitan sino también porque queremos ir, debemos ir para poder generar los recursos. Como somos una organización sin fines de lucro, lo que hacemos es trabajar.

Realizando una retrospectiva ¿La denuncia política, es una característica fundamental en Teatro Los Andes?

No. Yo soy un ser político, me intereso mucho por el destino de este país. Considero mi segunda casa a Bolivia. Es mi casa hoy en día, no mi segunda. Es el país que he elegido para vivir. Digamos que lo político es una parte de nuestro trabajo, no es la única, pero no considero que hago un teatro político. No considero tampoco que por ser un artista debo ser un cómplice del estado de las cosas. Entonces reflexiono sobre lo que ocurre y trato de decir lo mío. He hecho un espectáculo que ha sido un espectáculo de denuncia. “En un sol amarillo (memorias de un temblor)”, el caso de los terremotos de Aiquile y Totora (malversación de fondos).

Recordando a Marcelo (parte del montaje)

¿El caso de la obra "Marcelo"?

“Marcelo” es un espectáculo que cuenta algo que los bolivianos habían olvidado que es la vida, la historia de Marcelo Quiroga Santa Cruz y entre esos aspectos también la historia de cómo nace la clase política que gobernó este país durante 20 años, que Marcelo denunció en el ’80, antes de morir. Justamente lo matan por el juicio que le hizo a Banzer. Junto a éste, la clase que hasta ese momento era opositora del mismo, los partidos neoliberales, toda esa gente de algún modo cómplice de la debacle económica y social de este país.

No hay que olvidarse que cuando se habla de Bolivia, si son ciertas las cifras extras oficiales, son cuatro millones los bolivianos en el exterior. Se dicen que en Argentina son un millón y medio. Donde voy encuentro bolivianos, comunidades bolivianas, en Canadá, Italia. Tierra del Fuego (sur argentino) tiene 4000 bolivianos. Ha habido un proceso social por el cual en los últimos 20 años, este país ha expulsado a un tercio de sus habitantes porque no pueden sobrevivir aquí. El principal ingreso que tiene Bolivia, son las remesas que envían sus inmigrantes. Eso por un lado es importante pero más vergonzoso que sea así, un país que pueda sostenerse con el dinero que ganan honestamente, trabajando durísimo las personas que fueron expulsadas del país y ni siquiera tienen derecho a voto. Eso es algo grave. Alguna vez hemos denunciado en alguna obra esto. Tengo una relación con la realidad, con la historia, con el pensamiento de este país. Entonces ha sido recuperar el pensamiento de Marcelo. Tal vez uno de los grandes intelectuales, de esos que nacen una vez cada 100 años y que tuvo Bolivia.

“Las Abarcas del tiempo” era una reflexión sobre la memoria que hice en un momento en que el triunfo neoliberal creaba esa especie de capa de olvido sobre el pasado de Bolivia. Inventé este viaje al “país de los muertos”, es un viaje al país de la historia, un drama. Debería ser ejemplar si es mostrada en su justa luz. “Ubu un Bolivia” era una sátira también sobre la corrupción, un texto clásico de Alfred Jarry, los primeros textos de teatro del siglo XIX. Yo lo adapté al contexto de lo que pudo haber sido un personaje como Mariano Melgarejo. Bueno, así cada obra tiene una sátira sobre la conquista. Pero yo no considero que hago un teatro político, yo hago teatro. El teatro tiene una posibilidad de que está bien hecho o está mal hecho. Después puede tener formas específicas, reflexiones estéticas, ideológicas, reflexiones formales, espirituales, todo eso conforma parte de la presentación de cada artista.

Paralelamente a la actividad teatral, la compañía editaba la Revista El Tonto del pueblo, podría comentar un poco sobre el proyecto (tiraje, números editados, contenido)?

El Tonto del Pueblo fue una gran misión que fracasó. Lo voy a seguir sacando, lo voy a reanudar, recomenzar, con menos ambiciones que antes. Inicialmente era una revista, grande, de mucho formato. Hicimos cinco números. Exceptuando uno están todos agotados. Hemos hecho una reedición del número cero. Era una revista que quería conformar algunos aspectos. Se proponía recordar, investigar, enseñar, polemizar y divertir. El único punto que no hemos logrado ha sido el polemizar. Parece que no hay frontón cuando tratas de abrir un debate honesto, abierto, no se responde. Pero los otros han sido útiles. En investigación hemos publicado artículos que por un lado hacen ver la realidad. Hemos estudiado el teatro argentino, boliviano. Hemos hecho un trabajo sobre el pensamiento estético y político de Lorca, de Bretch, el pensamiento de Kantúr. Hemos contado fragmentos de su historia no muy conocidos, incluso se presentó una obra de teatro en Argentina en base a ese artículo periodístico. El fracaso fue que yo quería hacer una vez por año la revista y no lo logré, es demasiado trabajo. Lo mejor es hacer una revista de menos formato, con las mismas intenciones pero más pequeña, que pueda salir con cierta regularidad, es el objetivo hoy día. En realidad, uno envejece, las fuerzas merman, hay siempre cosas que hacer. Entonces el tiempo que me quedaba para la revista era menor, y entre la revista y mi grupo, elijo mi grupo, es lo esencial. Solo la existencia de mi grupo justifica esa revista. Hubo un momento en que tuve que dedicar todas mis fuerzas para que mi grupo se sostuviera, sobreviviese y superara su crisis y la revista pasó a un segundo plano, desgraciadamente. Pero creo que los cinco números quedan en la historia del teatro boliviano, seguramente.

Cesar Brie en una de sus destacadas actuaciones

Llegó a Santa Cruz para dictar el Taller de Acercamiento a la dramaturgia en el Centro Simón I. Patiño. ¿Cuáles son sus apreciaciones?

Este es un pequeño taller que me han ofrecido que me sirve a mí para aprender a enseñar y sistematizar formas de trabajo relacionadas al texto. Estoy tratando de hacer eso. Enseñarle a la gente a no tener miedo a escribir. Si tuviera que decirte la verdad, es más importante enseñarle a la gente a tirarse a la pileta. Así como para nadar tienes que soltarte en el agua, para escribir tienes que ponerte a hacerlo. No hay muchos dramaturgos en el país, hay una carencia dramatúrgica. Yo trato de enseñar una dramaturgia que como no está ligada a la escritura, pero esa escritura debe estar ligada a pies y manos, a la escena. Entonces eso es lo que estoy tratando de transmitir.

Se acerca el VI Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz. ¿Cuáles son los planes de Teatro Los Andes para tal magno evento?

Vamos a presentar tres obras. Una es “Marcelo” que todavía no la presentamos en Santa Cruz. Vamos a presentar “120 kilos jazz” que acabamos de estrenar, es una obra cómica, una historia de amor jocosa. Es un señor muy gordo, que hace todo para poder ir a una fiesta donde va ir la mujer que él ama y que ella no lo ama. Es un personaje, un contrabajista. Es un cuento que escribí y con el cual gané el Festival de Cuentos del Diario Presencia hace muchos años y ahora lo hemos adaptado al teatro, es un monologo. Luego vamos a hacer una obra sobre la violencia familiar, que es un tema candente en el país. Más del 50 % de las familias sufren violencia intrafamiliar, hemos hecho un estudio sobre eso. Estamos terminando el montaje, va a estar en el festival. Esas son las obras.

Después estoy preparando pero eso será para el próximo año, una nueva obra de teatro que será La Odisea. La Odisea como un cuento relacionado con el problema de la migración. Creo que es un drama, todo el mundo quiere irse de donde está. Justamente La Odisea es también un poema del regreso. Ulises / Odiseo hace de todo por volver. Dice que no hay un lugar mejor para el hombre que el lugar donde creció. Un poco si quieres, parafraseando a Rilke que “la patria del hombre es su infancia”. Entonces el peligro del inmigrante es doble, fracasar o triunfar. Es siempre un peligro. ¿Por qué? Porque cuando fracasas regresas con menos de lo que tenías. Cuando triunfas te quedas cómodo en un país pero eres pan para la nostalgia, aquello que perdiste no lo recuperas. Entonces Odiseo lucha contra esos dos, lucha contra las adversidades, los naufragios, los cíclopes, y lucha también contra las bondades. Una diosa le ofrece vida eterna si se queda con él, los feacios le ofrecen la hija del rey como esposa y ser un huésped ilustre, y él dice que no, que quiere volver. Entonces el mito del retorno nace de algún modo nace con La Odisea y tratamos de enfrentarnos a la luz del clásico y a la luz también de la realidad. Bolivianos que piensan que se van y que quieren vivir mejor. Terminan tal vez viviendo mejor, pero no completamente, no espiritualmente. Entonces, yo creo que detrás de todo emigrante hay un espejismo, y ese espejismo hasta cierto punto no se relata. Argentina se ha formado con emigrantes, son los hijos de esos emigrantes que ya nacen con otra cosa, me entendés. Alguien que vivirá el resto de su vida lacerado, desgarrado por dentro, con ese dolor, paraíso o infierno perdido. Eso será el tema de la próxima obra pero no para este festival, sino que estará lista de aquí a un año y medio.

Cesar Brie (Buenos Aires, Argentina, 1954). Fundador de la Comuna Baires (1971), Grupo Internacional Farfa (1980), ha formado parte del reconocido Odin Theatre de Dinamarca. LLegó a Bolivia en 1991 y fundó el Teatro Los Andes, en la comunidad de Yotala, Chuquisaca. Desde sus inicios, Teatro Los Andes ha presentado más de 12 obras, con más de 845 puestas en escena dentro del territorio nacional y en diversos países como: Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Venezuela, Cuba, España, Italia, Francia, Portugal, Suiza, EEUU y Puerto Rico. Entre sus obras más exitosas destacan: Cancionero del Mundo (1992), Solo los giles mueren de amor (1993), Ubú en Bolivia (1994), Las abarcas del tiempo (1995) y La iliada (2000).